Les 20 meilleurs films de 2017

Dunkerque (Photo : Warner Bros.), Dame Oiseau (Photo : A24), et Fil fantôme (Photo : Fonctionnalités de mise au point). Graphique : Libby McGuire.ParKatie Rife,Ignati Vishnevetsky,AA Dowd,Jesse Hassenger,Mike D'Angelo, etNoël Murray 20/12/17 18:00 Commentaires (532)

2017 ne s'est pas beaucoup améliorée par rapport à 2016. Au contraire, l'horreur et la terreur de l'année dernière ne semblaient prendre racine et fleurir que cette année, alors que certaines de nos pires peurs collectives se réalisaient et que l'avenir semblait s'assombrir avec chaque mauvaise nouvelle. bulletin et tweet mal jugé. S'il y a a été une constante, du moins pour les cinéphiles, c'était le cinéma. On peut chipoter avec la qualité cumulée de 12 mois de cinéma. (Est-ce que cette année a produit un clair de lune ou un Manchester au bord de la mer , un chef-d'œuvre quasi-consensuel ?) Mais alors que le monde brûlait, les films étaient toujours là. Il y avait tellement de bons en 2017, en fait, que nous avons sûrement omis certains de vos favoris, y compris (spoilers pour les quelques-uns qui ont choisi de lire ce préambule avant de faire défiler les sélections ci-dessous) La forme de l'eau , Coureur de lames 2049 , La poste , Visages Lieux , Wonder Woman , L'artiste du désastre , Noix de coco , et Boueux . Mettez les omissions à la craie selon les goûts particuliers de nos six contributeurs réguliers, et vérifiez l'individubulletins de votepour savoir qui blâmer spécifiquement pour eux. Espérons que 2018 s'améliorera par rapport à 2017 à presque tous les égards. Mais nous ne pouvions vraiment pas demander de meilleurs films.


vingt. Star Wars : Les Derniers Jedi

Photo : Disney



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Arrivé à peu près au moment où le Guerres des étoiles le réveil menace de passer d'un événement de science-fiction / fantastique à gros prix à un pointage annuel banal, le chapitre central de Rian Johnson semble allègrement et merveilleusement indifférent à payer les mystères supposés de son prédécesseur ou à mettre en place une grande finale. Au lieu, Le dernier Jedi reconnaît que les personnages, et non le service aux fans ou l'hommage, ont donné le réveil de la force son pétillant, et le prend à partir de là, envoyant Daisy Ridley’s Rey pour une série de leçons Jedi épineuses et éprouvantes avec nul autre que Luke Skywalker lui-même. Il y a beaucoup d'autres affaires, des méditations sur le vieillissement à travers une guerre éternelle aux bouffonneries de droïdes loufoques, et Johnson navigue dans les changements les plus sauvages en se dirigeant vers l'étrangeté de la série. Il est le premier cinéaste depuis George Lucas à aborder le matériel avec ce qui ressemble à une vision authentique - une vision qui s'adapte aux discussions de Force à longue distance et à faible technologie, des luttes internes mordantes du Premier Ordre et une séquence d'action sur fond rouge qui pourrait présenter le meilleur utilisation de sabres laser depuis La menace fantôme . Tout au long, Johnson se débat avec ce que la mythologie monolithique des blockbusters signifie pour nous, tout en créant un blockbuster idiosyncratique pour appeler le sien. [Jesse Hassenger]


19. Rester vertical

Photo : Libération de brin

Le suivi d'Alain Guiraudie Étranger au bord du lac n'a pas attiré autant d'attention, mais ce n'est pas moins perversement séduisant. Le titre a un double sens sournois, faisant référence à la fois au penchant du protagoniste Léo à se mettre à l'horizontale avec presque toutes les personnes qu'il rencontre alors qu'il parcourt la campagne française, à la recherche d'inspiration pour un scénario qu'il n'arrive jamais vraiment à écrire, et à la difficulté inhérente de juste être humain, ce que Guiraudie imagine comme une lutte constante contre le retour à l'état animal. Rester vertical L'absurdisme désinvolte et la perversité polymorphe représentent un retour bienvenu aux premiers travaux du cinéaste, qui sont largement passés inaperçus aux États-Unis. La structure narrative tourne délibérément en rond, mais les détails bizarres et la profondeur des sentiments qui les sous-tendent surprennent continuellement. [Mike D'Angelo]




18. John Wick : Chapitre 2

Photo: Lionsgate

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Dans une année cinématographique marquée par l'imagerie gothique, les interprétations tordues du mythe classique et les envois d'art moderne, qui s'attendrait à ce que les trois de la suite John Wick , le film d'action surréaliste par excellence qui a fait de Keanu Reeves un tueur à gages pour venger son chien ? Encore plus exquisément étrange que son prédécesseur stylisé, Chad Stahelski John Wick : Chapitre 2 envoie l'artiste de la mort de Reeves dans un voyage orphique à travers le monde criminel; Le script de Derek Kolstad développe la mythologie interne de l'original avec beaucoup d'esprit impassible. Les décors d'action éblouissants sont parmi les meilleurs de la mémoire récente, de l'ouverture du derby de démolition à une fusillade de musée peinte avec des éclaboussures de sang de Jackson Pollock à un magnifique (et métaphoriquement riche) apogée de fun-house dans un art en miroir installation. [Ignatiy Vishnevetsky]


17. Bon temps

Photo : A24



Le centre-ville d'Abel Ferrara à Manhattan est révolu depuis longtemps, remplacé par des gratte-ciel stériles à moitié remplis et des bistrots follement trop chers. Mais il reste encore beaucoup de sable dans les rues de New York. Vous n'avez qu'à vous rendre dans les quartiers périphériques, comme l'ont fait les réalisateurs Josh et Benny Safdie pour leur drame policier frénétique Bon temps . Le film vibre avec l'énergie de la ville alors que Connie (Robert Pattinson, pratiquement méconnaissable dans un sweat à capuche sale et une barbiche ratée) se fraie un chemin à travers une mission de sauvetage conçue à la hâte après que son frère handicapé Nick (Benny Safdie) soit arrêté à la fin d'une course poursuite à pied suite à un braquage de banque raté. Le rythme effréné et le désespoir scrupuleux de la quête de Connie confèrent au film - qui se déroule entièrement au cours d'une nuit - une certaine qualité de maison de divertissement, renforcée par la cinématographie en gros plan délirante, l'éclairage stylisé de manière agressive et la partition de synthétiseur. Le fait qu'une partie se déroule littéralement dans un parc d'attractions ne fait pas de mal non plus. [Katie Rife]


16. Trois panneaux d'affichage à l'extérieur de Ebbing, Missouri

Photo : projecteur Fox

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Le film en colère, drôle et déchirant de Martin McDonagh semble être né de notre moment particulier, avec sa rage féminine juste se heurtant à la brutalité policière dans une petite ville du Midwest. Mais si l'histoire de Mildred furieuse et vengeresse (Frances McDormand) et de son ennemi raciste de flic Dixon (Sam Rockwell) a une certaine résonance, elle semble aussi hors d'un moment particulier, dans le sens où la colère, le racisme et l'inhumanité de l'homme ( wo)man ne sont pas des conflits flambant neufs en 2017. Trois panneaux d'affichage s'éloigne des désignations de film d'émission, puis continue de s'écarter, dans des moments - le dernier souvenir piquant de Mildred de sa fille; Le trébuchement improbable de Dixon vers une version noueuse de la décence ; un certain nombre d'éclaboussures de sang inattendues - que de nombreux téléspectateurs trouveront déconcertantes pour un certain nombre de raisons. McDonagh a déjà fait face à une certaine réticence face à sa volonté de sympathiser, à un certain niveau, avec l'idiot Dixon (en particulier dans un film avec peu de personnages noirs). Mais McDormand et Rockwell interprètent un duo tellement magnifique, complètement imaginé et décalé que le film ne s'équilibre jamais dans un conte moraliste conventionnel. Il reste épineux, avec des rires et des tressaillements qui se piquent continuellement. [Jesse Hassenger]


quinze. Logan chanceux

Photo: Rue Bleecker

Si Bébé Conducteur est la muscle car gonflée des films de braquage de 2017, Logan chanceux est le vieux pick-up fiable. Le retour de Steven Soderbergh à la réalisation de longs métrages est une histoire au rythme tranquille sur un vol sur une piste de course, avec Channing Tatum et Adam Driver comme des bosseurs intelligents et émouvants, Riley Keough comme leur sœur capable et Daniel Craig comme le génie criminel fou dont l'utilité pour leur l'opération est entravée par son incarcération. Le scénario (attribué à Rebecca Blunt, jusque-là inconnue, qui serait un pseudonyme de l'épouse de Soderbergh, Jules Asner) suscite de nombreuses surprises, mais est finalement plus intéressé par la raison pour laquelle ces personnes ont besoin d'argent que par la façon dont elles vont l'obtenir. Les plaisirs simples d'une intrigue sinueuse fonctionnent de concert avec la fascination de Soderbergh pour les textures visuelles des espaces humains ordinaires, résultant en un film qui semble habité, même dans sa forme la plus artificielle. [Noël Murray]


14. L'abattage d'un cerf sacré

Photo : A24

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Yorgos Lanthimos sort la pisse de l'allégorie de la culpabilité bourgeoise à la Michael Haneke avec cette fable sombre et démente sur un chirurgien cardiaque (un Colin Farrell à la barbe touffue) maudit d'avoir pris une décision déraisonnable par un adolescent rampant (Barry Keoghan) et le sien refus d'assumer la responsabilité de ses échecs. Comme dans la percée du réalisateur, Dent de chien , et ses débuts en anglais, Le homard , le vrai sujet est la logique tordue des relations, des obligations et des façades sociales, caricaturée à travers le mélange distinctif du réalisateur de grotesque, de pince-sans-rire surréaliste et d'étrangeté. L'inspiration vient de la mythologie grecque, avec Farrell en tant que roi de banlieue Agamemnon, mais le style est presque kubrickien et d'une étrangeté fascinante,se transformer en cauchemar dans la scène culminante... [Ignatiy Vishnevetsky]


13. Le Carré

Photo: Photos de Magnolia

Le moment central de Ruben Östlund Le Carré oppose la valeur d'une salle à manger d'amateurs d'art autoproclamés aux divertissements de la soirée : un coup d'art de la performance qui pousse bien au-delà des limites extérieures de leurs zones de confort. C'est peut-être une version exagérée de ce que le public pourrait ressentir en regardant cette comédie grimaçante de grande taille, suffisamment gênante pour que Larry David soit chaud sous le col. Un autre sauvagement sauvagement drôle de l'ego masculin, à la stlund Force Majeure , le film se déroule dans les coulisses d'un musée, où un conservateur prétentieux (Claes Bang) est aux prises avec des crises personnelles et professionnelles de sa propre fabrication. Mais loin de se moquer d'un monde hypocrite de l'art moderne, le scénariste-réalisateur suédois jette un large filet satirique. Son plus gros problème : l'idée déchirante qu'il y a souvent un fossé géant séparant les valeurs des actions, flattant l'image de soi de la réalité, aidant d'aider. Heureusement, Östlund veut nous faire rire et nous tortiller ; scène pour scène, Le Carré est souvent hilarant, à condition que vous puissiez voir l'humour dans les faiblesses qui pourraient refléter les vôtres. [A.A. Dowd]


12. Logan

Photo : Renard du 20e siècle

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Le X Men séries n'est pas connu pour sa continuité hermétique, et quelle bénédiction cela s'est avérée être. Libéré de toute véritable exigence de franchise, Logan se déroule comme un adieu pour Wolverine à griffes métalliques de Hugh Jackman, très éloigné de ses histoires précédentes, convenant à un personnage avec une longévité suffisante pour plusieurs vies. Bien que cela ne ressemble pas ou ne ressemble à aucun autre spectacle de super-héros, encore moins à d'autres X Men films, le réalisateur James Mangold crée une continuité émotionnelle avec la douleur de longue date de Wolverine, exacerbée par le bras de fer sans fin entre son statut d'arme et de héros. Le film arrive jusqu'au bord de se vautrer, mais est épargné de l'abîme nihiliste par ses nouvelles interprétations d'anciens personnages (Patrick Stewart en tant que méchant, professeur X âgé; Stephen Merchant en tant qu'acolyte inattendu de Logan Caliban) et la relation tardivement tendre de Wolverine avec sa sorte de fille Laura (Dafne Keen). Pour les cookies post-crédit, cherchez ailleurs. Pour une réflexion émouvante sur les ravages de l'âge dans le monde de la bande dessinée, voici Logan . [Jesse Hassenger]


Onze. Bébé Conducteur

Photo : Sony

L'exercice frénétique de la pulpe d'Edgar Wright se joue comme une mix-tape cinématographique, laissant tomber un tas de personnages archétypaux de films de casse - le patron impitoyable, le canon lâche, le moll bouche, etc. - dans un mashup de certaines des plus grandes séquences de poursuite de tous les temps , composé d'un rock alternatif rythmique propulsif et d'un R&B classique. La technique exposée ici est d'un niveau supérieur, car Wright organise les plans, les coupes, les effets et la musique dans des compositions visuelles et sonores homogènes. Aucun élément n'est superflu. Les coups de feu deviennent la piste rythmique d'une chanson. Le dialogue a son propre rythme saccadé. Les voitures tournent les unes autour des autres comme Fred Astaire et Ginger Rogers. Bébé Conducteur maintient miraculeusement le rush de sa séquence d'ouverture haletante pendant près de deux heures. Les jeunes cinéastes vont arracher cette image pour les décennies à venir. [Noël Murray]


dix. Sortez

Photo : Universel

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Sur le papier, le film d'horreur satirique du comédien Jordan Peele sonne comme une blague Clé et Peel croquis, réimaginant l'homme noir rencontre la prémisse des parents de sa petite amie blanche de Devinez qui vient dîner ? comme un thriller mordant. Mais l'exécution est tout, et ce qui fait Sortez une telle merveille est le sérieux avec lequel Peele traite le genre. N'importe qui aurait pu imaginer qu'il réussirait la comédie comportementale subtile de Blancs libéraux trop désireux de montrer à leur fille combien ils aiment et acceptent son beau noir. La surprise de Sortez C'est à quel point l'histoire devient véritablement troublante, surréaliste et labyrinthique au fur et à mesure qu'elle se déroule, Peele renonçant aux rires faciles afin de transmettre l'inconfort croissant de son héros, magnifiquement interprété par Daniel Kaluuya. Le film met effectivement un cauchemar à l'écran, dont il est impossible de se réveiller. [Noël Murray]


9. La cité perdue de Z

Photo : Amazon Studios

Librement adapté de Le livre de non-fiction de David Grann , l'épopée historique ambiguë et lyriquement orchestrée de James Gray transforme l'histoire de l'explorateur britannique du début du XXe siècle Percival Fawcett (Charlie Hunnam, dans une performance révélatrice) et sa recherche d'une civilisation perdue dans la nature sauvage du Brésil en une symphonie de mystère, d'obsession , et transcendance. Un maître du style cinématographique classique, Gray ( L'immigré , Deux amants ) consacre presque autant du film au temps entre les expéditions de Fawcett que ses aventures en Amazonie, les plaçant dans le contexte des guerres, des mœurs sociales et des horreurs coloniales de l'époque. Mi-mystique, mi-rationaliste, son héros en quête et autodestructeur se retire dans la jungle dans l'espoir de trouver une ville légendaire dont l'existence rachèterait implicitement la race humaine - un artiste dans un monde sombre. Comme dans tous les films de Gray, la distribution est exceptionnelle, y compris une jamais meilleure Sienna Miller en tant que femme de Fawcett et un Robert Pattinson à peine reconnaissable comme son fidèle aide de camp. [Ignatiy Vishnevetsky]


8. Une histoire de fantôme

Photo : A24

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De temps en temps, un blockbuster particulièrement lourd en effets est désigné comme étant particulièrement post-acteur, généralement en raison d'une dépendance à l'imagerie CG. celui de David Lowery Une histoire de fantôme gagne cette distinction mieux que la plupart, mais il n'utilise qu'un drap de lit commun pour masquer son interprète central. Casey Affleck incarne un musicien qui meurt, puis revient hanter son amant (Rooney Mara) et leur maison comme un spectre vêtu de manière stéréotypée, visible uniquement par le public. Comme le fantôme ne peut pas ou ne veut pas quitter son ancienne maison, le monde avance sans lui. Le film ressemble au départ à une étude rapprochée des conflits et du chagrin relationnels, mais à mesure qu'il avance dans le temps, il se transforme en quelque chose à la fois radical et incroyablement intime. Lowery continue de séparer ses acteurs avec un blocage, un cadre plus grand de 1,33, un monologue de Will Oldham et, comme toujours, ce drap de lit, mais les effets ne sont pas entièrement isolants. Bien au contraire : c'est l'une des expériences les plus transportantes de l'année. [Jesse Hassenger]


7. Mère!

Photo : Paramount

Est-ce une allégorie biblique ? Une mise en garde sur le changement climatique ? Un traité barbelé sur la nature de la créativité ? La confession voilée de Darren Aronofsky sur le cauchemar de sortir avec lui ? Tout ce qui précède, plus la provocation la plus audacieuse et la plus polarisante de l'année. Remarquable de penser que cet assaut fantasmagorique, qui englobe en un sens l'intégralité de l'histoire enregistrée (et au-delà), se déroule exclusivement dans une seule maison, que la future maman béatifique et anonyme de Jennifer Lawrence s'efforce de protéger d'une série d'intrus envahissants. . Se disputer sur ce que tout cela signifie peut être très amusant, mais Mère! est mieux vécue comme une pure sensation - une montagne russe qui vous fait grimper sur des kilomètres, jusqu'à ce que le manque d'oxygène vous rende étourdi, puis vous plonge à 200 milles à l'heure à travers l'une de ces manèges de maisons hantées dans lesquelles quelque chose d'horrible surgit à chaque instant. tourner. Sauf que dans ce cas, quelque chose d'horrible signifie simplement l'humanité. [Mike D'Angelo]


6. Appelez-moi par votre nom

Photo : Sony Pictures Classiques

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Les films sur le buzz enivrant du premier amour ne sont pas vraiment difficiles à trouver, mais il est rare d'en trouver un aussi poétiquement réalisé que celui de Luca Guadagnino Appelez-moi par votre nom . Bien que plus restreint sur le plan stylistique que d'habitude pour lui, la sensibilité luxuriante de Guadagnino ne peut s'empêcher de donner une qualité baroque à l'histoire d'une liaison estivale entre le prodige de la musique adolescent Elio (Timothée Chalamet) et la vingtaine Oliver (Armie Hammer), un étudiant américain arrogant qui passe l'été à étudier avec le père archéologue d'Elio (Michael Stuhlbarg) dans la maison familiale du nord de l'Italie. Au cours d'une série de longs après-midi de farniente et de nuits arrosées de vin, Elio et Oliver entament un flirt qui pèse lourd entre eux comme l'air humide de l'été. L'alchimie entre Hammer et Chalamet permet de se laisser emporter facilement par l'éveil érotique d'Elio, même si nous savons aussi bien que lui que leur amour sera suivi de chagrin aussi sûrement que la chaleur estivale par le froid hivernal. [Katie Rife]

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5. Nocturama

Photo: Film de sauterelle

Nocturama allaient et venaient des cinémas américains comme un rêve fébrile s'estompant avec la lumière du matin, et il n'est pas difficile de comprendre pourquoi : tout film qui se déroule du point de vue d'adolescents terroristes complotant un attentat contre Paris a de la chance d'être sorti. (Merci Grasshopper Film, d'avoir bravé la controverse potentielle.) Mais il n'y a vraiment aucune confusion entre la vision captivante et élégamment dérangeante de Bertrand Bonello de la jeunesse destructrice pour une représentation réaliste de l'extrémisme. Malgré sa construction procédurale, heure par heure, Nocturama est plus allégorique : une tragédie sur des enfants qui s'en prennent vaguement à des valeurs culturelles profondément ancrées en eux, jusqu'à ce qu'ils soient dessinés - comme les cadavres traînants de George Romero Aube des morts - dans un temple consumériste qui pourrait devenir leur tombeau. Sous les questions provocatrices se cache un tour de force de technique envoûtante, alors que Bonello plie la chronologie autour de ses radicaux adolescents, exploite la résonance électrisante de la musique pop et passe au genre complet sans banaliser la véritable horreur d'une ville en feu. [A.A. Dowd]


Quatre. Dunkerque

Photo : Warner Bros.

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Le prestige 's Transported Man fait pâle figure à côté du tour de magie étonnant de Christopher Nolan : persuader un public de masse de voir des films si structurellement complexes qu'ils sont à peu près qualifiés d'avant-garde, du moins selon les normes hollywoodiennes. Dunkerque raconte l'opération Dynamo - l'évacuation de plus de 300 000 soldats alliés du nord de la France - en trois sections entrelacées qui se déroulent sur des durées différentes ; le regarder, c'est comme lire simultanément un roman, un chapitre et une phrase qui convergent tous vers le même mot. Le grand don de Nolan est sa capacité à créer des problèmes d'ingénierie cinématographique qui semblent vitaux et approfondis plutôt que stériles ou académiques. Avec Dunkerque , il exprime la portée époustouflante d'une tâche apparemment impossible sans sacrifier aucun des détails saisissants à travers lesquels l'histoire prend vie à l'écran. [Mike D'Angelo]


3. Fil fantôme

Photo : Fonctionnalités de mise au point

Le drame gothique étrange de Paul Thomas Anderson sur la relation entre un couturier (Daniel Day-Lewis) et sa muse (Vicky Krieps) dans le Londres d'après-guerre a la thèse la plus claire de tous les post-scénaristes-réalisateur. Amour Punch-Ivre travail, bien qu'il soit exprimé en termes mystérieux, caractérisé par des ellipses et des contradictions. (C'est raconté par un personnage, mais vu principalement du point de vue de l'autre, par exemple.) Les rêves américains et les frustrations sexuelles des films précédents d'Anderson ont disparu (le film est volontairement asexué), mais ses personnages sont toujours des créatures de appétit; rétrospectivement, il est étonnant de voir à quel point l'intrigue est motivée par le goût, dans les deux sens du terme. Les performances sont formidables dans tous les domaines, tandis que le tournage est élégant, intime et chargé de manière ambiguë, de la propre cinématographie (non créditée) d'Anderson à la partition effrayante et romantique de Jonny Greenwood; les qualités énigmatiques et évasives du film font partie intégrante de son portrait psychologique. C'est un beau film dans lequel se perdre. [Ignatiy Vishnevetsky]


2. Dame Oiseau

Photo : A24

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La scénariste-réalisatrice Greta Gerwig accomplit quelque chose d'extraordinaire avec Dame Oiseau : une histoire à la fois hyper spécifique et universellement relatable. Le film se déroule à Sacramento, en Californie, au cours de l'année scolaire 2002-2003, où Christine Lady Bird McPherson (Saoirse Ronan), 17 ans, rêve d'abandonner ce qu'elle appelle le Midwest californien et de s'échapper à New York. Gerwig berce l'histoire de Lady Bird comme un bébé rouge-gorge délicat, permettant à la tension entre ses personnages de surgir de manière organique et audacieuse de les rendre rafraîchissantes, eh bien, ordinaires. Et bien que ce soit aussi souvent hilarant, Gerwig tire un réel impact émotionnel de la relation tendue de Lady Bird avec sa mère (Laurie Metcalf), dont le désir de protéger sa fille de la déception se manifeste par une tendance à faire des remarques critiques et coupantes. C'est un film habilement adapté aux cycles fastidieux de la vie d'adolescent, un âge où le présent se sent comme un poids lourd qui appuie sur votre poitrine et l'avenir comme un ciel bleu sans nuages ​​qui s'éternise. [Katie Rife]


1. Le projet Floride

Photo : A24

Certains films sont des échappatoires, destinés à vous déposer dans un endroit meilleur et plus lumineux que là où vous avez commencé. D'autres affrontent les problèmes du monde de front. Quoi de plus 2017 qu'un film qui fait les deux simultanément, laissant la réalité qui donne à réfléchir empiéter sur la magie, ou peut-être l'inverse ? Le projet Floride , le portrait magnifiquement doux-amer de Sean Baker de la vie à la périphérie économique du Sunshine State, se déroule principalement dans un flophouse Magic Kingdom à la fois incroyablement proche et incroyablement loin du vrai. La moitié du film se déroule du point de vue de Moonee (Brooklynn Prince), l'enfant clé à la taille, coupant un chemin de méfaits non supervisés à travers la propriété. L'autre moitié se consacre aux épreuves de la mère de la fille, Halley (Bria Vinaite), qui se bat pour protéger sa fille des vérités les plus dures de la pauvreté. Baker, un allié au cœur ouvert des exclus, construit son drôle, déchirant, triomphalement vivant film sur le lien entre leurs expériences. Et il trouve quelque chose de proche d'une vision du monde dans l'exaspération et la compassion entrelacées exprimées par le directeur de motel Bobby, amené à une vie presque indiciblement émouvante par un Willem Dafoe jamais meilleur. Si ce n'était pas le film le plus 2017 de 2017, c'était peut-être juste celui dont nous avions désespérément besoin. En une année où l'Amérique semblait souffrir d'une sécheresse d'empathie, Le projet Floride fourni par le gallon. [A.A. Dowd]