Les meilleurs films de 1999

Captures d'écran (YouTube) : The Matrix, Being John Malkovich, The Iron Giant, Toy Story 2, Eyes Wide Shut Graphic : Libby MaguireParL'A.V. club 06.08.19 22:00 Commentaires (427)

Au printemps, l'auteur et journaliste Brian Raftery a amplifié une opinion de plus en plus populaire de la culture cinématographique contemporaine. Comme le titre de son livre le taquine, Meilleur. Film. Année. Ever.: Comment 1999 a fait exploser le grand écran entretient la possibilité que le cinéma - ou du moins américain le cinéma – a peut-être culminé en 1999, qui est maintenant régulièrement cité aux côtés de 1939 et 1974 chaque fois que quelqu'un soulève la question de savoir quelle année, exactement, est la plus grande d'Hollywood. Ce n'était pas comme si les cinéphiles et les critiques ne savaient pas qu'ils vivaient quelque chose de majeur, une véritable récolte exceptionnelle, pendant que cela se produisait. Mais au cours des deux décennies qui ont suivi, la réputation de 1999 n'a fait que grandir, au point où elle est maintenant fréquemment traitée comme une sorte de mini-renaissance : une ruée inattendue de classiques mur à mur, tous sortis à l'aube du nouveau millénaire .

Si 1999 n'est pas, comme beaucoup l'affirment maintenant, la meilleure année cinématographique, c'est presque certainement l'une des plus années de cinéma. Parcourir le calendrier de sortie de 99, c'est rencontrer un film important et révolutionnaire après l'autre. Il nous a donné l'œuvre finale d'un maître régnant et des débuts par des maîtres en devenir. Il a livré sans doute l'extension de franchise la plus attendue de l'histoire du cinéma, et aussi l'un des films les plus rentables de tous les temps, une sensation d'horreur à petit budget qui a fait le bouche à oreille au grand box-office (et peut-être un plus grand contrecoup). Ce fut un moment décisif pour les comédies pour adolescents, les films d'animation et les superions à effets spéciaux. Et malgré tous les discours sur les grands films américains, de nombreux films internationaux formidables - du Japon, d'Iran et d'ailleurs - ont fait sensation.



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Quand est venu le temps de classer nos favoris de 1999, L'A.V. club établi quelques règles de base, similaires à celles qui régissaient nos récapitulatifs de 1997 et 1998 's best, ainsi que notre sondage annuel des critiques. Pour être admissible à l'inclusion, un film devait sortir en Amérique dans le courant de 1999. Cela impliquait d'exclure certains films qui ne créé cette année-là, y compris, malheureusement, de l'excellent travail de réalisatrices, qui ont dû se battre encore plus qu'elles ne le font maintenant pour faire faire et voir des films. (Revenez dans un an, quand nous chanterons sûrement les louanges rétrospectives de Les vierges suicides , Beau Travail , Chasseur de rats , et Mais je suis une pom-pom girl , qui sont tous entrés dans les cinémas américains en 2000.) Cela signifiait également faire de la place pour les films, dont beaucoup ne pas Américain, qui a trouvé son chemin vers l'Amérique en 1999 - bien que nous ayons réduit la fenêtre d'éligibilité à cinq ans, c'est pourquoi vous ne trouverez pas, disons, le chef-d'œuvre de 1990 Fermer sur la liste ci-dessous. C'est, après tout, le meilleur. Film. Année. Déjà. Nous avons dû rétrécir le champ en quelque sorte .




25. Les garçons ne pleurent pas

Photo : Hilary Swank et Chloé Sevigny (Getty Images)

Plus que la plupart des autres films de cette liste, Les garçons ne pleurent pas se sent comme un produit d'une autre époque. Même les critiques contemporaines les plus élogieuses ne pouvaient pas obtenir les bons pronoms (elles étaient lourdes sur les noms sans nom et parlaient de confusion entre les sexes), et les éléments du film lui-même, y compris avoir une femme cis, Hilary Swank, jouer un homme trans-sont assez datés , trop. Tout de même, il y a une empathie intacte et hurlante pour le drame déchiré des gros titres de Kimberly Peirce sur Brandon Teena, qui a été violée et assassinée par des connaissances lorsqu'elles ont découvert qu'il était transgenre. Bien que Les garçons ne pleurent pas construit, avec une inexorabilité déchirante, à la mort de Brandon, il est tout aussi sincèrement intéressé à imaginer ce que son vie aurait pu ressembler - en enquêtant sur ses rêves, son esprit rebelle et la façon dont il a navigué dans le Nebraska rural de 1993. Et bien que le casting puisse ressembler à une erreur du point de vue de notre marginalement plus éclairé maintenant, la performance oscarisée de Swank conserve son vitalité et puissance, transmettant la montée d'adrénaline d'être qui vous êtes vraiment, peu importe le risque. [A.A. Dowd]



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24. Bleu parfait

Bleu parfait

Image : capture d'écran de la bande-annonce

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Avant que les écrans ne deviennent une partie omniprésente de notre vie quotidienne, avant que la pêche au chat ait sa propre émission MTV et avant des films comme Orange et Sans ami pris sur le potentiel menaçant et déformant psychologiquement d'Internet, il y a eu les débuts de réalisateur de Satoshi Kon, Bleu parfait . Après Mima, une ancienne pop star plongée dans le terrier du lapin après avoir découvert un blog de fans tenu par un hôte déséquilibré et obsessionnel, le film revient dans une interrogation infernale sur la célébrité, l'image de soi et la vie privée à l'ère numérique. Considéré comme l'une des plus grandes inspirations de Darren Aronofsky ( Cygne noir , avec son doppelgänger diabolique et ses ballerines, est pratiquement une arnaque), ce chef-d'œuvre animé se déroule à travers un montage net et fluide alors qu'il descend dans un surréalisme qui donne la chair de poule. Et en tant qu'histoire de ce que c'est que d'habiter le corps d'une femme, ça ne frappe pas ; cela pourrait très bien être le film Vox Lux souhaite que ce soit. [Béatrice Loayza]




2. 3. Film américain

Marc Borchardt

Photo : capture d'écran de la bande-annonce

Bien sûr, la plupart des films de studio hollywoodiens concernent la poursuite et la réalisation de vos rêves ; ils sont écrits par des scénaristes professionnels, des gens qui ont déjà terminé leurs années de lutte et qui s'en sortent. Un hymne sans compromis à l'effort et à l'échec comme Film américain ne pouvait venir que des franges indépendantes sans budget, où l'on trouve des autodidactes chimériques comme le cinéaste DIY Mark Borchardt. Le documentaire primé de Chris Smith à Sundance suit le réalisateur semi-qualifié, aimant de la dette et alcoolique en formation sur la ion harassante de son film d'horreur autofinancé Coven , que Borchardt considère comme le tremplin vers le film qu'il veut vraiment faire. Tout d'abord, cependant, il devra surmonter les limites de ses propres talents, une équipe composée d'incompétents non formés qui donnent de leur temps, un budget prohibitif et un scénario qui ne tiendra tout simplement pas. Film américain ose se demander à quel moment une personne devrait accepter que l'aspiration de sa vie ne se réalise tout simplement pas, et à la manière vraiment américaine, conclut que toute la ruine financière et l'autodestruction dans le monde ne peuvent empêcher une personne d'avoir un but . Les propres films de Borchardt ont peut-être été des opérations délabrées, mais celui-ci l'est – pour le dire ses paroles -putain de cul. [Charles Bramesco]


22. Le géant de fer

Le géant de fer

Image : capture d'écran de la bande-annonce

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D'une façon, Le géant de fer ne pourrait pas être plus simple; il est fait de choses familières, y compris un enfant qui se lie d'amitié avec un visiteur étrange, des adultes qui ne comprennent pas (sauf quand ils le font), et de la bravoure et de l'empathie en tant que super-pouvoirs. D'un autre côté, les débuts animés exceptionnels de Brad Bird n'ont pas peur de patauger dans la boue d'un gros matériel sombre: violence, paranoïa, cupidité, récupération d'un traumatisme, la liste est longue. Le géant de fer, exprimé par un jeune Vin Diesel, a la capacité de se reconstruire lorsqu'il est brisé, une métaphore aussi puissante que la répulsion qu'inspire l'imposant robot. Autant Bird comprend cette peur, il comprend également pourquoi Hogarth - ostracisé par ses camarades de classe, petit et intelligent avec un nom amusant et un amour pour les solitaires - verrait ce qu'est vraiment la merveille du titre avant tout le monde. C'est un grand film pour enfants, un triomphe de l'animation (à la fois traditionnelle et générée par ordinateur), et surtout, un conte de fées puissamment compatissant. De plus, le robot géant est vraiment cool. [Allison cordonnier]


vingt-et-un. Conte d'automne

Conte d'automne

Photo : capture d'écran de la bande-annonce

La quatrième et dernière installation du cycle Contes des quatre saisons d'Eric Rohmer, Conte d'automne semblerait être une relique romantique dans le paysage des comédies pour adolescents avant-gardistes et des films entièrement américains de Nora Ephron qui ont distingué la fin des années 90. Mais bien que Rohmer préserve son penchant de plusieurs décennies pour les dissections bavardes et spirituelles des gens ordinaires, il lance une courbe en centrant l'histoire non pas sur les jeunes, ses sujets habituels, mais sur la vie intérieure des femmes dans la quarantaine. Mettant en scène deux de ses anciennes collaboratrices, Béatrice Romand et Marie Rivière, le film bricole un réalisme magique en établissant des parallèles entre les femmes magnifiquement mûries et le vignoble resplendissant dans lequel l'une d'entre elles s'installe comme son havre solitaire. Entrée en fin de carrière dans le canon rohmérien, cette exploration réfléchie et tranquille de l'anxiété de la quarantaine et du désir suspendu est un argument convaincant en faveur de l'attrait intemporel du naturalisme séduisant du cinéaste. [Béatrice Loayza]

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vingt. Après la vie

Après la vie

Photo : capture d'écran de la bande-annonce

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L'année dernière, Kore-eda Hirokazu a remporté le prix du cinéma le plus prestigieux au monde, la Palme d'or à Cannes, pour son drame domestique. Voleurs à l'étalage . L'humanisme délicat du film n'a pas surpris tous ceux qui ont suivi la carrière du réalisateur japonais au fil des ans, et surtout pas ceux qui ont vu son deuxième long métrage réfléchi et émouvant. Après la vie envisage le monde au-delà de la mort comme une sorte de bâtiment administratif banalement décoré, où une équipe d'assistants célestes aide les personnes récemment décédées à prendre une décision importante : quel souvenir de leur vie passée aimeraient-ils emporter avec eux au paradis et revivre pour l'éternité ? Dans cette simple invite, Kore-eda trouve une riche veine d'enquête philosophique, une comédie sur le lieu de travail légèrement décalée (NBC's Le bon endroit contient peut-être des échos accidentels de sa vision bureaucratique de l'au-delà), et même une métaphore du cinéma lui-même en tant que moyen imparfait mais précieux de traiter, d'immortaliser et de donner un sens aux expériences. On pourrait dire que les lauriers de Kore-eda étaient en retard; il les a gagnées il y a 20 ans, avec un plaisir méditatif qui se tient ainsi qu'un souvenir à jamais chéri. [A.A. Dowd]


19. L'initié

Photo : Al Pacino (Getty Images)

Quand le réalisateur Michael Mann et le co-scénariste Eric Roth ont raconté l'histoire des coulisses d'un sujet controversé 60 minutes segment, ils lançaient vraiment un avertissement sur certaines tendances alarmantes dans les médias américains - un avertissement que le public n'a en grande partie pas tenu compte. Al Pacino donne l'une de ses meilleures performances en fin de carrière, plus sourde et moins criarde, en tant que Lowell Bergman, un eur qui poursuit un scoop sur les dangers du tabagisme jusqu'alors inconnus. Russell Crowe joue L'initié L'initié de , le lanceur d'alerte de l'industrie du tabac Jeffrey Wigand, dont les problèmes personnels - et ses accords de non-divulgation - donnent à ses anciens patrons les armes dont ils ont besoin pour tenter d'intimider CBS News. Ce qui émerge est un portrait troublant de deux entreprises qui conspirent efficacement pour enterrer la vérité, car l'argent et le pouvoir comptent plus que les citoyens qui apprennent comment ils sont empoisonnés. [Noël Murray]


18. Trois rois

Photo : George Clooney et Nora Dunn (Getty Images)

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Bien que David O. Russell ait commencé sa carrière avec un indie transgressif, il y a quelque chose de peu convaincant dans les récentes accusations selon lesquelles il s'était vendu avec des appâts Oscar propulsés par des stars. Après tout, la plupart des films de Russell racontent des histoires accessibles – farce, sports outsiders, romance – à travers des personnages querelleurs et une caméra agitée. À cette fin, son troisième long métrage, Trois rois , peut-être son exploit le plus habile, un film de guerre d'après-guerre et une photo de cambriolage où un vol d'or orchestré par un quatuor de soldats de la guerre du Golfe (George Clooney, Ice Cube, Mark Wahlberg et Spike Jonze, formant une improbable chimie) est détourné par leur compulsion à faire ce qui est juste. La cinématographie décolorée et éclatée fait de ce film le plus stylistiquement aventureux de Russell, ainsi que l'un de ses plus purement divertissants, comme un projet Oliver Stone sombre et moins grandiose. Quelques années plus tard, la vraie vie allait donner une suite plus coûteuse et plus catastrophique à la guerre du Golfe, et Trois rois La représentation du rôle de l'Amérique dans les troubles au Moyen-Orient serait à la fois plus résonnante et, à plus petite échelle, un peu pittoresque. [Jesse Hassenger]


17. Faire sortir les morts

Photo : Patricia Arquette et Nicolas Cage (Paramount Pictures/Getty Images)

Le dernier film de Martin Scorsese des années 90 l'a ramené en territoire familier : un insomniaque solitaire roulant dans Manhattan, cette fois dans une ambulance, portant les horreurs du monde sur ses épaules. Mais Faire sortir les morts a un esprit beaucoup plus généreux que celui du réalisateur Chef d'oeuvre des années 70 , creusant un espace pour le pardon dans un paysage indifférent. Dans l'une de ses meilleures performances, Nicolas Cage incarne l'ambulancier paramédical Frank Pierce (une version plus gentille et bienveillante de Travis Bickle), qui parcourt le monde dans un état second, hanté par les vies qu'il n'a pas pu sauver. Il se déplace à travers le monde éminemment spécifique de l'écrivain Paul Schrader d'ambulanciers et d'employés hospitaliers qui ignorent leur faible taux de réussite - un concept étranger à un homme qui prend chaque décès personnellement. Avec l'une des meilleures bandes sonores de Scorsese et une multitude de grands talents de soutien, Faire sortir les morts revendique un caractère poignant qui se faufile sur vous, souvent dans des moments où vous vous y attendez le moins, par exemple, Frank convainc un homme suicidaire de l'accompagner à l'hôpital où ils le tueront gratuitement. La compassion se présente sous plusieurs formes. [Vikram Murthi]


16. Tout sur ma mère

Photo : Cecilia Roth et Eloy Azorin (Dreamworks/Getty Images)

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Je suis chaque femme, tout est en moi, luxueux Chaka Khan. Pedro Almodóvar voit également la féminité comme un vaisseau pour à peu près tout ce qui a du sens dans la vie : la pureté et le péché, le sexe et la sainteté, la passion et la décadence. Lorsque Manuela de Cecilia Roth quitte son travail d'infirmière en transplantation d'organes pour aller annoncer à son ex à Barcelone la mort de leur fils, elle fait la connaissance de plusieurs femmes qui lui apparaissent comme des variations sur un thème : une religieuse enceinte (Penélope Cruz) , une travailleuse du sexe pleine d'entrain (Antonia San Juan), une actrice hautaine (Marisa Paredes), une lesbienne addict (Candela Peña) et son ex-conjoint (Toni Cantó), qui s'est depuis révélée trans et s'appelle désormais Lola. Chacun contient une dimension de féminité filtrée à travers le mélodrame humide de Douglas Sirk et l'esprit sourcilleux du camp classique auquel le titre fait allusion. Almodóvar avait alors gagné le respect mondial en tant que coquin profane, mais un style nouvellement maîtrisé mais non moins vif, ainsi que des idées éclairées sur le genre et l'épidémie de sida, ont lancé une nouvelle ère de discipline dynamique pour l'artiste. [Charles Bramesco]


quinze. Club de combat

Brad Pitt et Edward Norton

Capture d'écran : YouTube

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Depuis fondamentalement un flop au box-office, Club de combat a été largement interprété à tort comme une glorification sincère de la violence masculine. Cette lecture passe à côté de l'adaptation par David Fincher du roman satirique de Chuck Palahniuk, qui aborde des préoccupations légitimes concernant la marchandisation de la culture, le capitalisme cannibale et l'isolement social croissant, mais soutient finalement que nous ne devrait pas céder à nos impulsions les plus sombres en essayant de changer le monde. La performance merveilleusement déséquilibrée d'Edward Norton rencontre son égal dans Brad Pitt, qui apporte une joyeuse manie à l'identité personnifiée de Tyler Durden. Le magnétisme push-pull entre la paire ajoute une profondeur émotionnelle aux scènes qui se font passer pour une simple posture masculine, et Marla Singer d'Helena Bonham Carter, avec sa propre marque de survie anti-establishment, est l'arme secrète du film. Ces performances, combinées à la partition trippante des Dust Brothers et au flair visuel habituellement confiant de Fincher (donner vie au catalogue IKEA avec la population rythmée de l'appartement de Norton, par exemple), ont cimenté Club de combat comme un classique culte à consommer fébrilement (et incompris) pour les années à venir. [Roxana Hadadi]


14. L'histoire droite

Photo : Richard Farnsworth (Liaison/Getty Images)

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David Lynch fait Disney, comme on pourrait le décrire avec désinvolture L'histoire droite , On dirait la recette pour une catastrophe. Mais décomposez les éléments fondamentaux du seul film classé G du réalisateur, et la combinaison ne semble pas si étrange. Voici les petites villes, les petites routines, le spectre inévitable de la mortalité et l'admiration pour la résilience qui caractérisent une grande partie du travail de Lynch, ainsi que, honnêtement, celui de la Mouse House. Voici la douceur familière et troublante de la partition d'Angelo Badalamenti, et les moments d'humanité, simples mais précieux pour les personnages comme pour le cinéaste. Et surtout, voici le grand Richard Farnsworth, qui incarne Alvin Straight, un homme qui a vraiment conduit une tondeuse à gazon sur des centaines de kilomètres pour voir son frère malade. Le visage de Farnsworth est la carte d'une vie ; quand il sourit, on a mal. Farnsworth et L'histoire droite ressemblent beaucoup au voyage de Straight dans le Wisconsin, à bien y penser : inattendu, simple et spécial. [Allison cordonnier]


13. Le sixième sens

Photo : Haley Joel Osment et Bruce Willis (Getty Images)

Je vois des morts est une ligne qui continue de clamer autour de la conscience de la culture pop 20 ans plus tard, mais l'impact de la grande percée de M. Night Shyamalan en tant qu'écrivain et réalisateur est plus grand que cela. La performance de plus en plus consciente de Bruce Willis en tant que psychologue Malcolm Crowe a été un changement de rythme rafraîchissant pour l'acteur; Haley Joel Osment a saisi les téléspectateurs avec sa terreur profondément ressentie en tant que médium de la taille d'une pinte Cole Sear; et la fin tordue de Shyamalan a donné au cinéaste sa carte de visite. Le film tire sa force d'abord de ses interrogations sur les responsabilités des vivants et les regrets des morts, et sa révélation inattendue n'a fait qu'élever cette dualité. Bien que Shyamalan revienne trop souvent à cette sorte de narration compliquée, Le sixième sens a effectivement emmené les téléspectateurs dans un voyage de la terreur externe à l'horreur interne, aidant à inaugurer un renouveau d'histoires de fantômes méthodiquement tendues de style victorien, y compris celle de Nicole Kidman Les autres , une partie solide de l'œuvre de Blumhouse, et celle de Mike Flanagan Maison sur la colline hantée [Roxana Hadadi]


12. Princesse Mononoke

Princesse Mononoke

Image : capture d'écran de la bande-annonce

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Quand il a finalement fait surface aux États-Unis deux ans après sa course record au Japon, Princesse Mononoke n'a pas eu le genre de succès que Disney/Miramax, son distributeur américain, aurait pu espérer. Mais il ne fait aucun doute que ce film du Studio Ghibli, dirigé par le légendaire animateur Hayao Miyazaki, possède le poids, la grandeur et la portée épique pour égaler - voire mieux - à peu près n'importe quel blockbuster sorti en 1999. Se déroulant pendant la période Muromachi au Japon, le film observe alors que le dernier prince Emishi est entraîné dans un violent conflit pour l'avenir d'une forêt menacée de destruction. Les éléments éco-fables du film sont assez clairs, mais l'histoire - tirée avec imagination de la mythologie et du folklore japonais - est néanmoins politiquement et moralement complexe, augmentée à chaque tournant par la splendeur visuelle et le cinétisme pur de l'animation. Trois ans plus tard, le suivi de Miyazaki, Enlevée comme par enchantement , remporterait l'Oscar du meilleur long métrage d'animation, mais Princesse Mononoke était la flèche qui montrait la voie à suivre. [Lawrence Garcia]


Onze. Le citron vert

Timbre de Terence

Capture d'écran : YouTube

Le suivi de Steven Soderbergh de son percée grand public élégante et sexy était un autre film policier, mais cette fois, il a troqué le plaisir foudroyant contre une méditation semi-proustienne sur le regret. Un thriller de vengeance rythmé peuplé d'acteurs et d'une légende des années 60, Le citron vert dispose de l'infrastructure d'un À bout portant mais le coeur d'un Hiroshima, Mon Amour . Le style de montage fracturé de Sarah Flack, le script pointu de Lem Dobbs (réduit à l'essentiel par Soderbergh) et la photographie ensoleillée d'Ed Lachman créent un film de mémoire dont la structure ressemble à une vie en ruine qui défile devant les yeux. Terence Stamp, tout aussi menaçant et pénitent, traque avec détermination Los Angeles pour venger sa fille décédée, mais sa vengeance souligne surtout ses propres erreurs passées. Malgré son registre émotionnel triste, Le citron vert embrasse toujours une ambiance californienne détendue, qui imprègne la mélancolie avec des monologues nostalgiques et des plaisanteries grossières. Soderbergh a clôturé sa première décennie de travail avec une réalisation imposante, animée par un esprit de collaboration et un œil d'artisan. Dieu merci ils arrivent encore putain . [Vikram Murthi]


dix. Sens dessus dessous

Photo : Getty Images

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À l'époque surtout connu pour ses portraits de la vie britannique de la classe ouvrière contemporaine, Mike Leigh s'est d'abord aventuré sur le territoire du drame d'époque avec cette chronique très détaillée de Gilbert et Sullivan mettant en scène Le Mikado , l'une des opérettes les plus réussies du duo de l'époque victorienne. Une rare représentation du processus artistique du scénariste-réalisateur ( M. Turner suivrait 15 ans plus tard), Sens dessus dessous rassemble un ensemble tentaculaire d'habitués de Leigh comme Jim Broadbent, Lesley Manville et Timothy Spall, chacun vibrant et mémorable. La grandeur du film, cependant, réside dans l'orchestration habile de Leigh des tons contrapuntiques, mélangeant l'euphorie et l'épuisement, l'exaltation et la résignation, la tristesse et la joie avec un flair apparemment sans effort, sans parler d'un certain nombre de performances musicales variées et hilarantes. À la fois un hymne émouvant à la poursuite créative et un regard qui donne à réfléchir sur ses limites, Sens dessus dessous capture le véritable chaos de la vie d'artiste comme peu de films ont réussi. C'est le monde à l'envers. [Lawrence Garcia]


9. Le projet Blair Witch

Photo : Heather Donahue (Artisan Entertainment/Getty Images)

Le film qui a lancé mille arguments, sans parler de tout un sous-genre d'horreur toujours aussi fort 20 ans plus tard. À l'époque, les gens étaient prêts à croire qu'ils regarderaient de vraies images récupérées de trois jeunes qui avaient mystérieusement disparu; Le public américain est descendu en masse dans les cinémas (corrigé de l'inflation, il a rapporté environ 215 millions de dollars, à peu près autant que Mission : Impossible—Fallout ou alors Ant-Man et la guêpe ), avec de nombreuses personnes émergeant 81 minutes plus tard, absolument livides de l'absence de quoi que ce soit de manifestement terrifiant. Ignorez le battage médiatique, cependant, et Le projet Blair Witch fait froid dans le dos d'une manière différente - plus proche de celle de Sartre Sans issue que de L'Exorciste. Improvisant dans les bois pendant plusieurs jours, les trois acteurs principaux commencent inévitablement à se retourner les uns contre les autres, atteignant des niveaux de frustration et de ressentiment qu'il serait presque impossible pour les amateurs de simuler. (Essayez d'obtenir les célèbres excuses morveuses de Heather Donahue d'un acteur qui vient de sortir de la table de service artisanal.) Le croque-mitaine ici n'est pas la Blair Witch jamais vue. C'est la nature humaine elle-même. [Mike D'Angelo]

temporada 4 de alto mantenimiento

8. Histoire de jouets 2

Histoire de jouets 2

Image : capture d'écran de la bande-annonce

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Toy Story 3 et Histoire de jouets 4 ont tous deux été largement salués pour avoir été aux prises avec de sérieuses questions existentielles, investir ce qui sont apparemment des films pour enfants avec une véritable profondeur émotionnelle. Mais c'était la deuxième entrée de la franchise - seulement le troisième long métrage de Pixar au total, après l'original Histoire de jouet et La vie d'un insecte – qui a jeté les bases des explorations ultérieures de l’obsolescence rampante et de la flèche indifférente du temps. Ici, personne n'est confronté ou ne cherche l'oubli ; au lieu de cela, Woody, volé par un collectionneur, découvre son passé chargé d'histoires, rencontre des amis oubliés et est confronté à une décision difficile : se laisser sauver par Buzz et le gang (pour finir par être jeté par Andy), ou devenir un affichage précieux dans un musée japonais ? Histoire de jouets 2 trouve l'équilibre idéal entre poignant et hilarant, atteignant même brièvement les deux à la fois lorsque Buzz rencontre un sosie encore délirant. De plus, les rivaux flashback de Jessie En haut Le prologue de Pixar est le larmoyant le plus impitoyable de Pixar. Pas mal pour une suite qui était à l'origine destinée strictement à la vidéo domestique. [Mike D'Angelo]


7. Élection

Reese Witherspoon

Capture d'écran : YouTube

Qui aurait pensé que l'un des films les plus vrais et les plus drôles jamais réalisés sur la politique se déroulerait dans un lycée d'Omaha ? Le réalisateur Alexander Payne et son partenaire d'écriture Jim Taylor ont adapté le roman du même nom de Tom Perrotta en une satire implacable, où presque tous les personnages sont à la fois douloureusement familiers et ouvertement ridicules, de Tracy Flick (Reese Witherspoon), surdouée et sans âme, qui court pour président du conseil étudiant, à Jim McAllister (Matthew Broderick), professeur d'études sociales hypocrite et arrogant, qui se convainc qu'en sabotant la campagne de Tracy, il fera une réelle différence dans le monde. Les petits enjeux de l'intrigue ne font que Élection plus piquant. Quand McAllister essaie d'illustrer l'importance du processus démocratique en comparant des pommes à des oranges, puis dessiner des cercles sans traits identiques sur un tableau noir - il est difficile d'imaginer une représentation plus brutale de la façon dont les élections américaines se déroulent habituellement. [Noël Murray]


6. Un moment d'innocence

Un moment d'innocence

Photo : capture d'écran de la bande-annonce

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Abbas Kiarostami est finalement devenu le porte-flambeau du cinéma iranien en Occident, mais dans les années 90, Mohsen Makhmalbaf était considéré comme son égal. (Ils ont même collaboré, en quelque sorte : Kiarostami’s Fermer parle d'un imitateur de Makhmalbaf.) Un instant d'innocence, Le chef-d'œuvre de Makhmalbaf, le voit transformer un incident honteux de sa jeunesse - il avait poignardé un policier lors d'une manifestation politique - en quelque chose de profondément et de manière inattendue cathartique. Embauchant un acteur pour jouer son propre rôle d'adolescent, il persuade l'officier qu'il a agressé (également joué par un acteur, mais le film brouille délibérément ces lignes) de participer à une recréation filmée. Vous dites que vous voulez rendre le monde meilleur ? Makhmalbaf demande à son avatar, essayant de le mettre dans le bon espace libre. Alors il faut poignarder, poignarder ! Mais ni le faux coupable ni la victime réelle ne se sentent à l'aise avec ces émotions destructrices, et le film se transforme progressivement en une répudiation abrupte qui fait partie des moments les plus prometteurs que les films aient jamais produits. [Mike D'Angelo]


5. Magnolia

Tom Cruise

Capture d'écran : YouTube

Magnolia n'est pas le scénariste-réalisateur le plus serré ou le plus retenu que Paul Thomas Anderson ait fait. Selon la plupart des témoignages, y compris celui du réalisateur, c'est probablement le moins discipliné : un hommage lyrique à sa ville natale de Los Angeles, à son idole Robert Altman et à sa distribution tentaculaire, entre autres. Mais tandis que le contrôle qu'Anderson apportera par la suite à son travail ultérieur est admirable, il rend également l'intensité à cœur ouvert de Magnolia se sentent éphémères et précieux, un marathon de balançoires téméraires pour les jeunes, des anecdotes racontées par Ricky Jay aux chants croisés d'Aimee Mann en passant par la pluie de grenouilles. Aussi lourde que puisse paraître la main d'Anderson dans les fioritures techniques et narratives du film, cela n'aurait peut-être pas fonctionné sans cette liste de performances de premier ordre, dont le ton et le tempo varient : la douceur déchirante de John C. Reilly, les nerfs effilochés de Melora Walters , la bravade en ruine de Tom Cruise, et ainsi de suite. Et ainsi de suite décrit également l'expérience de regarder Magnolia , une tapisserie qui ne cesse de se dérouler jusqu'à ce plan final parfait. [Jesse Hassenger]


Quatre. Le talentueux M. Ripley

Matt Damon

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Capture d'écran : YouTube

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Feu Anthony Minghella n'a jamais été un réalisateur à la mode, mais il a produit au moins un classique avec cette adaptation intelligente et pleine de suspense du premier roman du cycle Tom Ripley de Patricia Highsmith. Ni le premier ni le dernier film de cette liste à traiter de jeux d'identité, de mascarades sociales et de désir contrarié, Le talentueux M. Ripley met en vedette Matt Damon (dans l'une de ses meilleures performances) en tant que personnage principal, un pianiste à temps partiel qui est recruté par un magnat pour retrouver son fils capricieux (Jude Law) en Italie, et s'intègre rapidement dans sa vie et son cercle social . Dans un changement radical par rapport à la source, Minghella transforme le maître escroc de sang-froid de Highsmith en un caméléon tragique; nous sympathisons avec son désespoir et son insécurité déchirante alors même que la mascarade devient mortelle. Avec son atmosphère pétillante des années 1950 et ses formidables acteurs de soutien (y compris des stars en plein essor telles que Gwyneth Paltrow, Cate Blanchett et Philip Seymour Hoffman), Ripley n'a fait que s'améliorer avec l'âge. [Ignatiy Vishnevetsky]


3. La matrice

Photo : Keanu Reeves et Hugo Weaving (Siemoneit/Sygma via Getty Images)

À la suite des sorties respectives de Lana et Lilly Wachowski en tant que femmes trans, avis critique sur leur succès révolutionnaire La matrice a fusionné pour le lire comme une métaphore de l'identité transgenre de ses créateurs. Et le fait est que cette interprétation suit totalement. Toute l'œuvre des Wachowski traite de thèmes identitaires, mais La matrice explicite l'idéal techno-utopique de l'esprit – et d'Internet ! – comme véhicules pour transcender les limitations du corps humain. Mais même sans ce sous-texte radical, l'influence La matrice a eu sur chaque film d'action et de science-fiction réalisé dans son sillage est difficile à surestimer. Et ce n'est pas seulement le film souvent imité temps de balle technique ou esthétique cyber-goth qui a eu un impact : avec des effets wire-fu et des arts martiaux chorégraphiés par le légendaire Yuen Woo-ping, La matrice a porté l'union de l'esthétique de l'action de Hong Kong et du cinéma à succès américain à son point culminant. Il a également lancé la carrière du futur John Wick le réalisateur Chad Stahelski, qui a depuis évolué du rôle de doublure de Keanu Reeves à la réalisation de Reeves dans une toute nouvelle franchise d'action au succès retentissant. Il semble sûr de dire que c'était un film transformateur tout autour. [Katie Rife]


2. Les yeux grands fermés

Photo : Nicole Kidman et Tom Cruise (Warner Bros./Getty Images)

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Commercialisé de manière trompeuse comme un thriller érotique, le dernier film déroutant de Stanley Kubrick, sorti à titre posthume, transporte la fascination du maestro pessimiste pour l'ego masculin et l'insécurité dans des endroits étranges. Un médecin à succès de Manhattan (Tom Cruise) se lance dans l'odyssée kafkaïenne pour tromper sa femme (Nicole Kidman) après qu'elle a admis avoir jadis fantasmé sur une liaison ; en cours de route, il tombe sur une société secrète de riches et de puissants. L'artificialité fastidieuse du film, qui détient toujours le record du plus long tournage continu de l'histoire d'Hollywood, ne fait qu'ajouter à la logique irrésistible et insoluble du rêve. Le résultat est, à certains égards, autant un voyage de tête que 2001 : L'Odyssée de l'Espace , glissant de la paranoïa (sur le sexe, les relations et la ploutocratie, entre autres) à la comédie noire ; tandis que le référencement Kubrick de Cruise devient le gourou du pick-up dans Magnolia peut avoir des moments plus pyrotechniques, c'est la performance qui subvertit vraiment son pouvoir de star. Mais en parlant d'hommes faibles coincés dans le cauchemar de leurs désirs… [Ignatiy Vishnevetsky]


1. Être John Malkovich

John Malkovich

Capture d'écran : YouTube

Il y a vingt ans, à peu près tout le monde pouvait convenir que Être John Malkovich était le film le plus original, bizarre et follement inventif de l'année. Personne n'avait jamais rien vu de tel. À vrai dire, l'âge n'a fait que souligner la singularité de l'ambition de rêve éveillée du film, qui semble d'autant plus miraculeuse lorsqu'elle est tenue contre la redondance de redémarrage d'Hollywood moderne. Secouant les chaînes du devoir de réseau-sitcom, le scénariste Charlie Kaufman a offert le premier de ses grands concepts sur grand écran, racontant l'histoire drôle et morose d'un marionnettiste (John Cusack, courageusement antipathique dans une carrière de haut niveau) dont les tentatives de tricherie sur sa femme (Cameron Diaz) avec une collègue (Catherine Keener) sont soudainement compliquées par une découverte improbable : un portail caché derrière un classeur qui mène directement dans le cerveau de l'acteur hollywoodien John Malkovich, jouant lui-même. Le mélange de surréalisme déchirant (sérieusement, cette chose se vante d'un rire par minute) et de psychodrame névrotique deviendrait une caractéristique du travail unique de Kaufman. Mais le film a également lancé la carrière cinématographique parallèle (et parfois croisée) de son collaborateur, le réalisateur de vidéoclips surdoué Spike Jonze, dont le talent d'orchestration folle maintient l'ensemble du projet fou à flot. Au-delà de la présentation au monde de deux âmes sœurs dans un foutage d'insectes émouvant, Être John Malkovich a anticipé une nouvelle ère de fluidité identitaire. C'est-à-dire encore plus que La matrice , c'était peut-être un signe avant-coureur du monde techno-connecté à venir : un portail vers le 21e siècle, où Internet offrirait à chacun la possibilité d'être, ou du moins de prétendre être, qui il veut. [A.A. Dowd]