Ryan Gosling et Emma Stone se délectent de La La Land

ParIgnati Vishnevetsky 13/09/16 14:10 Commentaires (82)

La La Land (Photo: TIFF)

Ouverture avec un numéro de danse dans un embouteillage et un bâillon levé de La fille ne peut pas l'aider , La La Land (Note : A- / B+) s'annonce comme un film à la fois dynamisé et limité par son attachement à la tradition musicale cinématographique. Suivi de Damien Chazelle Coup de fouet est un plaisir spectaculaire et doux-amer pour la foule, mais il est parfois plus préoccupé par la synthèse de la magie hollywoodienne perdue que par la création de la sienne. (A 126 minutes, c'est aussi un ou deux numéros musicaux de trop.) Pourtant, la pureté des intentions de Chazelle transparaît ; prenant le bonheur et la fantaisie (c'est-à-dire les choses que les comédies musicales classiques sont censées fournir) comme thèmes, il a créé une romance sincère, dans le contexte d'un Los Angeles idyllique. Il demande à quoi les personnages d'une comédie musicale Cinemascope devraient rêver et répond par un final qui élève le film à un niveau supérieur de réalisation de souhaits et de mélancolie.



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Emma Stone et Ryan Gosling forment une formidable paire de pistes : c'est une actrice en herbe qui travaille dans un café du studio Warner Bros., c'est un musicien de jazz réduit à jouer du piano de Noël dans un restaurant. Ni l'un ni l'autre n'est un chanteur exceptionnel, mais ils s'intègrent parfaitement dans la partition dynamique et charmante du collaborateur musical de longue date de Chazelle, Justin Hurwitz. (Les deux ont déjà fait une comédie musicale : les débuts en noir et blanc de Chazelle en 16 mm, Guy et Madeline sur un banc de parc , lequel La La Land échos.) Ce sont des personnages qui vivent dans une réalité de références cinématographiques; si le projecteur tombe en panne pendant la scène du planétarium lors d'une projection de Rebelle sans cause , ils peuvent simplement monter dans une voiture et se rendre auObservatoire Griffitheux-mêmes.

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Le cinéma de Chazelle est énergique. Mais malgré l'artificialité accélérée et colorée (presque chaque scène commence par un gag visuel), les performances de Stone et Gosling deviennent de plus en plus des caractérisations au fur et à mesure que le film avance, sans jamais sacrifier La La Land air de conte de fées. (Disons simplement que l'intrigue a des points communs avec le récent Café Société .) Un jour après la projection de presse, ce qui me frappe le plus, c'est que cet hommage musical au monde plus parfait d'Hollywood vintage - où faire remorquer sa voiture ou s'ennuyer lors d'une fête peut conduire à un moment de bonheur - est presque entièrement consacré à les gens se demandent s'il y a quelque chose de plus.

Une passion tranquille (Photo: TIFF)



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Qu'est-ce que cela dit à propos de Terence Davies que le plus proche qu'il est venu de faire une comédie est un biopic d'Emily Dickinson? Pour être juste, l'une des idées centrales de Une passion tranquille (Catégorie B) c'est que le 19ème siècle était une époque où les mots comptaient plus qu'aujourd'hui, même si c'est normal pour Davies, dont les films (qui ont tous été des pièces d'époque) donnent l'impression que quoi qu'il en soit, c'était plus important alors. Conformément au cinéma des passe-temps perdus de Davies, le clan Dickinson et ses voisins s'arrangent pour mettre fin à chaque échange par un mot d'esprit ou une remarque entendue, plaisantant sur les livres qu'ils n'ont pas lus et les endroits où ils n'iront jamais. Dans cette vie modeste d'absences prolongées, d'expériences limitées et de morts prématurées (il s'agit d'un film de Terence Davies, après tout), sans aucun art à part le portrait de famille et très peu de musique, les mots sont la seule source constante de divertissement, de plaisir par procuration. , et l'humour.

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Davies, qui a commencé sa carrière en tant que maître des films autobiographiques, mais s'est depuis tourné vers des adaptations littéraires très personnelles comme La maison de la joie et Le grand Bleu - n'a aucune intention de donner vie à ce monde. Après le classicisme mélodramatique de Chanson du coucher du soleil , il s'est replié sur un style encore plus volontairement rigide et aliénant que d'habitude. S'il y a de l'ingéniosité, c'est la façon dont il transmet à la fois le sentiment d'une époque où les gens pouvaient être scandalisés par une référence ou ravis par un sermon et le fait que la vie était terne et souvent cruelle. (Il convient de noter que les protagonistes des films de fiction des derniers jours de Davies ont tous été des femmes socialement isolées.) Une passion tranquille est gêné par le fait d'être trop long et répétitif. Comme dans le parfois impénétrable Chanson du coucher du soleil , Davies, le cinéaste anglais le plus intériorisé, montre son dévouement à travers sa fidélité au texte, essayant de dépeindre autant qu'il le peut la vie triste mais notoirement sans incident du poète.

Daguerrotype (Photo : TIFF)



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Un ascenseur manuel à levier m'a emmené jusqu'à la mezzanine du Winter Garden Theatre pour que je puisse faire ma projection de Daguerrotype (Note : C+), le nouveau film de Kiyoshi Kurosawa, le scénariste-réalisateur japonais connu pour Guérir et presse , deux classiques de l'horreur moderne. C'était une façon appropriée d'entrer dans la composition du TIFF autre incursion dans l'influence intériorisée du XIXe siècle. ( Une passion tranquille a en fait une séquence soignée et atypique impliquant un studio photo daguerréotype.) Une ion de langue française se déroulant principalement sur une propriété à la périphérie de Paris actuel, Daguerrotype est quelque chose comme un roman moins gothique, possédé par sa propre trame de fond. C'est dommage que cela devienne si idiot – se transformant, comme le faisaient souvent les vraies histoires du 19e siècle, en un long conflit sur l'immobilier – parce que sa première heure a tellement de potentiel suggestif. Cela est particulièrement vrai de la façon dont Kurosawa utilise une tentative moderne de recréer la photographie ancienne comme métaphore du cinéma : un processus laborieux et presque mystique qu'il essaie de retrouver un sentiment d'émerveillement perdu depuis longtemps.

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Un prophète Tahar Rahim joue le rôle d'une personne sans emploi qui répond à une annonce pour devenir l'assistant d'un photographe de mode semi-retraité (Olivier Gourmet) qui vit dans un manoir effrayant et est obsédé par la prise de photos daguerréotype grandeur nature de son fille étrange et belle (Constance Rousseau, dont le nystagmus définit l'autre monde de son personnage). Une tournure alambiquée des événements déplace l'objectif du film vers quelque chose qui est à la fois ridicule et décevant facile à rationaliser. Je réfléchis toujours au film et la note n'est pas permanente, en partie parce que j'ai trouvé le sens de l'humeur de Kurosawa (c'est l'un de ses plus beaux films, avec une partition à la Bernard Herrmann de Grégoire Hetzel) tellement plus convaincant que le mélange maladroit du récit de maisons hantées et de conventions noires. Pour un film qui ne fonctionne pas vraiment, je me suis retrouvé à le recommander à un très grand nombre de personnes.

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Plus: Ce n'est qu'au cours d'une conversation sur le trottoir devant le Scotiabank Theatre que j'ai compris que j'avais déjà vu deux films ( Orly , Marseille ) par Angela Schanelec, la directrice allemande de Le chemin rêvé (Note : D+). Ce qui est drôle, c'est que je ne me souviens pas Pourquoi J'en ai vu deux (vraisemblablement, j'ai dû être assez intrigué par un pour en essayer plus), et ce claptrap ne m'a certainement pas rafraîchi la mémoire. Avec ses imitations de gros plans de Robert Bresson, ses références inutiles au changement politique européen, ses acteurs qui parlent d'acteur, ses drogués qu'on ne voit jamais en train de se droguer, ses chansons pop inattendues et son récit délibérément obscurci (probablement parce que, attendez, il a l'arc d'un mauvais roman social victorien), l'ennui studieux de Schanelec semble destiné à un public de personnes qui écrivent des descriptions de catalogues de festivals de films.