Les meilleurs films des années 2000

La scène n'était pas sans rappeler 12 hommes en colère (ou, dans ce cas, 3 hommes shlubby, 1 femme exaspérée et un mec sur haut-parleur de l'Arkansas ) : Armés de listes de leurs films préférés de la décennie, les cinq cœurs UN V. club les scénaristes ont passé des jours séquestrés dans une pièce étouffante et non climatisée – d'accord, ce n'était en fait que quelques heures et nous étions à l'aise – dans le but de forger un consensus sur les 50 meilleurs films des années 2000. Le résultat : une liste classée qui n'est en aucun cas arbitraire et servira de norme canonique pour les décennies à venir. Je vous en prie.

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cinquante. Vieux garçon (2003)



Vieux garçon arrive au milieu de la trilogie de vengeance de Park Chan-wook – trois films sans rapport sur la poursuite obsessionnelle et destructrice de la vengeance – mais c'est le meilleur de tous. La fable insensée de Park suit un homme (Choi Min-sik) emprisonné dans une seule pièce hideuse pendant 15 ans par un ennemi inconnu, puis soudainement libéré dans une mission sanglante pour retrouver ce qui vient de lui arriver et pourquoi. Les résultats sont carrément opératiques dans leur violence et leur drame démesuré, mais un fil d'humour noir court tout au long, dans des scènes comme la bravoure, la bataille de marteau longue durée (voir notre liste des meilleures scènes de la décennie) et le moment où Min-sik se déroule pour déterminer si une décennie de théorie des arts martiaux seul dans un appartement peut se traduire par une aptitude dans le monde réel contre un groupe de punks intimidants. Spoiler : C'est possible. Si Min-sik n'était pas capable d'actes de brutalité stupéfiants, ce film serait beaucoup plus court et beaucoup moins scandaleux.

49. Gerry (2002)

Après avoir touché à Hollywood (ou au moins à Indiewood), les projets ont touché le fond avec Trouver Forrester , le réalisateur Gus Van Sant est passé par une sorte de désintoxication artistique qui a abouti à une série de films minimalistes oniriques qui vont à contre-courant et revitalisent sa carrière. Le premier d'une trilogie de la mort qui s'est terminée par l'éléphant et Derniers jours , Van Sant's Gerry procède d'une prémisse simple en sept mots : deux gars se perdent dans le désert. Bien que Van Sant fasse une déclaration sur la déconnexion de l'homme moderne avec la nature, Gerry fonctionne principalement comme un exercice de style hypnotique et magnifiquement abstrait, avec des paysages et des paysages sonores soigneusement composés qui attirent les téléspectateurs réceptifs dans un espace de tête unique. Chaque séquence a ses propres merveilles topographiques, mais le film est aussi parfois étonnamment hilarant, suggérant un croisement entre Samuel Beckett et Abbott & Costello.

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48. Or cramoisi (2003)
Le cinéma iranien n'avait pas une présence aussi élevée à la fin des années 2000 que dans les années 90 et au début des années 2000, mais ce n'est pas la faute de Jafar Panahi, qui a réalisé trois des meilleurs films de la décennie. Or cramoisi est sans doute l'œuvre la plus complète de Panahi, trouvant un monde de sens dans le scénario d'Abbas Kiarostami sur un livreur de pizza encombrant (joué par Hossain Emadeddin) essayant de gagner assez d'argent pour acheter une alliance à sa petite amie. La scène clé du film est une première, où Hussein essaie de faire une livraison à une fête mais est arrêté par les autorités, qui arrêtent quiconque entre ou sort. Emadeddin est assis contre un mur et grogne à un adolescent soldat qu'il subit la punition sans rien faire. Or cramoisi suit une boucle narrative, commençant à la fin de l'histoire et sautant en arrière pour montrer les événements qui y ont précédé, et Panahi souligne la circularité en coupant le mouvement et le son, reliant les scènes de manière à donner au film l'impression d'être un continu action. Mais c'est en fait épisodique, qui avance à travers des moments où Emadeddin est subtilement (et pas si subtilement) humilié. Hussein fait un bruit sourd quand il marche à cause de ses couches de vestes et de manteaux lisses, mais il ne marche pas ou ne bouge pas du tout - la plupart du temps, il reste immobile sur sa moto ou reste immobile devant les portes de ses clients, espérant tranquillement que quelqu'un lui demandera d'entrer et de se reposer.



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47. Moulin Rouge! (2001)

La comédie musicale aux couleurs acidulées de Baz Luhrmann est entièrement consacrée à des fusions ridiculement joyeuses : en combinant des chansons populaires dans des mélanges énergiques et en illustrant le tout avec des couleurs vives et un pays des merveilles CGI, il crée un monde qui a rarement l'air réel à distance, et n'est jamais vraiment destiné à . Il recrée le mélodrame romantique traditionnel et la comédie musicale traditionnelle en reconnaissant et en intensifiant l'artifice dans les deux, en optant pour de grands moments d'évanouissement et des décors tout aussi grands et flashy. Ses rôles principaux, Nicole Kidman et Ewan McGregor, jouent la vanité jusqu'à la garde en tant qu'écrivain pauvre et courtisane célèbre qui tombent amoureux - le genre d'amour qui semble devoir être écrit en lettres majuscules rouges clignotantes - et le méchant Richard Roxburgh et son ambitieux fleuret Jim Broadbent se donne également à fond dans des rôles calculés davantage pour l'effet comique que pour le drame. Et pourtant, l'histoire d'amour, si ouvertement large dans son exécution, finit par être assez touchante, peut-être car c'est tellement honteux. Pourtant, ceux qui ne sont pas touchés peuvent toujours profiter du spectacle joyeux de la chose, d'autant plus que le fou Roxburgh poursuit le Broadbent qui crie dans la pièce dans une version campy et glorieusement ridicule de Like A Virgin de Madonna.

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46. Adaptation (2002)

Les événements majeurs du livre de non-fiction dégressif et intime de Susan Orlean Le voleur d'orchidées se frayent un chemin dans son adaptation décalée Adaptation : Meryl Streep joue Orléans, pourchassant l'histoire d'un collectionneur de fleurs fou de Floride joué par Chris Cooper, et le film inclut même certaines des ruminations de l'auteur sur la passion et la biologie. Mais le réalisateur Spike Jonze et le scénariste Charlie Kaufman ajoutent une couche supplémentaire à la pièce, en choisissant Nicolas Cage dans le rôle de Kaufman lui-même : un névrosé grassouillet et chauve qui ne peut qu'exprimer qu'il veut faire un film sur les fleurs, bien qu'intérieurement il déborde d'idées sur sélection naturelle, mutation, attraction chimique et comment tout cela s'applique aux scénaristes lumpen et peu sûrs de Los Angeles. Le terme adaptation s'applique également à l'acte d'une entité faible se transformant en une entité plus forte, qui Adaptation explore via l'introduction du frère jumeau de Kaufman, Donald, un gars affable qui courtise les jolies femmes et élimine sans effort des scénarios sur des tueurs en série sympathiques. Les deux premiers tiers de Adaptation joue beaucoup mieux que le dernier tiers quelque peu dégonflant (qui devient une version hollywoodienne stupide de l'histoire), mais philosophiquement, le film est tout d'un morceau. Jonze et Kaufman jouent avec la multiplicité paralysante de leurs choix de vie et d'art et découvrent, ironiquement, que la rigidité de la narration conventionnelle peut être libératrice.

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Quatre cinq. Audition (2001)

Compte tenu de la notoriété de Takeshi Miike en tant que source prolifique d'horreur J extrême, les nouveaux venus dans son travail pourraient être pardonnés d'avoir passé la première heure de Audition pensant qu'ils étaient entrés dans le mauvais théâtre. Rien de choquant ici, juste une histoire subtile, doucement comique, voire à la Ozu, d'un veuf qui utilise sa position de eur de télévision pour auditionner des actrices pour être sa petite amie. Puis il trouve une jeune femme guindée et mystérieuse pour jouer le rôle, et le film change radicalement de vitesse. Au-delà du chaos et des horreurs qui s'ensuivent, se trouve une histoire de vengeance féminine à la fois psychotique et juste, alors qu'elle exécute un scénario d'enfer sans fureur digne de Médée . Idéalement, Audition devrait être regardé sans aucune connaissance de Miike ou des rebondissements à venir, mais même pour le junkie d'horreur blasé, c'est aussi tonique et original que le genre l'est.



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44. 4 mois, 3 semaines et 2 jours (2007)

L'émergence soudaine de la Roumanie sur la scène internationale a été l'une des grandes révélations des années 2000, et aucun film n'a mieux caractérisé l'urgence et la morsure politique du mouvement que le drame déchirant de Cristian Mungiu sur deux femmes cherchant un avortement illégal pendant le régime de Ceausescu. Anamaria Marinca est particulièrement bien en tant qu'amie qui escorte sa colocataire enceinte à travers une série d'obstacles déchirants, d'un employé d'hôtel suspect à un avorteur effrayant du marché noir qui extrait le paiement au-delà de l'argent. Et c'est avant la procédure elle-même, qui a son lot de dangers. 4 mois se déroule comme un thriller en temps réel et traverse de manière inoubliable une époque où la peur, la paranoïa et la répression prévalaient sur les citoyens.

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43. montagne de Brokeback (2005)

Il peut être extrêmement difficile de séparer les mérites esthétiques considérables de montagne de Brokeback de la vague de controverse à l'échelle de la culture, des blagues ricanantes et des gloussements embarrassés qu'elle a déclenchés lors de sa sortie en 2005. Honnêtement, c'était comme si les Américains n'avaient jamais vu de film sérieux sur les cow-boys homosexuels auparavant. Quatre ans plus tard, il est beaucoup plus facile d'extraire la romance tragique d'Ang Lee du battage médiatique. Dans une performance de plomb puissamment interne, Heath Ledger joue un homme de ranch tourmenté qui tombe dans une liaison passionnée avec le cow-boy de rodéo Jake Gyllenhaal tout en s'occupant des moutons un été. Au cours des deux décennies suivantes, leur lien interdit plane sur leurs tentatives vouées à l'échec pour se conformer à la conception étroite de la masculinité de la société. montagne de Brokeback atteint un pouvoir cumulatif dévastateur alors que le temps, les circonstances et la profonde ambivalence et le dégoût de Ledger conspirent pour séparer ces deux amants. Bien que la juxtaposition apparemment incongrue de l'iconographie du cow-boy et de l'homosexualité ait montagne de Brokeback un phénomène de la culture pop, il perdure comme une histoire puissante et universelle d'amour gagné et perdu.

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42. L’Enfant (2005)

Les thrillers sociaux-réalistes de Luc et Jean-Pierre Dardenne sont si distinctifs du point de vue stylistique - avec leurs gros plans à main levée, leurs longs plans de suivi et leurs intrigues nerveuses - que Dardennes est devenu un terme acceptable parmi les cinéastes dans les années 2000. L’Enfant est peut-être leur film le plus proche de Dardennes : une tranche de vie poignante qui retrace l'existence d'instant en instant du petit escroc Jérémie Renier, de sa petite amie Déborah François et de leur nouveau-né. Rincé par le butin d'un vol récent, Renier offre une fête à sa famille de fortune, mais lorsque l'argent s'épuise, Renier négocie un accord commercial qui est, au minimum, déraisonnable. À la fin du film, il est seul, parcourant les rues belges en scooter, essayant d'échapper à la police et aux personnes qu'il a arnaquées. Le titre de L’Enfant pourrait faire référence au bébé de Renier, à Renier lui-même ou même à la bande de voleurs d'écoliers qu'il recrute. Mais au-delà des tendances métaphoriques du film, quels sont les détails ancrés dans la vie quotidienne, comme l'accent mis sur ce que tout coûte et combien d'argent Renier a (ou n'a pas) pour tout payer.

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41. Le Chevalier Noir (2008)
Christopher Nolan a redéfini à quel point un film de bande dessinée pouvait couper avec cette suite du sien Batman commence dans lequel le bien et le mal se battent pour l'âme d'une ville. Sauf que le bien prend la forme d'un justicier aux méthodes souvent discutables (Christian Bale's Batman), et le mal, sous la forme de Joker, le cauchemar de feu Heath Ledger, a une façon tenace de ne pas se tromper sous sa folie. Les scènes d'action de Nolan correspondent à l'échelle étonnamment grande des thèmes qu'il soulève en décrivant un paysage politique devenu corrompu et égoïste.

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40. Cité de Dieu (2002)

Fans de Le fil (vous avez peut-être entendu parler de cette série télévisée via les scénaristes de ce site une ou deux fois…) feriez bien de rechercher la coion brésilienne/française Cité de Dieu , s'ils ne l'ont pas déjà fait - il n'a pas tout à fait la même exploration de haut en bas du trafic de drogue, mais en mettant l'accent sur les enfants qui vont dans des directions différentes dans un bidonville de Rio de Janeiro, il faut un détail similaire - angle orienté, sans compromis, focalisé en profondeur, et c'est encore plus brut et plus viscéral. Alors que deux enfants des bidonvilles tentent de trouver leur chemin dans le monde grâce à leurs talents naturels - l'un en tant que photographe, l'autre en tant que trafiquant de drogue meurtrier sans compromis - les réalisateurs Fernando Meirelles et Kátia Lund utilisent leur histoire personnelle pour explorer des problèmes plus vastes des causes et des effets de la violence et le trafic de drogue, des dommages collatéraux accidentels aux vies qui vont mal au début dans l'ombre d'une société de corruption et de férocité.

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39. Le prestige (2006)

Adaptation par Christopher et Jonathan Nolan du roman de Christopher Priest Le prestige est un film sur la magie qui présente un élément de mauvaise direction si sournois que de nombreux téléspectateurs le manquent. Christian Bale et Hugh Jackman incarnent des magiciens rivaux dans le Londres victorien. Bale est le perfectionniste solennel, Jackman le type ambitieux et curieux toujours à la recherche de raccourcis. Le secret d'un homme devient si évident si tôt que certains peuvent se sentir déçus (ou suffisants) de prédire la tournure, mais alors que les Nolans tiennent la promesse de révélations superficielles devant les yeux des téléspectateurs, ils cachent quelque chose de plus profond et de plus sombre. Comme Mémento et Le Chevalier Noir (et Insomnie et Suivant , d'ailleurs), Le prestige concerne en partie la fragmentation de soi, qu'il s'agisse d'une division si grave que l'assistant d'un magicien ne peut pas savoir quel nœud il est lié d'une performance à l'autre, ou d'une division si subtile qu'un homme ne peut pas dire qui il est vraiment. (Mots à suivre : ils sont tous vos chapeaux.) Mais Le prestige concerne également le rôle que joue la technologie dans notre aliénation, car la science rend possible des exploits charmants comme des tours de magie, mais horribles comme la réalité. Et nous voilà donc, qu'on le veuille ou non : l'homme transporté.

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38. Printemps, été, automne, hiver… et printemps (2003)

Le circuit des festivals au début des années 2000 était inondé d'un cinéma non officiel de mouvement de cruauté, et l'un de ses participants les plus actifs était le cinéaste coréen Kim Ki-duk, dont les films L'île et Mauvais garçon puni le public avec des images horribles qu'ils ne pourraient jamais ignorer. Kim a laissé le choc avec Printemps, été, automne, hiver… et printemps , une douce parabole bouddhiste se déroulant dans un temple flottant au milieu d'un lac de montagne. L'histoire se déroule sur 30 ans, alors qu'un garçon atteint l'âge adulte sous la direction d'un vieux moine sage. Les leçons du film sont claires et traitent de la relation étroite entre ce qui peut être perdu dans cette vie et ce qui lie les gens au monde malgré leurs meilleurs efforts pour se purifier. Dans la dernière partie du film, Kim lui-même incarne l'étudiant, devenu adulte, toujours aux prises avec la façon de passer sa vie au service des autres sans former d'attachements émotionnels durables. C'est une conception différente de la cruauté de Kim : un film qui soutient, de manière convaincante, que l'acte même de vivre est impossible.

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37. Une histoire de violence (2005)

David Cronenberg avait l'habitude de faire des films dans lesquels les instincts refoulés se manifestaient sous une forme physique. Ils étaient effrayants, mais tout aussi effrayant à sa manière est ce regard sur la persistance de la soif de sang chez un homme doux sans passé discernable (un Viggo Mortensen révélateur) et le cœur dont il semble incarner les valeurs saines et de bon voisinage.

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36. Le Labyrinthe de Pan (2006)

Guillermo del Toro a tendance à être un peu distrait par ses visuels fantastiques - dans le Hellboy films, par exemple, il semble se concentrer davantage sur le fait de rendre les créatures étonnantes que sur le fait de raconter une histoire qui plaira aux gens qui ne sont pas entièrement pris dans son monde de conte de fées avec des dents. C'est pourquoi Le Labyrinthe de Pan est une telle merveille: il le trouve à nouveau travaillant au sommet de son jeu considérable avec les visuels, mais racontant également une histoire avec une certaine profondeur. La morale ultime sur les qualités d'évasion de la fantaisie est plus effrayante que réconfortante, mais encore une fois, les contes de fées de del Toro ont du mordant, il n'est donc pas surprenant que ce conte allégorique d'un enfant dans l'Espagne fasciste de 1944 aille dans des directions sombres et laides, et laisse le application de la lumière jusqu'aux téléspectateurs individuels. C’est exceptionnellement ambitieux et beau, mais aussi tragique. Et y avait-il quelque chose de plus effrayant au cinéma cette décennie que l'affreux Pale Man assis à cette table chargée de nourriture, attendant silencieusement que sa victime oublie les règles du jeu ?

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35. Vie éveillée (2001)

Avec Vie éveillée , le scénariste-réalisateur Richard Linklater est revenu aux méandres philosophiques de forme libre, aux rythmes laconiques et à la sociologie des villes universitaires de ses débuts cultes Fainéant , seulement cette fois, les débats sont beaucoup plus animés. Littéralement. Linklater a filmé les chercheurs spirituels et les philosophes amateurs du film en vidéo numérique, puis a demandé à Bob Sabiston et son équipe d'animateurs de tracer et de colorer les images grâce à la rotoscopie basse fidélité. Comme Fainéant , Vie éveillée s'inspire également du doux humanisme de son créateur et de sa curiosité insatiable pour le monde qui l'entoure. C'est un voyage trippant et stimulant à travers le monde des idées, peuplé d'un assortiment hétéroclite de libres penseurs, d'excentriques, d'acteurs (dont Ethan Hawke et Julie Delpy, reprenant leurs rôles emblématiques de Avant le lever du soleil ), et des fous. Linklater et Sabiston réussissent à créer un état de rêve cinématographique hypnotique qui a transformé un défilé de monologues non cinématographiques et de théorisation abstraite en un festin délirant visuel pour les sens.

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3. 4. américain psychopathe (2000)

Pendant un certain temps, il est apparu que le best-seller controversé de Bret Easton Ellis pourrait ne jamais passer sur grand écran. Tout le monde, de David Cronenberg à Oliver Stone en passant par Stuart Gordon, a été présenté comme un réalisateur potentiel avant que le poste ne tombe à J'ai tiré sur Andy Warhol réalisatrice Mary Harron. Travaillant à partir d'un scénario qu'elle a co-écrit avec Genevieve Turner, Harron donne au film un sens kubrickien de détachement élégant et impassible, un éclat brillant parfaitement en accord avec le vide spirituel vide et obsédé par l'image de ses personnages. Dans une performance de star, Christian Bale transforme Patrick Bateman, le meurtrier de masse yuppie d'Ellis, en une caricature indiciblement cruelle et hilarante du tout-américanisme effrayant, souriant et gung-ho de Tom Cruise. C'est un fantôme se faisant passer pour un être humain, un monstre preppie qui est l'image même de la sophistication haut de gamme, mais mort dans son essence.

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33. Amour ivre de punch (2002)

Laissez-le à P.T. Anderson pour élucider l'énigme qu'est Adam Sandler. Après des années à jouer des hommes-enfants remplis de rage dans des Billy Madison et Le garçon de l'eau , Sandler Amour ivre de punch est à la fois une révélation inattendue et tout à fait en accord avec son personnage à l'écran. Anderson amplifie la naïveté idiote et le tempérament de l'acteur jusqu'à ce qu'ils soient aussi vifs et vifs que son costume bleu vif, faisant de Sandler un vendeur de pistons de nouveauté qui surmonte d'énormes obstacles pour poursuivre une femme douce et patiente (Emily Watson) qui est unique capable de s'occuper de lui. Les rythmes discordants du film, dus en grande partie à la partition radicale de Jon Brion, donnent Amour ivre de punch une tension sombre et angoissante qui défie les conventions de la comédie romantique, mais il y a une douceur écrasante dans la relation de Sandler et Watson qui la met en lumière.

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32. A.I. : Intelligence Artificielle (2001)

Réalisant un projet de longue haleine laissé inachevé par le regretté Stanley Kubrick, Steven Spielberg n'a peut-être pas réalisé le film que Kubrick aurait fait, mais il est resté fidèle à l'obsession de son ami pour la façon dont les humains réagissent lorsqu'ils sont poussés à l'extrême. Le film ne se concentre pas sur un seul personnage confronté à l'isolement, à la guerre, à la violence ou à la jalousie, mais se tourne plutôt vers une création dont l'existence même soulève des questions difficiles sur ce qui nous rend humains : un garçon robotique qui marque les limites de l'humanité par presque , mais jamais tout à fait, imitant parfaitement ses créateurs. Un paria d'une famille (et d'une espèce) où il ne s'est jamais intégré, Danny de Haley Joel Osment parcourt le pays frontalier entre les humains et les machines, trouvant enfin l'endroit où cette frontière n'a aucun sens, seulement pour découvrir la solitude, l'isolement, l'illusion et la mort .

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31. Humeur d'amour (2000)

Le style semi-improvisé du réalisateur Wong Kar-wai a souvent été comparé au jazz, car il construit des univers cinématographiques à partir de riffs colorés et de répétitions, et d'une cinématographie intuitive et instantanée qui capture de petits moments hors du temps. Avec Humeur d'amour , son histoire époustouflante d'amour non partagé dans le Hong Kong des années 60, le style de Wong capture parfaitement la poussée et la traction entre la passion des futurs amants et les restrictions qui empêchent finalement leur relation de fleurir. Tony Leung et Maggie Cheung, deux des stars les plus glamour du monde, ont une chimie romantique inoubliable en tant que cœurs solitaires dont les conjoints les trompent, mais ils refusent de faire de même. Tout le film se déroule comme un souvenir doux-amer, avec une riche atmosphère nocturne et une magnifique bande-son qui exprime en son et en image les sentiments sur lesquels ils ne peuvent pas agir.

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30. WALL-E (2008)

La décennie n'a pas manqué de documentaires expliquant comment nous étions en train de ruiner la planète, mais aucun n'a fait autant valoir que les premiers moments sans paroles de MUR-E . Une Terre dévastée est presque morte, et les images portent une beauté austère et un sentiment de perte sanglant. Le film de Pixar s'ouvre sur une dévastation absolue, puis décrit un chemin pour le transcender, alors qu'un robot, stimulé par l'amour, commence par inadvertance à reconstituer ce que signifie être un humain responsable.

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29. Tigre accroupi Hidden Dragon (2000)

Regarder The Lee's Wu xia épique la première fois, il serait presque facile de rater le fait qu'il a une intrigue – les visuels sont si époustouflants et les scènes de combat si cinématographiques qu'elles submergent les sens. L'histoire de la fille d'un noble, d'un voleur, de deux artistes martiaux vieillissants et d'une épée légendaire volée est une préoccupation secondaire. C'est aussi assez standard pour une saga d'arts martiaux traditionnels chinois. Mais un casting formidable - dirigé par Chow Yun-Fat et Michelle Yeoh, mais aussi fortement tributaire du charme et des prouesses physiques de Zhang Ziyi - en fait une histoire personnelle digne de sa cinématographie et de sa chorégraphie à couper le souffle.

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28. Morvern Silence (2002)

Le vautour existentiel de Lynne Ramsey pourrait-il être le film le plus cool de la décennie ? Sur la base de la bande originale, présentée sous la forme d'une mixtape, un écrivain quitte sa petite amie après s'être suicidé, la réponse est incontestablement oui, avec des coupes allant d'actes contemporains comme Boards Of Canada, Broadcast et Aphex Twin à des coupes classiques de The Velvet Underground , Lee Hazelwood, et Les mamans et les papas. Mais Morvern Silence n'est pas seulement l'attitude, malgré une héroïne (jouée par une Samantha Morton pas tout à fait détachée) dont le chagrin n'est pas si facile à détecter derrière ses lunettes de soleil sombres et sa propension à faire des bêtises. Ramsey, une ancienne photographe qui a excellé dans les courts métrages avant de faire ses débuts avec Chasseur de rats , accumule de petits moments vifs et désinvoltes pour accéder au comportement d'une femme qui fait face à la perte à sa manière, particulière et parfois insondable. La mixtape donne à ses mésaventures un fil conducteur et mène à une fin de transcendance inattendue.

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27. Quelle heure est-il là-bas? (2001)

Maître de la comédie mélancolique, le réalisateur taïwanais Tsai Ming-liang a passé la décennie à faire des variations mineures sur sa fusion brevetée de comédie impassible et d'aliénation urbaine (et une cuillerée occasionnelle de fantaisie musicale), mais jamais tout à fait avec l'équilibre exquis de Quelle heure est-il là-bas? Volé entre les destins rimés d'un fils (Tsai alter-ego Lee Kang-sheng) pleurant la mort de son père et d'une jeune femme (Chen Shiang-Chyi) à la dérive dans les rues de Paris, Tsai capture leur solitude et leur incertitude sans perdre son sens de humour ou mystère. Tournant en prises uniques, statiques et d'une composition exquise, il rend un hommage subtil aux grands du silence comme Harold Lloyd et Buster Keaton tout en révélant sa forte affinité habituelle pour les personnages qui sont détachés du monde qui les entoure.

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26. Les incroyables (2004)

L'histoire de super-héros de Brad Bird n'a pas tout à fait la tendre nuance de En haut , la joie enfantine de Ratatouille , ou l'étonnant balayage de Mur-E , mais il a une histoire de crackerjack (écrite par Bird) dans laquelle chaque trait de caractère et chaque instant fugace font tous partie d'une machine bien rodée qui sert un objectif précis. C'est aussi excitant comme l'enfer, avec de vastes décors réglés sur des manèges à sensations étroitement contrôlés où seule une immense habileté ainsi que des muscles de super-héros peuvent sauver la situation de la dernière menace. Ce qui le rend exceptionnel, cependant, et notamment un projet Pixar, c'est qu'en plus d'être une formidable histoire de super-héros, c'est aussi une formidable histoire de famille, dans laquelle cinq personnes ayant des problèmes différents apprennent à surmonter leurs défauts, à se voir comme des personnes au lieu d'obstacles, et d'utiliser leurs talents naturels et leur amour les uns pour les autres à des fins significatives. Avec beaucoup d'explosions.

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25. Ensemble (2000)

Le scénariste-réalisateur suédois Lukas Moodysson est devenu un didactique décevant au cours des dernières années, mais il était autrefois capable de films chaleureux et humanistes comme la comédie chaotique Ensemble , dans laquelle divers types de contre-culture se réunissent dans une commune en 1975 et passent plus de temps à débattre de la nature de leur expérience sociale qu'à vivre réellement leurs principes. Moodysson partage son attention entre les adultes qui se chamaillent et l'impact de leur vie d'idéalisme rigide sur leurs enfants, qui rêvent de pistolets jouets et de saucisses chaudes. Personne n'est trop bon ou trop mauvais dans Ensemble ; ils sont tous en train de s'embrouiller, comme tout le monde. À une époque où nous semblons de plus en plus divisés par nos croyances, il est utile de se rappeler que peu importe à quel point les gens se présentent en public, en privé, nous avons tous quelque chose en commun : nous sommes tous compromis.

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24. Yi Yi (2000)

Dans Yi Yi (Un un et deux… ), le regard doux mais impassible du réalisateur taïwanais Edward Yang sur la vie à Taipei au tournant du millénaire, une époque cède la place à une autre comme le changement des saisons. Une saga multigénérationnelle plus préoccupée par la répétition et les connexions invisibles que par les événements dramatiques – bien que le film en ait également – ​​le film de Yang rassemble une image universellement reconnaissable de la vie de famille à partir des détails d'un seul endroit. C'est un film abondant et humain, mais aussi un film doux-amer rempli de la conscience que l'avènement du nouveau signifie invariablement la décoloration de l'ancien.

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2. 3. L'homme qui n'était pas là (2001)
La prédilection des frères Coen pour déchirer les genres et les époques pour révéler ce qui se cache vraiment derrière eux a sans doute atteint sa forme la plus pure avec L'homme qui n'était pas là , un hommage au film noir autant sur l'époque qui a façonné le noir que sur les ombres sombres et les hommes tachés. Alors que le barbier stoïque Billy Bob Thornton s'occupe d'une femme infidèle et d'un meurtre rap, les Coen injectent de la paranoïa de science-fiction, des commentaires sur l'expansion américaine d'après-guerre et la contemplation du principe d'incertitude de Heisenberg dans leur mélange habituel de comédie sèche et de direction artistique vierge. L'homme qui n'était pas là analyse efficacement les fondements du noir et pourquoi le genre a émergé quand il l'a fait, mais c'est aussi sans aucun doute un film des frères Coen, plein de personnages de soutien largement dessinés et d'un protagoniste froid frustré par ce qu'il ne peut pas contrôler. (Thornton est un homme méticuleux, mais il est entouré de touffes et de mèches de cheveux humains, qui ne cessent de pousser.) Le résultat est un film que certains ont trouvé trop distant et bizarre – un pour les hardcore Coen-heads, en d'autres termes.

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22. Unis 93 (2006)

Immédiatement après le 11 septembre, certains commentateurs culturels ont prédit la fin des grands films hollywoodiens sur les explosions de bâtiments et les meurtres de masse, tandis que d'autres étaient certains que ce n'était qu'une question de temps avant que l'un des pires jours de l'histoire américaine ne devienne du fourrage pour l'un de ces Les boules de feu d'Hollywood. L'approche vérité de Paul Greengrass sur le sujet s'est avérée être la bonne voie à suivre, ne semblant pas tant sensationnaliste ou chauviniste que simplement attentionnée et approfondie. Greengrass recrée les événements de la journée une pièce après l'autre, incitant les téléspectateurs à se remémorer leurs propres réactions au 11 septembre. Qu'est-ce que ça veut dire? Qu'est-ce qu'on fait maintenant? Comment cela pourrait-il arriver? Unis 93 touche à ces grandes questions, mais seulement dans la mesure où elles se rapportent aux plus petits détails, de la réponse militaire à l'anxiété des terroristes. Greengrass n'exagère pas les ironies (comme le retard de l'avion titre juste assez longtemps pour que les passagers sachent ce qui se passait ailleurs, mais pas assez pour empêcher le décollage) et il n'exagère pas l'héroïsme des passagers, qui regardent alternativement horrifié et sauvage. Unis 93 est une pièce sobre mais déchirante du cinéma « vous y êtes », et une explication de la façon dont les cinq années qui ont suivi le 11 septembre ont rapidement évolué du choc à la violence en passant par l'épuisement

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vingt-et-un. Zodiaque (2007)

David Fincher est connu pour sa poursuite hyper exigeante et kubrickienne de la perfection, où même le plan le plus simple peut exiger une centaine de prises. Dans cet esprit, le cinéaste et le sujet ont rarement été aussi compatibles que dans Fincher. Zodiaque , une procédure envoûtante qui suit l'affaire toujours non résolue d'un tueur en série de la Bay Area jusqu'au fond d'un terrier de lapin obsessionnel-compulsif. Ce qui commence comme une magnifique évocation d'une région sous l'emprise d'un tueur en série cryptique - l'ouverture, du feu d'artifice du 4 juillet 1969 à la séquence obsédante de Hurdy Gurdy Man qui accompagne le premier meurtre, est aussi bonne que possible - devient d'autant plus fascinant une fois que l'affaire se fige et que seuls quelques misérables ne peuvent se résoudre à l'abandonner. C'est un film obsessionnel sur la nature de l'obsession, réalisé par un homme qui ne peut pas se distancer du puzzle plus facilement que ses personnages aux yeux larmoyants.

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vingt. Le calmar et la baleine (2005)

Noah Baumbach aurait voulu que son ami et partenaire d'écriture Wes Anderson réalise Le calmar et la baleine , mais Anderson a sagement refusé le projet, arguant que seul Baumbach était qualifié pour diriger un projet aussi personnel. Baumbach a minimisé les aspects autobiographiques de son film sur le divorce désordonné du professeur élitiste et écrivain has been (Jeff Daniels) et de sa femme écrivaine (Laura Linney) à New York à l'époque de Reagan, mais il se sent certainement arraché au moments les plus angoissants du passé de son créateur. Baumbach est particulièrement intransigeant et intransigeant dans sa représentation de son substitut (Jesse Eisenberg), un jeune intellectuel en formation prétentieux qui a intériorisé les pires aspects du mépris narquois de son père pour tous ceux qu'il considère comme inférieurs. (c'est-à-dire la somme de l'humanité). L'une des nombreuses vertus du film est sa brièveté : à 81 minutes, c'est un peu moins de 70 minutes de moins que Transformers: La revanche, et sans doute le meilleur film.

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19. Le seigneur des anneaux : les deux tours (2002)

Vraiment, l'ensemble Le Seigneur des Anneaux la trilogie devrait figurer ici en tant qu'entrée collective ; vu dos à dos, le tout se joue comme un seul immense film épisodique. Mais nous avons décidé à contrecœur que a) ce serait de la triche, et b) nous ne pouvions pas cracher trois emplacements sur cette liste pour cela. Ainsi, par un consensus de groupe réticent, nous avons souligné Les deux tours comme la légère différence du lot, ne serait-ce que pour le balayage majestueux de David Lean-esque de la bataille de Helm's Deep. La totalité Anneaux La série est une formidable réalisation cinématographique, mais pratiquement aucune partie de celle-ci n'offre le frisson viscéral de ce dernier combat apparemment voué à l'échec contre une force inimaginable – ou du moins une qui semblait inimaginable avant que Peter Jackson ne l'affiche à l'écran dans toute sa splendeur.

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18. Mulholland Dr. (2001)

Mulholland Dr. a commencé comme la tentative de David Lynch de revenir à la télévision en réseau, le média qui l'a laissé aigri après ses expériences avec Pics jumeaux . Il n'a jamais eu la chance d'être frustré une seconde fois ; ABC a refusé le pilote qu'il a abattu. Là où la plupart des réalisateurs se seraient simplement éloignés, Lynch a retravaillé le matériel de la comédie noire hollywoodienne en une tragédie déformant la réalité qui utilise les conventions du film noir et la capacité sans effort de Lynch à trouver le surréaliste dans le banal quotidien pour montrer une âme se déformer et se corrompre sous les projecteurs tonitruants et le chaud soleil californien.

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17. Les Tenenbaums royaux (2001)
Wes Anderson a suivi son film révolutionnaire bien-aimé Rushmore avec Les Tenenbaums royaux , une comédie dramatique éblouissante et ambitieuse qui a filtré Les magnifiques Amberson et les histoires de J.D. Salinger sur la famille Glass à travers sa sensibilité indéniable. Dans une performance principale majestueuse, le grand Gene Hackman incarne le patriarche d'un clan new-yorkais excentrique qui a eu la malchance de culminer tôt. Les Tenenbaums royaux est un chef-d'œuvre de conception de ion - chaque détail est parfaitement en place et réalisé jusqu'au niveau moléculaire - mais les visuels perfectionnistes servent toujours l'histoire et l'ambiance mélancolique au lieu de l'inverse. Au-dessus de tout cela se trouve l'adorable voleur de Hackman, un intrigant charismatique à l'automne de sa vie.

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16. Presque connu (2000)

Entre le box-office décevant et les critiques mitigées de Ciel Vanille et Elizabethtown , Cameron Crowe a connu une décennie difficile, mais elle a commencé sur une note transcendante avec Presque connu , une histoire autobiographique amusante, triste et profondément humaine inspirée par les expériences de l'écrivain-réalisateur voyageant avec les Allman Brothers en tant que journaliste adolescent pour Pierre roulante . Tout comme François Truffaut a évité le cynisme instinctif qui imprègne la plupart des films sur le cinéma en faveur de l'affection évanouie dans Jour pour nuit , Crowe offre une vision lucide mais extrêmement romantique de la mythologie bien travaillée du groupe de rock en tournée. Crowe et son adorable substitut (Patrick Fugit) sont de vrais croyants capables de voir la gloire et l'émerveillement même dans un groupe de rock de second ordre comme le film fictif Stillwater. Presque connu peuple son casting secondaire avec des sonneurs qui tirent le meilleur parti de leur temps d'écran minimal, de la mère férocement protectrice de Frances McDormand à Lester Bangs de Philip Seymour Hoffman. Crowe obtient même une excellente performance de Jimmy Fallon en tant que manager de Stillwater. Presque connu est le film pour lequel Crowe est né, l'expression ultime de son dévouement passionné au rock'n'roll et de sa profonde affection pour ses personnages.

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quinze. Et ta mère aussi (2001)

Le road trip d'Alfonso Cuaron à travers le Mexique contemporain envoie une femme et deux hommes – des garçons, en fait – à la recherche d'un coin de paradis préservé. Mais comme tous les road movie, il s'agit plus de voyages que de destinations. C'est aussi un film sur les moments avant que les choses ne changent - avant que le paradis ne soit gâté, que l'âge adulte commence à fermer les possibilités de la jeunesse ou que la vie cède la place à la mort - que Cuaron et ses acteurs capturent avec un enjouement qui ne va jamais contre les thèmes graves juste sous la belle surface du film.

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14. Lui parler (2002)

À la fin des années 90, Pedro Almodóvar avait déjà achevé sa transition d'un créateur de farces significatives à un réalisateur d'un grand poids dramatique. Mais son travail dans les années 2000 a montré toute l'étendue de ses dons dans un mode plus sombre. Le meilleur d'une décennie d'efforts soutenus, Lui parler apporte une intrigue pleine de rebondissements tout droit sortis du mélodrame le plus pulpeux - ses éléments incluent des matadors, des comas et ce qui pourrait être un miracle - mais à partir de ces éléments, il construit un examen obsédant de l'amour, de l'amitié, du destin, des actes impensables, des connexions fragiles, et la façon dont la tragédie peut unir aussi bien que diviser.

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13. homme grizzli (2005)

Les rêveurs obsessionnels et chimériques ont longtemps fasciné Werner Herzog, il était donc parfaitement adapté pour porter à l'écran l'histoire tragique de Timothy Treadwell. Un ancien héroïnomane et acteur spaty dont la carrière a culminé quand il a presque obtenu le Acclamations rôle qui a propulsé Woody Harrelson au rang de célébrité, Treadwell a décidé de consacrer sa vie à vivre parmi les grizzlis en Alaska. Treadwell a entrepris de protéger les ours qu'il aimait pas à bon escient, mais trop bien, mais il était finalement celui qui avait désespérément besoin de protection; il est remarquable que Treadwell ait réussi à passer 13 étés avec ses grizzlis bien-aimés avant de rencontrer un destin tragique et apparemment inévitable. S'appuyant sur plus d'une centaine d'heures de séquences filmées par Treadwell et sa petite amie, homme grizzli se transforme en une mise en garde dévastatrice sur les dangers de l'idéalisation et de l'anthropomorphisation des animaux sauvages.

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12. Avant le coucher du soleil (2004)

Le parfait finira-t-il ou non avec celui de Richard Linklater Avant le lever du soleil semblait être exactement le genre de question ambiguë que le plus catégoriquement pas exiger une réponse. Cela prend racine dans l'imagination du spectateur : selon qui vous êtes, romantique ou cynique, vous pensez soit qu'Ethan Hawke et Julie Delpy se sont réunis à Vienne exactement un an plus tard, soit qu'ils n'auraient qu'une nuit ensemble, et ne se verraient jamais. autre encore. Et pourtant, dès leur toute première scène ensemble dans Avant le coucher du soleil , tout va bien dans la suite – mieux, même – parce que la conversation que Hawke et Delpy continuent si naturellement 10 ans plus tard est maintenant assaisonnée par les expériences qu'ils ont eues dans l'intervalle. Il s'avère qu'une nuit a signifié beaucoup pour eux deux, mais ils ne sont pas nécessairement en mesure de reprendre là où ils s'étaient arrêtés. Ce qui suit est tout aussi enchanteur que le premier film, mais considérablement plus compliqué et adulte aussi – et avec son propre dénouement incroyablement ouvert.

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Onze . Temps libre (2001)

La tristement célèbre histoire vraie qui a inspiré Laurent Cantet Temps libre concernait les terribles déceptions d'un Français en col blanc qui menait une double vie impossible - prétendant être un médecin travaillant à Genève, en Suisse alors qu'en fait il n'avait jamais obtenu son diplôme de médecine, n'avait pas eu de travail depuis deux décennies , et vivait d'un compte d'épargne en baisse (et escroqué). Lorsque son plan a atteint son point final inévitable, il a massacré toute sa famille et a essayé de le faire ressembler à un incendie de maison. Le petit miracle de Temps libre est-ce que c'est ça de -sensationnalise cette tragédie de la vie réelle et la ramène au quotidien. En retirant les meurtres de l'histoire, Cantet intensifie son attention sur un homme (Aurélien Recoing) qui tire tout son sens de la dignité et de l'estime de soi du lieu de travail et se retrouve emprisonné par le déni. Il s'agit toujours d'un cas extrême - sa course désespérée pour garder ses mensonges à flot rappelle William H. Macy dans Fargo - mais toute personne qui a perdu son emploi peut s'identifier.

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dix. Enfants des hommes (2006)

Le scénario de Enfants des hommes — un futur proche dans lequel l'humanité a perdu sa capacité à avoir des enfants — est extrême. Les détails, cependant, ne le sont pas. L'adaptation par Alfonso Cuaron d'un P.D. Le roman de James prend le tournant des tendances politiques et sociales les plus alarmantes du millénaire et les suit le long d'un arc descendant. Les radicaux religieux combattent les fascistes alors que l'opposition se retire dans un isolement rempli de marijuana ou fait écho à l'extrémisme de leur opposition. C'est un endroit désespéré et mourant, mais l'apparition d'une mince lueur d'espoir guide les actions du film et fait ressortir le meilleur et le pire de tout le monde en cours de route. Le don de Cuaron pour la réalisation de films de bravoure conduit à des décors salués à juste titre, mais c'est la plausibilité troublante de son monde qui fait que le film fonctionne, ainsi que son insistance - parfois difficile à comprendre sous toutes les balles et les effusions de sang - que le pire des moments ne pas besoin de faire ressortir le pire des gens. Et que si nous voulons durer en tant qu'espèce, ils ne le peuvent tout simplement pas.

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9. Le nouveau Monde (2005)

Terrence Malick a longtemps été captivé par la façon dont l'homme s'efforce d'apprivoiser, de façonner et de vivre dans le monde naturel, ce qui rend Le nouveau Monde pratiquement l'énoncé de la thèse du cinéaste. Ici, Malick offre une immersion profonde dans l'Amérique préservée, à une époque où les colons de Jamestown et les habitants indigènes de la terre ont avancé des conceptions incompatibles de la civilisation. Le nouveau Monde passe par trois phases distinctes, en commençant par l'engouement de John Smith pour le mode de vie de la Confédération Powhatan, puis en passant au conflit croissant des colons avec les indigènes, et se terminant avec Pocahontas épousant John Rolfe et naviguant vers les jardins ordonnés d'Angleterre. Tout au long, Malick traite les humains et leur environnement avec le même intérêt, les montrant tous comme faisant partie d'un ordre instable. Et tout au long, Malick intègre chaque élément visuel et audio du film dans une méditation sur une question difficile : ne devons-nous pas prendre ce qu'on nous donne ?

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8. Capturer les Friedman (2003)

Le co-fondateur de Moviefone, Andrew Jarecki, a entrepris de réaliser un documentaire sur les animateurs populaires de fêtes pour enfants de New York, comme le clown recherché David Friedman, mais il est tombé sur une histoire plus vaste, plus sombre et plus riche qui a constitué la base de son fascinant documentaire de 2003. Capturer les Friedman . Le frère de Friedman, Jesse, et le père Arnold avaient tous deux été reconnus coupables de pédophilie. Mais Jesse est-il coupable, ou simplement victime de l'hystérie à propos des réseaux de pédophilie qui ont balayé le pays dans les années 80 et rempli la tête des parents anxieux d'images gothiques de cultes sexuels sataniques et de prédateurs en trench-coat qui se cachent à chaque coin de rue ? Bien qu'il crée un portrait sympathique d'une famille juive de la classe moyenne supérieure en état de crise et des dommages collatéraux qui accompagnent invariablement les accusations de pédophilie, Jarecki laisse ouverte la question de la culpabilité ou de l'innocence de Jesse. L'utilisation de films familiaux tournés par les Friedman alors qu'Arnold puis Jess attendaient le procès donne au film une intimité presque insupportable. Ce qui a commencé comme un film sur un bouffon professionnel exceptionnellement réussi se transforme en une tragédie américaine.

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7. Tuer Bill Vol. 1 (2003)

Les détracteurs ont longtemps accusé Quentin Tarantino d'être tout style, aucune substance, un maître artisan avec une encyclopédie de la culture pop au lieu d'une âme. 2003 Tuer Bill Vol. 1 , Le premier film de Tarantino depuis 1997 est d'une maturité rafraîchissante Jackie Brown , semblerait valider cette conception, mais lorsque vous avez un style amusant audacieux, inventif et tout simplement, la substance semble carrément hors de propos. L'hommage étourdissant et bourré de Tarantino aux films qui ont secoué son âme lorsqu'il était enfant présente Uma Thurman comme un assassin professionnel qui cherche à se venger après que son patron paternel effrayant l'a abattue et laissée pour morte le jour de son mariage. Il s'ensuit beaucoup d'enfoirés durs à cuire alors que Thurman s'en prend à ses anciens partenaires criminels, laissant une traînée de destruction dans son sillage. L'aventure kung-fu de Tarantino monte en flèche comme du cinéma pur, une montée d'adrénaline soutenue qui saute étourdie d'un décor inoubliable à un autre tout en jetant tranquillement les bases de son deuxième volume plus calme, plus substantiel et riche en dialogues.

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6. Enlevée comme par enchantement (2001)

Tous les films d'animation de Hayao Miyazaki sont des artefacts finement travaillés, imprégnés d'artisanat à l'ancienne et d'un sentiment d'émerveillement joyeux. Mais Enlevée comme par enchantement pourrait bien être son magnum opus, premier parmi les chefs-d'œuvre comparables. La fable d'une petite fille perdue et craintive trouvant son courage après qu'elle et ses parents soient piégés dans le monde des esprits, elle a les caractéristiques habituelles de Miyazaki, y compris une fascination pour le vol, un profond respect pour les personnes de bon cœur sincère et les méchants effrayants qui ne sont pas vraiment des méchants vus de près. Mais même pour un film de Miyazaki, c'est d'une beauté hors du commun et d'une émotion hors du commun. C'est la chose la plus rare : un film d'animation sans danger pour les enfants mais tout aussi adapté aux adultes, sans complaisance envers aucun des groupes.

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5. Mémento (2000)

Voici comment dire qu'un film est innovant et étanche : vu près d'une décennie après sa sortie, Mémento se sent toujours expérimental et audacieux, et il tient toujours comme une expérience de visionnement. Le réalisateur Christopher Nolan, travaillant à partir d'une histoire de son frère Jonathan (qui sera plus tard son partenaire d'écriture sur Le prestige et Le Chevalier Noir ), raconte l'histoire à l'envers, en commençant par un meurtre qui n'a aucun sens hors contexte, puis en remontant dans le temps pour établir pourquoi ce meurtre initial/final s'est produit et ce que cela signifie dans un contexte tragique plus large. En cours de route, il révèle beaucoup de choses sur le protagoniste Guy Pearce, un homme avec un problème de mémoire déconcertant qui l'ouvre à des erreurs de jugement monstrueuses - et pourtant l'exposition est si habilement gérée qu'elle ne se sent jamais forcée, comme le disent les gens habituels d'Hollywood. l'un l'autre ce qu'ils savent déjà. Malgré sa structure audacieuse, Mémento parvient à révéler sa trame de fond de manière plus organique et fluide que la plupart des films linéaires. En plus de cela, la petite distribution est fantastique, le mystère est vraiment convaincant et Mémento nous a donné l'un des moments cinématographiques les plus scandaleusement drôles de la décennie, résumé par les lignes Ok, alors qu'est-ce que je fais? Oh, je poursuis ce gars ? [Un coup de feu plus tard…] Non, il me poursuit.

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Quatre. Il n'y a pas de pays pour les vieillards (2007)

Lorsque Joel et Ethan Coen ont reçu l'Oscar du meilleur réalisateur pour Il n'y a pas de pays pour les vieillards , Joel vous a tous remercié de nous avoir permis de continuer à jouer dans notre coin du bac à sable, ce qui était une façon appropriée de décrire une carrière qui peut évoluer à partir du loufoque Cruauté Intolérable et Les tueurs de dames à une adaptation primée de Cormac McCarthy. Avec Aucun pays , les Coens toujours impénétrables ont dépassé eux-mêmes et se sont connectés à un public plus large, transformant le thriller allégorique clairsemé de McCarthy en un dispositif de libération d'anxiété finement réglé. Ils ont été habilement aidés par Javier Bardem, jouant un jack-in-the-box souriant qui surgit à chaque fois que les Coen tournent la manivelle juste assez, et par Josh Brolin, jouant un chasseur marmonnant qui semble avoir une conversation courante dans son diriger. Alors que ces deux-là se poursuivent (et une valise pleine d'argent) à travers le sud-ouest, l'homme de loi Tommy Lee Jones se tient à l'écart, en tant que vieil homme que ce pays plus récent et plus effrayant a laissé derrière lui. Les Coen semblent rarement trop intéressés par une réalité autre que la leur, mais avec Il n'y a pas de pays pour les vieillards, ils ont puisé dans le cauchemar éveillé de notre ère de terreur, et l'ont fait d'une manière qui a rendu la mort imminente viscéralement excitante.

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3. Il y aura du sang (2007)

Pour un cinéaste avec une vision aussi audacieuse et indubitable, P.T. Anderson a écrit et réalisé une gamme remarquablement éclectique de films, couvrant tout, du monde dur des joueurs professionnels ( dur huit ) à l'industrie du porno des années 70 et du début des années 80 ( Soirées Boogie ) à l'interdépendance de l'humanité et à l'universalité de la souffrance ( Magnolia ) à l'angoisse romantique d'un homme-enfant torturé ( Amour ivre de punch ). Fidèle à sa forme, l'adaptation d'Anderson d'une intense intensité de meurtrissures 2007 Upton Sinclair Il y aura du sang ne ressemble et ne se sent en rien comme aucun de ses films précédents. C'est un acte d'accusation bagarreur et à deux poings contre le capitalisme sans conscience construit autour de la performance volcanique de Daniel Day-Lewis en tant que pétrolier impitoyable qui gagne le monde et perd le peu qui reste de son âme. Anderson a réalisé un film à la fois épique et intime, une étude du personnage d'un homme dont la soif d'argent et de pouvoir ne connaît pas de limites. Tant que nous resterons accros au pétrole, le coup de poing d'Anderson d'un film conservera une résonance contemporaine extraordinaire.

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2. 25eHeure (2002)

Immédiatement après le 11 septembre, les cinéastes se sont précipités pour effacer numériquement toute preuve de l'existence des tours jumelles dans la ligne d'horizon de New York. Pas Spike Lee. New York est sa ville, et lui seul s'est engagé à la documenter de manière véridique et poignante, comme un événement qui a touché la vie de chacun à cette époque et à cet endroit précis et ne devrait pas être masqué. Ce sentiment de perte profonde s'accorde à merveille avec l'histoire de David Benioff d'un trafiquant de drogue new-yorkais condamné (Edward Norton) passant son dernier jour de liberté avant de purger une peine de sept ans. Lee associe son regret pour la vie qu'il a menée - aggravé par la prise de conscience que le monde continuera de tourner sans lui - avec le dynamisme et la résilience de la ville blessée qu'il prétend à un moment haïr, mais qu'il aime avec une transparence à fleur de peau.

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1. Soleil éternel de l'esprit impeccable (2004)

Un film, c'est beaucoup de choses, parmi lesquelles un défi à la mortalité et une protection contre l'effacement de la mémoire. Tous les films, du meilleur au pire, disent quelque chose sur la façon dont nous avons pensé, agi et ressenti à un moment et à un endroit particuliers. Mais ce sont aussi des mensonges astucieux, des réalités construites qui plient le monde dans une forme guidée par les obsessions de ceux qui les fabriquent. (Ou les intérêts commerciaux du marché, ou un caprice momentané.)

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En cela, ils ressemblent beaucoup à des souvenirs, qui agissent de manière plus subjective et égoïste que n'importe quel film. Les rejets douloureux s'estompent. Des amis éloignés sont victimes d'effacements imprudents. Nous ne pouvons pas refaire le passé, mais nous essayons constamment d'en faire un endroit dans lequel nous sommes plus à l'aise de vivre.

Le film réalisé par Michel Gondry, scénarisé par Charlie Kaufman (d'après une histoire de Kaufman, Gondry et Pierre Bismuth) Soleil éternel de l'esprit impeccable pousse ce processus à un extrême absurde et émouvant en posant un monde dans lequel la technologie facilite notre capacité à aplanir notre passé, en éliminant les événements qui nous ont blessés et en supprimant les personnes qui ont fait du mal. C'est une liberté qui vient, comme le découvrent les rôles principaux joués par Kate Winslet et un jamais meilleur Jim Carrey, à un coût considérable.

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Bien que Kaufman ne soit pas un écrivain purement cérébral, ses recherches philosophiques trouvent un poids émotionnel supplémentaire sous la direction de Gondry. Représentant la décoloration et l'embrasement de l'amour dans les librairies gargantuesques et sur les lignes de chemin de fer, Gondry capture un moment qui est par excellence du 21e siècle, et pourtant intemporel. En 2000, le calendrier est passé à un nouveau millénaire. Avec elle est venue une rupture symbolique avec le passé, mais nos vieilles passions et conflits se sont apparemment réaffirmés sur le coup de minuit. C'est donc avec Soleil éternel Les amants de , dont le chemin circulaire les rassemble pour une fin ambiguë mais pleine d'espoir quant à la possibilité d'un avenir pas nécessairement voué à reprendre les blessures du passé, bien qu'il puisse aussi bien revisiter les mêmes erreurs. C'est le film rare qui nous montre qui nous sommes maintenant et qui nous sommes susceptibles, pour le meilleur ou pour le pire, d'être pour toujours.