Les meilleurs films de 2018

Photo : The Ballad Of Buster Scruggs (Netflix), Burning (Well Go USA), Support The Girls (Magnolia), If Beale Street could Talk (Annapurna), First Reformed (A24), Graphique : Libby McGuireParL'A.V. club 19/12/18 18:00 Commentaires (498)

Dans une année définie par division, la seule chose sur laquelle nous pouvions tous nous mettre d'accord était le cinéma. Je rigole! Au contraire, le discours sur le cinéma est devenu plus controversé et fracturé que jamais en 2018, qui a commencé par un bataille pour l'âme de la franchise la plus populaire au monde et est passé de là à des débats sur la valeur de Netflix et à voir des films sur grand écran, le politique d'un biopic sur une icône américaine , l'importance de la représentation non seulement dans le cinéma mais aussi dans la critique, et bien sûr le choix d'un camp dans la grande confrontation au box-office de l'année, Lady Gaga contre Tom Hardy en tant que monstre sexy et baveux. Si un consensus a vraiment existé dans le tonnerre de l'opinion cinématographique, Internet l'a officiellement tué. L'enfer, même le favori critique de l'année (voir notre n°7 ci-dessous) a ses détracteurs très virulents.

Tout ça c'est dire que L'A.V. club Le récapitulatif des meilleurs films de 2018 est destiné à vous agacer. L'enfer, nous à peine d'accord, c'est l'une des raisons pour lesquelles nous avons publié, comme nous le faisons chaque année, les bulletins individuels de contributeurs. Mais si la liste suivante n'est guère plus qu'un aperçu de ce que ce groupe particulier de cinéphiles a aimé au cours des 12 derniers mois, c'est une liste qui reconnaît un éventail de succès, des documentaires intimes aux spins visionnaires sur le film noir à une curiosité tardivement complétée d'un maître mort du médium. (Netflix, il faut l'admettre, a eu toute l'année et est donc représenté.) Parce que même si nous n'étions peut-être pas enthousiasmés par tous les mêmes films, il y avait beaucoup de films dignes d'enthousiasme. Sur ce, espérons-le, nous pouvez se mettre d'accord.



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25. Faire attention à l'écart

Photo : Kartemquin



De la maison qui faisait face espoir rêves vient un autre documentaire captivant et déchirant sur le passage à l'âge adulte en marge économique du Midwest américain. Ce sont les planches, pas le basket, que les jeunes sujets de Faire attention à l'écart considéré comme une issue de secours, à l'époque où ils étaient adolescents, se délivrant, un après-midi à la fois, du traumatisme partagé de leur vie familiale. Bing Liu, le réalisateur, était l'un d'entre eux, un cinéaste en herbe qui tournait des vidéos de patinage avec ses amis. De retour dans son ancien terrain de jeu de Rockford, dans l'Illinois, il rattrape ces compagnons d'enfance, toujours hantés par les abus qu'ils ont subis lorsqu'ils étaient enfants, ce qui a façonné leur âge adulte de manière à la fois évidente et non. Comme d'habitude, le modèle de tournage à long terme de Kartemquin rapporte d'énormes dividendes dramatiques. Mais Liu s'intéresse tout autant à l'endroit où ces vies réelles ont été que vers où elles se dirigent, car les deux sont intimement liés - juste un point à retenir de son portrait aux multiples facettes de garçons devenant des hommes, essayant de dépasser leurs démons en cours de route. [A.A. Dowd]


24. Une fabrique de pain

Photo : Dans la famille LLC



Peut-être que cela en dit long sur l'état du monde que tant de meilleurs films de l'année (y compris ceux en haut de cette liste) abordent des questions sur nos relations avec les autres. D'un côté, les histoires de privation, d'aliénation et d'ennui ; de l'autre, les histoires de communautés et de groupes de soutien hétéroclites. L'ambitieuse comédie d'ensemble en deux parties de Patrick Wang sur l'art et la politique locale entre carrément dans cette dernière catégorie. Courir un combiné de 242 minutes, Une fabrique de pain devient de plus en plus surréaliste au fur et à mesure que des artistes de performance en combinaison spatiale envahissent une petite ville, des enfants prennent le contrôle d'un journal local et divers personnages disparaissent, perdent leurs souvenirs ou disparaissent dans des rôles. (La deuxième partie carrément antiréaliste comprend, entre autres, une longue routine de claquettes sur le thème des textos, un numéro musical hilarant et un quatuor a cappella d'agents immobiliers.) Mais son exploration sincère et réfléchie de la démocratie et de la créativité se développe de manière romanesque - un fusion improbable d'approches qui reste fidèle à l'esprit DIY. [Ignatiy Vishnevetsky]

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2. 3. Les escrocs

Photo : Netflix

A Singapour en 1992, Sandi Tan et ses deux meilleurs amis décident de faire un road movie indépendant avec leur énigmatique professeur de cinéma Georges Cardona. Inspiré des auteurs indépendants américains de l'époque, leur film, Les escrocs , était sur le point de créer un nouveau cinéma national. Mais à la fin du tournage, Cardona s'est enfuie avec les images, pour ne plus jamais être revue. Plus de 25 ans plus tard, Tan a récupéré les images (sans son) et a réalisé un documentaire de style mémoire sur la réalisation mouvementée du film et ses conséquences, le récupérant efficacement des mains de son mentor sociopathe. Alors que l'histoire de Les escrocs fascine en soi, le film de Tan est aussi un hommage aux artistes underground d'antan. Tan et ses amis, avec leur syndicat clandestin de bandes vidéo et leurs zines internationaux, étaient des pionniers de la contre-culture quand et où cela signifiait encore quelque chose. Le Les escrocs le documentaire ressemble autant à une relique artisanale d'une autre époque que son inspiration originale, perdue et trouvée, ce qui rend sa sortie Netflix d'autant plus ironique. [Vikram Murthi]




22. Madeline de Madeline

Photo: Films d'oscilloscopes

Comme un éclair, Helena Howard est sortie de nulle part et a détruit tout sur son passage. La New Yorkaise n'était qu'une adolescente lorsqu'elle a accepté le rôle titre dans le drame amorphe et tonique de Josephine Decker sur la relation tendue entre une jeune actrice instable, sa mère bien intentionnée (Miranda July) et la réalisatrice (Molly Parker) dont l'amour sincère pour sa nouvelle muse a un côté vampirique. Howard ne cache pas son âge en jouant l'âge adulte. Au lieu de cela, elle enfonce ses ongles dans le chaos de l'adolescence, le tourbillon interne de possibilité et de rage et d'excitation occasionnelle dont un comédien passionné peut émerger. Il y a aussi une maturité là-dedans, car Howard et Madeline prennent tout leur sens en embrassant la spontanéité et l'imperfection qui peuvent conduire à des performances exceptionnelles. En espérant que la foudre frappe à nouveau bientôt. [Charles Bramesco]

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vingt-et-un. Pouvez-vous jamais me pardonner?

celle de Marielle Heller Pouvez-vous jamais me pardonner? est techniquement un biopic d'un biographe, Lee Israel (Melissa McCarthy), qui a recours à la falsification et à l'embellissement de lettres d'écrivains décédés alors que sa vie et sa carrière connaissent une forte baisse au début des années 90. Mais le film fonctionne mieux, peut-être, en tant que portrait d'une misanthrope qui se retrouve complètement en décalage avec une culture qui l'a jadis embrassée. McCarthy tempère sa large sensibilité comique en faveur d'une frustration épineuse, résultant en la meilleure performance de sa carrière. À ses côtés, Richard E. Grant en donne une autre dans une longue carrière de tours stellaires en tant que Jack Hock, le partenaire gay d'Israël dans le crime/copain de consommation d'alcool. L'approche discrète et axée sur les détails de Heller rapporte gros dans un film qui vit et meurt par son esthétique d'époque. Elle trouve également une empathie chaleureuse pour ses sujets caustiques et ivres. Les gens difficiles, après tout, méritent autant d'amour et de reconnaissance que les gentils. [Vikram Murthi]


vingt. Vie privée

Photo : Netflix

C'est ma vie privée, crie Danny Elfman dans la chanson du même nom d'Oingo Boingo. Viens me sortir d'ici. C'est plus ou moins ce que ressentent Rachel (Kathryn Hahn) et Richard (Paul Giamatti) dans le troisième long métrage tant attendu de Tamara Jenkins, qui explore en détail les efforts herculéens de ce couple infertile pour concevoir ou adopter un enfant. Jenkins a apparemment vécu beaucoup de choses elle-même (ce qui explique en partie pourquoi cela fait 11 ans que Les Sauvages ), et elle enfile l'aiguille de manière experte, trouvant des moyens de rendre son épreuve à la fois scrupuleusement précise et extrêmement divertissante. Et le récit qui émerge progressivement, dans lequel Rachel et Richard deviennent les parents de substitution de leur nièce d'âge universitaire (Kayli Carter), qui se porte volontaire pour être donneuse d'ovules, transmet magnifiquement l'idée que l'amour et les conseils ne nécessitent pas nécessairement une famille traditionnelle. structure, et que parfois nous trouvons ce que nous cherchons sans même nous en rendre compte. [Mike D'Angelo]

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19. Voleurs à l'étalage

Photo: Photos de Magnolia

Dans les premiers instants du lauréat de la Palme d'Or de Kore-eda Hirokazu Voleurs à l'étalage , un homme et un garçon échangent un clin d'œil à la fois solennel, ludique et d'une efficacité étonnante. Cela nous dit que ces deux-là sont connectés, pratiqués, qu'ils sont là pour travailler, mais que le travail est amusant. Ils volent, et c'est un rituel nécessaire mais agréable. Cette densité de sens traverse Voleurs à l'étalage , qui explore comment les familles peuvent être à la fois choisies et nécessaires, construites sur l'amour et formées pour plus de commodité à la fois. C'est un film de douceur et de compassion, porté par un ensemble d'acteurs aussi attachés à l'espièglerie et à la poésie de la vie ordinaire que le réalisateur qui les a réunis. Comme un voleur exercé, Voleurs à l'étalage sait diriger votre attention; il est plus que capable de se faufiler pendant que vous êtes distrait et de se loger quelque part derrière vos côtes, pour ne plus jamais repartir. [Allison cordonnier]


18. Appuyez-vous sur Pete

Photo : A24

En premier, Appuyez-vous sur Pete semble être l'histoire modestement réconfortante d'un adolescent solitaire et sans mère nommé Charley (Charlie Plummer) qui trouve un but et une structure dans sa vie en se liant avec un cheval de course dépassé. D'après le roman de Willy Vlautin, le réalisateur Andrew Haigh ( Fin de semaine , 45 ans ) capte la misère du hardscrabble du circuit, accordant une égale attention à l'entraîneur patient et pragmatique (Steve Buscemi) qui prend Charley sous son aile, ainsi qu'à l'une des jockeys de longue date de la région (Chloë Sevigny). Il s'avère cependant qu'il s'agit d'un appât et d'un interrupteur magistral. Apprenant à mi-chemin du film que son meilleur ami est sur le point de devenir de la colle, Charley vole Lean On Pete et part à la recherche de sa tante - un voyage qui devient de plus en plus sombre, devenant moins sur les relations homme-équidé que sur les dangers de n'avoir aucun soutien système en Amérique. C'est comme si l'enfant de L'étalon noir est devenu le personnage de River Phoenix de Mon propre Idaho privé , et aussi vivifiant que cela le suggère. [Mike D'Angelo]

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17. L'île aux chiens

Photo : Projecteur de renard

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Ce que la dernière incursion de Wes Anderson dans l'animation en stop-motion manque de traçage complexe ou de travail de personnage détaillé, il le compense par un pur plaisir visuel. Plein de jeux formels à couper le souffle et de comédie verbale tranchante, L'île aux chiens est difficile à égaler pour le plaisir d'instant en instant. En racontant une histoire familière de garçon et de chien dans la métropole japonaise fictive de Megasaki, Anderson a tiré des accusations valables d'appropriation culturelle. Mais le pur gamme des styles esthétiques qu'il utilise ici est souvent à couper le souffle, témoignant d'un engagement réfléchi (sinon nécessairement profond) avec la culture japonaise. À ce stade de sa carrière, la boîte à outils esthétique désormais familière du réalisateur est susceptible d'être tenue pour acquise - et bien qu'il travaille à nouveau avec une imagerie politiquement chargée (comme dans Le Grand Hôtel Budapest ), le sérieux émotionnel du film est indéniable. Mais la sentimentalité a sa place, et un engin de Rube Goldberg ingénieusement assemblé qui affirme la valeur de la loyauté de chien n'est pas à se moquer. [Lawrence Garcia]


16. Héréditaire

Photo : A24

Depuis que Marion Crane a pris la dernière douche de sa courte vie, un film d'horreur n'a si cruellement et efficacement brisé le faux sentiment de sécurité d'un public. Capable de refroidir la foule multiplex la plus blasée dans le silence, le figuré et le littéral schisme qui arrive tôt dans le premier long métrage terriblement accompli d'Ari Aster est un microcosme pour son terrorisme émotionnel sophistiqué - la façon dont il utilise les sentiments laids qui volent à travers les chambres et les tables de la salle à manger pour mettre les nerfs à bout, goose ses peurs impeccablement conçues. Certains n'ont vu aucune relation significative entre Héréditaire Le drame familial angoissé de et le cauchemar surnaturel qui le consume, même avec Toni Collette – dans la performance la plus captivante de l'année – créant une continuité entre eux avec chaque contorsion inquiétante de ses muscles faciaux. Mais qualifier les deux d'incompatibles, c'est passer à côté de toute la signification de la conception diabolique du film, y compris la logique tordue de son résultat : une sorte de fin heureuse pour quiconque a déjà cherché un sens à une tragédie insensée ou transféré la responsabilité de ses malheurs à un pouvoir plus grand. qu'eux-mêmes. [A.A. Dowd]

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quinze. Le favori

Photo : Projecteur de renard

La progéniture imprévisible de Jane Austen, Barry Lyndon , Ken Russell, et un clip de Hype Williams, Le favori est le drame costumé le plus récent depuis des lustres. Le réalisateur Yorgos Lanthimos, le provocateur cérébral derrière Dent de chien et Le homard , fournit un contrepoids revigorant au scénario joyeusement sale et vicieusement plein d'esprit de Deborah Davis et Tony McNamara sur la reine anglaise du XVIIIe siècle Anne (Olivia Colman) et les femmes nobles, jouées par Rachel Weisz et Emma Stone, en guerre pour ses affections. Les acteurs sont électriques, tout comme la chimie entre eux, et Lanthimos capture leur lutte de pouvoir à travers des fioritures aussi excessives que les appétits des élites oisives de l'histoire. Pensez à un gâteau au rhum sucré et collant parfumé avec juste un soupçon de cyanure. Ou peut-être de Dorothy Parker devenue folle de syphilis, trinquant à une course à trois pattes où le perdant se fait manger à la fin. [Katie Rife]


14. Ne laisse aucune trace

Photo: Rue Bleecker

Cela fait huit ans que la scénariste-réalisatrice Debra Granik et la scénariste-rice Anne Rosellini ont lancé leur magnifique L'os de l'hiver , et a aidé à lancer Jennifer Lawrence, alors adolescente, à la célébrité. La thématique similaire Ne laisse aucune trace pourrait faire de même pour sa star de 18 ans, Thomasin McKenzie, qui est à la fois magnétique et déchirante dans le rôle de Tom, la fille pleine de ressources d'un vétéran de la guerre en Irak (Ben Foster) souffrant d'une maladie mentale. Alors que le couple se fraie un chemin à travers le nord-ouest du Pacifique, à la recherche d'endroits où s'accroupir hors de la grille, McKenzie saisit le dilemme compliqué de la jeune femme : elle veut prendre soin de son père, même si elle se rend compte que ses dommages peuvent être irréparables. Ne laisse aucune trace est à la fois une aventure en pleine nature, une photo de passage à l'âge adulte et un portrait sensible d'une enfant qui a du mal à comprendre qu'elle pourrait avoir besoin de rompre ses liens familiaux. [Noël Murray]

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13. NoirKkKlansman

Photo : Fonctionnalités de mise au point

Le récit tragi-comique de Spike Lee d'une opération d'infiltration improbable à Colorado Springs dans les années 70 - un flic noir (John David Washington) utilise son partenaire juif (Adam Driver) comme remplaçant afin qu'ils puissent jouer ensemble à la taupe dans le KKK local - se sent comme un retour en forme pour un réalisateur qui n'a jamais vraiment perdu la main. Craie jusqu'à la ponctualité brûlante et spécifique, en particulier la finale effrayante qui pousse la violence et le sectarisme hors de l'écran et dans notre réalité. Lee trouve beaucoup de nuances de gris entre le noir et le blanc, alors qu'un individu moralement en conflit est pris dans un bras de fer idéologique entre la police qu'il aime même lorsqu'elle ne l'aime pas en retour et les radicaux du pouvoir noir qu'il peut pas complètement d'accord. Conflits intersectaires sur la praxis, dialogue chargé sur la politique identitaire, culpabilité face à l'inaction en temps de crise : Lee prend tout ce qui est lugubre du discours moderne, le colle à un faisceau de feux d'artifice post-blaxploitation et allume la mèche. [Charles Bramesco]


12. Pur-sang

Photo : Fonctionnalités de mise au point

Pur-sang ne traite pas directement de la vie saturée des médias sociaux des adolescents d'aujourd'hui. Au contraire, l'arrangement semblable à un ami entre Lily (Anya Taylor-Joy) très performante et détestant son beau-père et Amanda (Olivia Cooke) mécontente et insensible a les attributs rétro de l'argent plus ancien: ils traînent dans le manoir de Lily dans le Connecticut, regardant souvent à la télévision, Lily recevant un paiement à la tutrice SAT Amanda. Pourtant, un sentiment d'isolement très contemporain et une relation très délicate avec l'empathie sont partout dans le thriller de plan de meurtre KO de Cory Finley, une sorte de riff sur Des étrangers dans un train . En d'autres termes, Pur-sang est le genre de film que Brian De Palma avait l'habitude de faire, bien que moins fiévreux et, à doses soigneusement dosées, plus touchant de manière inattendue. Lily et Amanda sont peut-être des adolescentes, mais elles sont allées au-delà de la question de savoir comment naviguer dans la cafétéria du lycée, au lieu de calculer comment se frayer un chemin dans un monde réel où l'empathie est contestée. [Jesse Hassenger]

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Onze. Si Beale Street pouvait parler

Photo: Photos de l'Annapurna

L'adaptation éblouissante par Barry Jenkins d'un roman de 1974 de James Baldwin aborde l'amour naissant entre Tish (Kiki Layne) et Fonny (Stephan James) avec une grande révérence, le directeur de la photographie James Laxton capturant la lueur presque interne qu'ils dégagent, alors que la partition de Nicholas Britell gonfle et s'évanouit . Pourtant, un courant sous-jacent de tragédie traverse même les moments les plus ensoleillés du film, pas seulement ceux des épreuves. L'histoire de Baldwin, remarquablement adaptée par Jenkins comme son suivi du film oscarisé clair de lune , regarde l'injustice qui traverse la vie des Noirs américains avec le même regard inébranlable que le film tourne sur ses moments de tendresse. Tout est là, trouvé dans le ciel bleu ; dans les sculptures de Fonny ; dans les performances réfléchies de Layne, James et des vedettes Regina King, Colman Domingo et Brian Tyree Henry; et dans la chaleur qui passe entre deux paumes pressées l'une contre l'autre, même lorsqu'elles sont séparées par du verre. [Allison cordonnier]


dix. L'autre côté du vent

Photo : Netflix

Citer Pics jumeaux : En quelle année est-ce ? Après plus de quatre décennies à languir dans les limbes de la post-ion, le projet final d'Orson Welles arrive comme une missive d'une époque révolue. Pas moins qu'un acte herculéen de chirurgie reconstructive, L'autre côté du vent raconte l'histoire apparemment familière d'un protégé (Brooks Otterlake de Peter Bogdanovich) surpassant son mentor (Jake Hannaford de John Huston), ici dans le contexte de l'Hollywood des années 70. Mais c'est aussi une implosion délirante et follement divertissante de méta-texte instable, remplie de rappels incessants, de bons mots flétris et d'envois à peine voilés de personnalités de l'époque, sans parler de certains des films les plus électriques (et sans vergogne libidineux). de la carrière légendaire de Welles. Basculant librement entre les images en noir et blanc et la photographie couleur sordide, c'est un véritable objet prismatique, une sorte de cristal fissuré qui est d'autant plus fascinant pour ses défauts supposés. Le mettre sur une liste de fin d'année semble inadéquat. [Lawrence Garcia]

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9. Tu n'as jamais vraiment été là

Photo : Amazon Studios

La dernière plongée de la réalisatrice Lynne Ramsay dans les tranchées les plus profondes et les plus diaboliques de la psyché humaine est aussi fracturée que la conscience de son protagoniste, l'assassin physiquement intimidant et psychologiquement fragile Joe (Joaquin Phoenix). Ramsay oscille entre euphémisme et excès avec bravade, une tactique déstabilisante qui injecte à chaque silence chargé un sentiment de terreur palpable. Le résultat est un état de fugue impressionniste d'un film qui illumine des moments de violence indicible avec l'indifférence aveuglante d'un flash, une série de photographies Polaroid cachées sous un matelas sale et taché de sang dans une chambre d'hôtel délabrée de Skid Row. Mais pour toute sa misanthropie sinistre et large d'épaules, Vous n'étiez jamais prêt ici trouve également du temps pour des moments de beauté simple et intacte, éphémère, mais néanmoins belle. [Katie Rife]


8. Premier homme

Photo : Images universelles

Après s'être attaqué à l'obsession musicale dans Coup de fouet et La La Land , Damien Chazelle a tourné pour la lune avec ce remarquable biopic sur Neil Armstrong (Ryan Gosling), la première personne à avoir posé le pied sur sa surface grise et poussiéreuse. Établir des parallèles entre la personnalité lointaine d'Armstrong et l'éloignement de l'espace, les ambiguïtés humaines et les inconnues cosmiques, Premier homme refond la mission Apollo 11 comme l'histoire d'un homme qui s'est éloigné du reste de l'espèce plus que quiconque auparavant et est revenu. Le casting est de premier ordre (en particulier Claire Foy dans le rôle de Janet Armstrong, la femme de l'astronaute), mais la claustrophobie de la boîte de conserve, la terreur vertigineuse et, finalement, l'imagerie transcendante des séquences d'entraînement et de mission est la réalisation technique singulière du film. Cela peut sembler un monde (littéralement) loin des numéros musicaux du dernier film de Chazelle, mais ses thèmes sont toujours aussi conflictuels et mélancoliques : la perfection et l'anxiété, le besoin de se connecter et le besoin de s'échapper. [Ignatiy Vishnevetsky]

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7. Rome

Photo : Netflix

Alfonso Cuarón a suivi son film de science-fiction à succès La gravité avec quelque chose d'inattendu : une tranche de vie intime et semi-autobiographique, se déroulant au début des années 70 à Mexico. Encore plus surprenant ? Rome a autant de panache cinématographique que les précédents films fantastiques et comédies sexuelles du réalisateur. Tourné en noir et blanc onirique (avec Cuarón lui-même comme directeur de la photographie), le film retrace la dissolution d'un mariage, ainsi que les changements sociaux au Mexique, à travers les yeux d'une femme de chambre de la classe moyenne, Cleo (Yalitza Aparicio). Dans de longues prises étonnamment bien chorégraphiées, Cuarón crée l'impression d'un monde plus vaste se précipitant par la fenêtre d'une maison de plus en plus dysfonctionnelle. Mais sa caméra continue de retrouver son chemin vers Cleo, alors qu'elle gère les plus petits drames domestiques - y compris certains des siens - tout en contemplant tranquillement ce qui donne un sens à sa vie. [Noël Murray]


6. La ballade de Buster Scruggs

Photo : Netflix

Tout le monde connaît le vieux mythe selon lequel les films d'anthologie sont inférieurs à la somme de leurs parties; c'est un conte aussi vieux que le cow-boy chantant ou l'histoire du fantôme de la diligence. Joel et Ethan Coen devraient être particulièrement familiers, ayant contribué à Paris, Je T’Aime et confronté à des hypothèses selon lesquelles La ballade de Buster Scruggs était vraiment censé être une série télévisée. Mais il est difficile d'imaginer briser leurs six mini-films occidentaux en une saison Netflix, car ils se complètent si gracieusement. Situé dans un enfer séduisant entre une sinistre vie réelle impitoyable et une chair de poule accrue, les histoires vont d'un slapstick musical délicieusement mordant avec Tim Blake Nelson à un coup de poing déchirant avec Zoe Kazan, pour ne citer que deux points marquants. La mort hante l'ensemble, qui se dirige vers The Mortal Remains à la fois hilarant et feutré, aussi satisfaisant et passionné de langage que les Coen l'ont jamais concocté. Leur point de vue parfois fataliste les a vus étiquetés comme nihilistes, un groupe qu'ils ont sauvage aussi bien que n'importe qui dans Le grand Lebowski . Mais les nihilistes ne réfléchissent pas autant aux fins. [Jesse Hassenger]

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5. Huitième année

Photo : A24

La plupart des films sur les adolescents, même les bons, ne peuvent pas tout à fait capturer l'intensité émotionnelle pure de l'expérience adolescente. Huitième année n'est pas la plupart des films sur les adolescents. Les débuts de réalisateur du comédien Bo Burnham sont si viscéralement maladroits qu'il joue parfois comme un film d'horreur, tout en étant suffisamment empathique pour qu'il n'ait jamais à recourir à la valeur de choc pour faire trembler le public. La star Elsie Fisher est tout aussi essentielle à la résonance du film, jouant Kayla, une élève de huitième année douloureusement peu sûre et obsédée par les smartphones, avec une vulnérabilité qui serait remarquable de la part d'un acteur de tout âge, sans parler d'un acteur trop jeune pour conduire. Vous voulez la serrer dans vos bras et lui arracher le téléphone des mains en même temps, un tourbillon de réactions que Burnham et Fisher manipulent habilement en une symphonie de mortification chaleureuse, observatrice et sans fin. [Katie Rife]


Quatre. Premier réformé

Photo : A24

Tour à tour réfléchi et scandaleux, le drame de Paul Schrader sur un ancien aumônier militaire alcoolique (Ethan Hawke, dans l'une de ses meilleures performances) pousse l'intérêt de son scénariste-réalisateur pour la contemplation et l'autodestruction grotesque et gratuite à de nouveaux extrêmes. En tant que ministre et gardien d'une vieille église en bois dans le nord de l'État de New York, le révérend Toller, déprimé et à la voix douce, se débat avec la promesse trahie du christianisme et avec les secrets d'une jeune veuve mariale (Amanda Seyfried) dont le mari a laissé derrière lui un gilet de suicide explosif. Le matériel peut être emprunté à Ingmar Bergman Lumière d'hiver , de Robert Bresson Journal d'un curé de campagne , et le propre scénario de Schrader pour Conducteur de taxi , mais Premier réformé La vision perturbée de la fin des temps moderne du terrorisme et de la catastrophe écologique est bien la sienne. Malgré tout son ascétisme visuel carré, le résultat est l'un des films les plus riches de Schrader - et celui-ci est susceptible de grandir chez le spectateur, comme il l'a fait chez cet écrivain. [Ignatiy Vishnevetsky]

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3. Guerre froide

Photo : Amazon Studios

Le drame alternativement froid et au sang chaud de Pawel Pawlikowski (ouverture en version limitée vendredi) aurait été inspiré par la relation turbulente de ses propres parents, mais l'horizon du film - comme son titre l'indique - est considérablement plus large que cela. Plutôt que de simplement faire la chronique de la passion sans cesse renouvelée du musicologue/musicien Wiktor (Tomasz Kot) et de la chanteuse Zula (Joanna Kulig), Pawlikowski l'utilise comme un proxy de la vie dans le bloc soviétique au milieu du 20e siècle, tout en créant simultanément une métaphore géopolitique pour le genre d'histoire d'amour qui ne prospère que lorsqu'elle est confrontée à des obstacles. Comme Ida , c'est une image en noir et blanc d'une beauté chatoyante, prise au format carré Academy ; ici, le cadre peut à peine contenir le nerf brut d'une performance de Kulig, idéalement assorti à la passivité exaspérante de Kot. Comme Sean Penn peut en témoigner, faire de la politique personnelle est une affaire délicate. Guerre froide l'enlève sans transpirer. [Mike D'Angelo]


2. Soutenez les filles

Photo: Photos de Magnolia

Tant de films effectuent des contorsions grotesques (ou des actes extraordinaires de déni) pour éviter de montrer leurs personnages au travail, du moins si leur travail n'est pas policier, avocat ou agent secret. Et qui peut les blâmer, vraiment ? Beaucoup de travail est une corvée qui écrase l'âme, quelque chose qui Soutenez les filles comprend intuitivement - si intuitivement que le scénariste-réalisateur Andrew Bujalski n'a pas besoin de plonger ses personnages dans un marécage de misère pour reconnaître la corvée de travailler chez Double Whammies, une sorte de Hooters de pauvre dans la banlieue du Texas. En appliquant une structure d'une journée folle à une journée qui n'est pas si folle, Bujalski suit Lisa (Regina Hall), la gérante du restaurant, alors qu'elle joue le rôle de patron, d'employée consciencieuse, de conseillère et de mère, selon la crise à laquelle elle s'attaque. . Hall, dans exactement le genre de performance qui est trop fondée et vraie pour recevoir l'attention des prix qu'il mérite, montre une maîtrise habile des différences subtiles entre nos différents moi - travail, famille, fusions inconfortables des deux - que tant de travailleurs sont forcés naviguer. Pourtant, malgré tout son réalisme sans issue, c'est aussi un film chaleureux et drôle, avec des tours de soutien infiniment charmants de Haley Lu Richardson, Shayna McHayle et Dylan Gelula. La corvée au travail n'empêche pas les lueurs d'humanité - et l'humanité ne garantit pas une fin heureuse, comme l'indiquent les plans finaux parfaitement ouverts du film. [Jesse Hassenger]

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1. Brûlant

Photo : Eh bien allez aux États-Unis

banda sonora del día libre de ferris bueller

Une comédie sèche sur la guerre des classes. Un mystère déroutant de la personne disparue digne d'Hitchcock ou d'Antonioni. Une méditation existentielle sur les petites faims et les grandes faims qui nous animent. Il n'y a pas une seule bonne façon de classer Brûlant , alors pourquoi ne pas simplement l'appeler le meilleur film de l'année et en rester là ? De retour après une interruption de huit ans du cinéma, le maître sud-coréen de la combustion lente Lee Chang-dong ( Poésie ) a plus que parfaitement capturé l'ambivalence subjective de la nouvelle originale de Haruki Murakami, Barn Burning. En l'allongeant pour remplir deux heures et demie parfaitement rythmées, il a également taquiné de son matériel source une multitude de nouvelles significations et ambiguïtés, s'infiltrant dans le triangle amoureux qui enveloppe un écrivain introverti (Ah-in Yoo), son sa camarade de classe natale devenue béguin (Jong-seo Jun) et son nouveau beau beau et riche (Steven Yeun, incroyablement détestable dans un rôle délicat). Vous n'avez pas eu à chercher fort pour voir une pertinence troublante dans le ragoût de ressentiments bouillonnant du film, la rage de la classe ouvrière et explicitement masculine qui dégénère en un point culminant choquant. (Ce n'est pas pour rien que Donald Trump fait une apparition télévisée.) Mais Brûlant Le pouvoir de s est d'autant plus intemporel qu'il est opportun, situé comme il l'est dans de grandes questions sans réponses claires : de véritables énigmes de désir, de nostalgie et de motivation, aucune plus facile à résoudre que la disparition au centre de cette énigme captivante. [A.A. Dowd]