Les 100 meilleurs films des années 2010

Le temps passe vite lorsque vous regardez des films. De retour début 2015, L'A.V. club a pris la température des années 2010 à moitié écoulées dans le film, classement notre favoris d'une décennie encore très en cours. Cela a été cinq années longues, sauvages et mouvementées depuis. Netflix, après avoir réussi à relever un grand défi pour la télévision en réseau, s'est ensuite attaqué aux studios hollywoodiens, aidant peut-être à accélérer la mort lente de l'expérience théâtrale, même s'il offrait un large accès à de nombreux films plus petits et finançait de nombreux projets à budget moyen. les majors passèrent. Disney a accru sa domination inquiétante sur l'ensemble de l'industrie du divertissement, relançant Guerres des étoiles comme rendez-vous annuel, réussissant à mettre en œuvre le plan Marvel sur 10 ans et avalant la 20th Century Fox en entier. En réponse aux critiques étiquetées de hachage sur leur blancheur durable, les Oscars se sont lancés dans une initiative de diversification ; l'afflux de nouvelles voix a peut-être aidé un indé acclamé faire l'histoire, dans un meilleur film bouleversé presque aussi choquant que l'étrange gaffe de remise de prix qui l'a précédé, mais il n'a pas pu empêcher un vainqueur très rétrograde deux ans plus tard. Et un bilan est enfin arrivé pour Harvey Weinstein, dont la chute a été le catalyseur de #MeToo, bien que le jury ne sache toujours pas si le mouvement transformera vraiment l'industrie, ou même si ces prédateurs censément annulés sont vraiment annulés .

Il s'est passé beaucoup de choses, en d'autres termes, au cours de la seconde moitié des années 2010. S'il y avait une constante confortable, c'était que malgré tous les changements dans le paysage cinématographique, les films eux-mêmes étaient toujours à la hauteur. Sans faute, les gens ont continué à en faire de bons, au mépris obstiné du cliché qui fait mal au ventre qu'ils ne les font jamais comme avant. Qu'elles soient jugées dans leur ensemble ou en deux parties de cinq ans, les années 2010 ont été une décennie formidable pour le cinéma; il fallait juste être prêt à chercher le meilleur et à regarder en dehors d'un système de studio de plus en plus obsédé par IP - non pas que le multiplex n'offrait pas ses propres joyaux, y compris le film que vous trouverez au sommet de L'A.V. club La nouvelle liste des meilleurs de la décennie.



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Pour être éligible à l'inclusion, un film devait sortir aux États-Unis le ou après le 1er janvier 2010. (D'où l'apparition de superbes pépites internationales comme les n°38 et n°29 ci-dessous.) Pendant ce temps, rien n'est prévu en salles après décembre. 31 de cette année est éligible, même s'il a déjà fait sa première sur le circuit des festivals. Au-delà de cela, nous nous sommes limités aux fonctionnalités - pas de courts métrages ou de clips musicaux ou, hum,Films de 18 heuresqui passait à la télévision, une par semaine, par tranches discrètes. Un peu plus de la moitié des films datent de 2015 ou plus tard, bien que seulement 40 figuraient sur la liste précédente, un reflet des goûts différents des écrivains interrogés cette fois, ou de la réputation croissante et décroissante de différentes œuvres. Et bien sûr, ce n'est que la pointe de l'iceberg en ce qui concerne les films qui ont compté ces 10 dernières années. Une liste vraiment complète irait bien au-delà de 100, même si, même dans ce cas, nous manquerions probablement encore quelques-uns de vos favoris. Après tout, les divergences d'opinion enflammées ont été une autre constante de cette décennie tumultueuse.

Oncle Boonmee qui peut se souvenir de ses vies antérieures

Photo : Libération de brin



100. Mademoiselle Bala (2012)

Ignore le remake américain récent mettant en vedette Gina Rodriguez et délectez-vous plutôt de la sordidité à la fois déchirante et élégante de la version mexicaine originale de Gerardo Naranjo. Apparemment un regard sombre sur les cartels de la drogue du Mexique, ce mélodrame inspiré des faits, dans lequel une candidate à un concours de beauté (Stephanie Sigman) est enlevée et mise en service comme une mule, a en réalité beaucoup plus à dire sur les divers pièges autodestructeurs que la société - n'importe quelle société, vraiment - des ensembles pour les jeunes femmes. Naranjo tourne une grande partie du film dans des plans séquences méticuleusement chorégraphiés, ce qui ne fait que le rendre plus oppressant. [Mike D'Angelo]


99. L'immigré (2014)

Déjà culte parmi les cinéphiles, le réalisateur James Gray a cimenté son statut de maître américain sous-estimé avec ce drame sur une immigrée polonaise (Marion Cotillard) qui va travailler pour un petit proxénète (Joaquin Phoenix) dans le New York des années 1920 pour obtenir sa sœur d'Ellis Island; finalement, elle attire les attentions romantiques du cousin du proxénète, un magicien (Jeremy Renner). Travaillant dans un style qui rappelle la splendeur tragique des différentes époques du cinéma classique, Gray crée un sens romanesque des compromis émotionnels et psychologiques de ses personnages, qui vivent au bord du désespoir et dans l'ombre du rêve américain. [Ignatiy Vishnevetsky]

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98. La Comédie (2012)

La souche spécifique du hipster de Brooklyn incarnée par Tim Heidecker en tant que fonds d'affectation spéciale Swanson a largement laissé ses tallboys PBR et ses vélos à pignon fixe au cours de la première moitié de la décennie. Mais la pathologie qui l'anime - la coquille de provocation ironique qui fait office d'isolant du monde environnant - n'a fait que s'intensifier au fur et à mesure qu'elle s'étend du quartier à l'ensemble d'Internet. L'étude de Rick Alverson sur un homme profondément blessé qui a peur de sa propre capacité de sincérité a pris de l'importance depuis 2012, passant d'un portrait sociologique hyper spécifique à une prophétie à l'échelle générationnelle. [Charles Bramesco]




97. Oncle Boonmee qui peut se souvenir de ses vies antérieures (2011)

Épouses fantômes, fils singes hirsutes aux yeux rouges brillants, poisson-chat à la voix douce procurant du plaisir oral, ce ne sont que trois exemples des particularités ludiques offertes par Oncle Boonmee qui peut se souvenir de ses vies antérieures . Mais le réalisateur Apichatpong Weerasethakul ne s'intéresse pas à l'étrangeté pour l'étrangeté. Sa vision tendrement spirituelle est fondée sur la compassion pour ceux qui ne font que traverser notre royaume des mortels. Boonmee fonctionne sur une longueur d'onde émotionnelle qui défie la logique, qui accepte les frontières poreuses entre les mondes et les vies réincarnées. Acceptez le mystère et profitez de la balade. [Vikram Murthi]


96. Demoiselles d'honneur (2011)

celle de Paul Feig Demoiselles d'honneur , classique de la comédie contemporaine, ne perdure que grâce à ses nombreux décors vulgaires (et parfois scatologiques). Le dauphin, l'avion, ça sort de moi comme de la lave - des trucs excellents, des étoiles d'or tout autour. Mais non, Demoiselles d'honneur brille encore à cause de la des amitiés vibrantes et profondément ressenties en son centre. C'est une force mieux incarnée par une scène dans laquelle Megan (Melissa McCarthy) - une simple caricature dans presque tous les autres films - raconte à Annie (Kristen Wiig) pour mettre sa merde ensemble en la mordant littéralement dans le cul, l'acte suprêmement étrange d'une personne qui s'en soucie vraiment. [Allison cordonnier]


95. Caméraman (2016)

Kirsten Johnson, une réalisatrice de documentaires chevronnée, a passé sa carrière professionnelle à filmer les histoires d'autres personnes, non seulement en étant témoin des atrocités et des dilemmes éthiques qui composent tant de films de non-fiction, mais aussi en voyant comment le personnel et le politique sont en permanence entrelacés. Ses mémoires de style collage, Caméraman , absorbe ces idées et les filtre à travers des séquences inutilisées d'anciens projets, sans aucune exposition au-delà des cartes de localisation. Finalement, une ligne de mémoire associative émerge, fournissant une logique interne à l'assemblage de scènes superficiellement sans rapport. Ce que Johnson comprend, c'est que la vie n'est pas définie par une chronologie linéaire mais plutôt par une humanité partagée reliant chaque beau moment mondain. [Vikram Murthi]

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94. Le cheval de Turin (2012)

Maître des apocalypses atténuées capturées en prises de vues prolongées, souvent éblouissantes, Béla Tarr a promis Le cheval de Turin serait son dernier long métrage, et il est resté fidèle à sa parole. Après avoir rendu la désolation totale dans de magnifiques travellings - et réduit le monde entier à une ferme misérable, un père et sa fille, et beaucoup de pommes de terre - que restait-il d'autre à exprimer ? En deux heures et demie, Tarr apporte tous ses éléments de signature à terme, faisant exploser la prétention passée dans une épopée microcosmique. [Vadim Rizov]


93. Croyez (2015)

Après le crève-cœur Gare de Fruitvale et avant le record Panthère noire , Ryan Coogler et Michael B. Jordan ont collaboré sur Croyez , relatant l'ascension d'une star noire. Cette continuation des décennies Rocheux l'histoire a changé la perspective du boxeur de Philadelphie à Adonis Creed de Jordan, consumé par un désir désespéré de faire ses preuves, en particulier envers l'homme qui a laissé son père mourir. La séquence de moto tout-terrain du film, qui se déroule sur Lord Knows / Fighting Stronger de Meek Mill, est un moment inoubliable de vantardise – un majeur profondément satisfaisant pour tous les sceptiques dans ces rues, incarnant l'arrogance que Coogler et Jordan ont injecté dans une franchise redynamisée. [Roxana Hadadi]


92. Gemmes non coupées (2019)

Dans l'un de ses rares rôles sérieux, Adam Sandler livre ce qui est peut-être la performance la plus drôle de sa carrière cinématographique, en jouant un diamantaire new-yorkais accro au jeu. Au cours de plusieurs jours, l'anti-héros de Sandler jongle avec plusieurs accords décisifs et une série de paris fous, tout en oscillant entre l'euphorie et la rage. L'équipe scénariste-réalisateur de Josh et Benny Safdie ( Bon temps ) plonge les téléspectateurs dans le chaos de sa vie, offrant une expérience à la fois exaltante et – dans le bon sens – totalement épuisante. [Noël Murray]


91. La tonnelle (2011)

Parmi les documentaires les plus formellement aventureux à ce jour, La tonnelle est un portrait de la dramaturge anglaise Andrea Dunbar, décédée d'une hémorragie cérébrale à l'âge de 29 ans. (Alan Clarke a réalisé une adaptation cinématographique de sa pièce la plus connue, Rita, Sue et Bob aussi. ) Plutôt que de simplement interviewer les amis et la famille de Dunbar à la caméra, cependant, le réalisateur Clio Barnard embauche des acteurs pour synchroniser les lèvres avec lesdites interviews, et la dissonance cognitive qui en résulte (renforcée par la mise en scène délibérément décalée de Barnard) fait magnifiquement écho à ce que l'on nous montre de Dunbar propre travail, à la fois autobiographique et hautement artificiel. [Mike D'Angelo]

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90. Haute vie (2019)

Les prisonniers dans l'espace entreprennent une mission dangereuse pour explorer les trous noirs en échange de peines commuées, cela ressemble plus à un Netflick éphémère qu'à une enquête hallucinante sur le potentiel et les limites du corps humain. Mais Claire Denis avait définitivement ce dernier en tête lorsqu'elle s'est lancée dans ses débuts en anglais, un film de science-fiction plus intéressé par la pureté et l'essence de nos fluides naturels que par les tropes de genre traditionnels. Une distribution éclectique, dirigée par l'astro-moine Robert Pattinson et la scientifique folle Juliette Binoche, plonge dans le vide pour l'entrée la plus extravagante de la filmographie cérébrale et uniformément superbe de Denis. [Charles Bramesco]

Carole

Photo : Capture d'écran

89. Carole (2015)

Quelle fille étrange tu es. Jeté hors de l'espace. Cue évanouissement de masse, alors que Cate Blanchett et Rooney Mara brûlent tranquillement l'écran dans l'adaptation ravissante de Todd Haynes du roman de 1952 de Patricia Highsmith, Le prix du sel , qui a osé rêver d'une romance lesbienne de mai-décembre non vouée à l'échec. Dès son premier plan, le film semble positivement imprégné du glamour hollywoodien de la vieille école, mais son ténor est incontestablement moderne (sans se sentir anachronique). C'est un autre retour en arrière envoûtant de Haynes. [Mike D'Angelo]


88. Guerre contre la drogue (2013)

Peut-être le thriller le plus maigre de la décennie, le film de cartel dépouillé de Johnnie To est une merveille de simplicité parfaitement conçue. Réalisé sous la censure chinoise, il oppose un trafiquant de drogue désespéré (Louis Koo) à un capitaine de police impitoyable (Sun Honglei), poussant le sens obstiné de la justice de ce dernier à des extrêmes tels que le film fait également office de critique d'État. Aussi purement divertissant que moralement ambigu, cette procédure policière avance avec une force implacable, culminant dans une fusillade sans prisonnier pour les âges. [Lawrence Garcia]

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87. Fin de semaine (2011)

Dans son long métrage en petits groupes, Andrew Haigh ( 45 ans , Appuyez-vous sur Pete ) épluche soigneusement les couches d'intimité humaine avec une grâce naturaliste, en se concentrant sur la relation de courte durée entre deux hommes au cours de quelques jours. Il y a certainement des nuances d'autres films, comme Perdu dans la traduction et Brève rencontre , dans cette romance trompeusement sans histoire, où deux étrangers se rencontrent et discutent, émergeant comme des personnes différentes. Mais qu'est-ce qui sépare Fin de semaine du reste de la meute, c'est comment il jongle avec ces éléments universels avec un engagement texturé envers la singularité de l'expérience gay vers 2011 : la honte, la peur, l'humour, la joie, le sexe. [Béatrice Loayza]


86. La cité perdue de Z (2017)

Une coupe à couper le souffle d'un jet d'alcool à une locomotive de course nous transporte immédiatement au cou de la jungle de David Lean. Mais les drames classiques de James Gray construisent leurs propres ponts à travers l'histoire du cinéma, liant le balayage d'un âge d'or pour les épopées à une psychologie moderne épineuse. Chronique des expéditions sauvages d'un explorateur du 20e siècle (Charlie Hunnam) qui disparaît, littéralement et spirituellement, dans sa recherche chimérique d'une civilisation ancienne, La cité perdue de Z identifie de multiples mystères et significations dans le fourré inexploré de l'Amazonie. Là aussi dans son vert verdoyant : un autoportrait d'obsession, de celui qu'il faut, peut-être, pour se consacrer à des opus ambitieux et démodés comme celui-ci. [A.A. Dowd]


85. Heureux Heure (2016)

Ryūsuke Hamaguchi a fait sensation à Cannes l'an dernier avec Asako I & II , mais son film précédent, Heureux Heure , a prouvé qu'il était un cinéaste à suivre. Le film suit un groupe de quatre femmes de la fin de la trentaine au Japon dont les sorties amicales en groupe servent de sursis émotionnel à leur vie quotidienne ; lorsque l'une d'elles annonce son intention de divorcer de son mari, cela envoie les trois autres dans des états respectifs de désarroi existentiel. Pendant cinq heures, Hamaguchi observe avec acuité comment les gens ne parviennent pas à communiquer ouvertement dans les sphères domestiques et professionnelles et à quel point nous devons surmonter cet obstacle de toute urgence. [Vikram Murthi]


84. Mandarine (2015)

Pardon Mauvais Père Noël 2 - ce est le meilleur film de Noël de la décennie. Tournée sur trois iPhones, la comédie de Noël de Sean Baker est centrée sur Sin-Dee Rella (Kitana Kiki Rodriguez), une travailleuse du sexe transgenre qui découvre dans Mandarine 's moments d'ouverture que son petit ami (James Ransone) l'a trompée. À partir de là, le film et l'amie de Sin-Dee, Alexandra (Mya Taylor), ont du mal à la suivre alors que Sin-Dee s'arrache de Donut Time et traverse Los Angeles comme un ouragan à talons hauts. Ancré dans des performances exemplaires, il est rauque, essoufflé et presque insupportablement tendre, arrivant à une fin suffisamment touchante pour réchauffer le cœur de n'importe quel Scrooge, même si les fluorescents de la laverie ne scintillent pas tout à fait comme les lumières d'un arbre. [Allison cordonnier]

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83. Fille disparue (2014)

Le thriller de David Fincher sur la dynamique du pouvoir des relations fait couler un humour noir d'encre dans des mares de sang. Adapté par Gillian Flynn de son roman du même nom, Fille disparue passe du mystère conjugal pinteresque à une pulpe absurde sans vergogne. Mais la balade, pleine de rebondissements, se déroule en douceur avec la touche formaliste de Fincher, qui donne un ton étrangement poli, presque insidieux aux événements banals et absurdes (mais aucun n'est aussi absurde que le fantasme d'un mariage heureux !). Et n'oublions pas Rosamund Pike, dont la performance titulaire en tant qu'Amy Dunne communique de manière évocatrice les multitudes d'une femme avec une rage modérée. [Béatrice Loayza]


82. Tu n'as jamais vraiment été là (2018)

Un an avant Joker , Joaquin Phoenix a essentiellement joué le même personnage - une âme torturée qui commet des actes de violence dramatiques - dans une autre pièce de genre artistique clairement influencée par Conducteur de taxi . La scénariste-réalisatrice Lynne Ramsay apporte sa fascination unique pour les textures visuelles sombres et l'extrême subjectivité à cette adaptation du roman de Jonathan Ames. Le résultat est un thriller de vengeance puissant et personnel, sur un tueur à gages affecté par le SSPT qui tente d'être un héros, ne serait-ce que pour chasser les démons de sa tête. [Noël Murray]


81. Spring Breakers (2013)

breeeeak de printemps. Ces mots indistincts hypnotisent les héroïnes de l'odyssée du crime néon en Floride d'Harmony Korine. Alien de James Franco, un gangster en herbe qui se vante de toute ma merde, corrompt joyeusement les étudiants Candy (Vanessa Hudgens), Brit (Ashley Benson), Cotty (Rachel Korine) et Faith (Selena Gomez). Mais Spring Breakers n'est pas son histoire. L'accent est mis sur l'attrait du nihilisme et la prise de conscience que peu importe à part être chaud, amusant et jeune. La conscience de soi du film est sa force, et ses signifiants millénaires – pantalons de survêtement DTF, Britney Spears’ Everytime – aident à garantir son statut de classique culte, exprimant un rêve américain déformé. [Roxana Hadadi]

Héréditaire

Photo : A24

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80. Héréditaire (2018)

Mis à part peut-être le film assis au n ° 35 ci-dessous, la vision effrayante d'Ari Aster du film de la maison hantée peut être le premier film d'horreur le plus propice de cette décennie: il a secoué Sundance et mis son réalisateur sur le radar de tout le monde de Bong Joon Ho à Martin Scorsese. Prouvant que les techniques d'Hitchcock ont ​​toujours le pouvoir de choquer, alors même que le langage visuel spécifique du film a commencé à engendrer ses propres imitateurs, Héréditaire tire son pouvoir effrayant d'un traumatisme émotionnel profond plutôt que de peurs de sauts bon marché. Il vous reste à espérer qu'Aster a un bon thérapeute - peut-être le plus beau compliment que vous puissiez faire à un maître en herbe du genre. [Katie Rife]


79. Contre vents et marées (2016)

La trilogie néo-occidentale du scénariste Taylor Sheridan, encadrée d'un côté par Tueur à gages et de l'autre par Rivière du vent , a exploré comment la mauvaise gestion du gouvernement et la corruption capitaliste réduisent les gens en poussière. C'est le film au milieu, la poétique graveleux Contre vents et marées , qui frappe le plus fort. Ben Foster et Chris Pine jouent les Robin Hoods post-récession, se tournant vers le braquage de banque par exaspération d'avoir les mains des autres dans leurs poches; leur opposition se présente sous la forme de Jeff Bridges en tant que Texas Ranger grisonnant à sa poursuite. C'est une élégie tendue pour un mode de vie perdu, une qui refuse de garder toute facette gênante de la société américaine moderne - de notre fétichisation des armes à feu à notre classe agricole en train de s'effondrer - hors de sa ligne de mire. [Roxana Hadadi]


78. Voleurs à l'étalage (2018)

Un film qui s'ouvre avec un père et son fils volant de la nourriture dans une épicerie semble être du porno de misère néo-réaliste, mais Kore-eda Hirokazu a remporté la Palme d'or Voleurs à l'étalage est un hommage joyeusement anarchique à la famille sous toutes ses formes, mais particulièrement aux élues. La douceur de l'unité de fortune collée par la contestation obaachan Kirin Kiki est alimenté par l'amour de Kore-eda pour ses personnages, même lorsque leurs actions sont incontestablement criminelles. Qu'est-ce qu'un petit kidnapping en famille? [Katie Rife]


77. Paddington 2 (2018)

Si nous sommes gentils et polis, le monde aura raison. La devise simple d'un ours amoureux de la marmelade du Pérou le plus sombre est devenue des mots à vivre dans la seconde moitié de plus en plus tumultueuse des années 2010. La suite de Paul King à son tout aussi délicieux Paddington maintient le ton enchanteur et la comédie physique intelligente de l'original tout en ajoutant une meilleure performance en carrière de Hugh Grant en tant que méchant thespian Phoenix Buchanan. Avec un message pro-immigrés et pro-réforme pénitentiaire pour démarrer, Paddington 2 prouve que les films pour enfants n'ont pas à leur parler, ni aux adultes qui les regardent non plus. [Caroline Siede]

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76. Zéro sombre trente (2012)

Le récit ambivalent de Kathryn Bigelow sur la traque d'Oussama ben Laden reste le film définitif sur la guerre contre le terrorisme, une procédure de l'ère de l'information sur les moyens, les fins et la corrosion. Représentant le monde du renseignement post-11 septembre (vu principalement à travers les yeux d'un personnage composite joué par Jessica Chastain) et le raid éventuel sur l'enceinte de Ben Laden, Zéro sombre trente a été décrié par certains à l'époque comme de la propagande pro-torture. Mais il reste aussi saisissant que ses conclusions sont sombres ; le film s'ouvre sur une évocation puissante de la tragédie nationale et se termine sur une note de vide profond. [Ignatiy Vishnevetsky]


75. Boueux (2017)

Rappelant à la fois les Est de Eden et Toni Morrison Bien-aimé , cette adaptation lyrique du roman d'Hillary Jordan suit deux familles, une noire et une blanche, unies par un terrain dans le Mississippi après la Seconde Guerre mondiale. Chaque famille a déployé un fils, et ces vétérans traumatisés, joués par Garrett Hedlund et Jason Mitchell, ne peuvent que supporter d'être ensemble, attirant l'attention indésirable des citadins racistes. La magnifique cinématographie du film se marie bien avec des questions sociales poignantes, mais le véritable triomphe du scénariste-réalisateur Dee Rees est une fin brutale qui rejette de manière obsédante et obsédante la notion d'harmonie raciale américaine. [Roxana Hadadi]


74. Faire attention à l'écart (2018)

Le premier film de Bing Liu franchit la porte en tant que documentaire sur les enfants skateurs de Rockford (et généralement déprimant) économiquement déprimé, mais se révèle lentement comme un portrait empathique d'une famille créée. Les jeunes hommes au centre, y compris Liu, ont plus en commun que la géographie et les coups de pied : ils comptent sur leurs évasions de la violence parentale et essaient avec plus ou moins de succès de ne pas être victimes du cycle. Tourné sur une douzaine d'années, Faire attention à l'écart ressemble à la fois à un bel accident et à un petit miracle de montage. [Josh Modell]


73. Étranger au bord du lac (2014)

Le réalisateur iconoclaste Alain Guiraudie a obtenu une plus grande reconnaissance avec ce thriller d'une maîtrise impressionnante (son premier film à obtenir une distribution américaine), se déroulant dans un lieu de croisière gay isolé dans la campagne française. Incorporant des plans de paysages rigoureusement composés, de la nudité masculine décontractée et du sexe explicite, le film suit un beau croiseur (Pierre Deladonchamps) qui est attiré par un chiffre moustachu (Christophe Paou), même après l'avoir vu noyer un autre homme. En retenant des indices visuels qui pourraient nous aider à comprendre ce comportement, Guiraudie transforme une histoire captivante de luxure et de mort en une sorte d'enquête épistémologique, rappelant rien de moins que le chef-d'œuvre de Michelangelo Antonioni Exploser . [Lawrence Garcia]

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72. Échecs d'ordinateur (2013)

Une rupture quasi totale avec le genre mumblecore qu'il a été le pionnier, celui d'Andrew Bujalski Échecs d'ordinateur se fonde sur une conférence du début des années 80 pour les fans du passe-temps éponyme. Tourné, de manière désorientante, sur un appareil photo Sony vintage qui donne au film une ambiance vidéo sale mais inconnue, le film commence comme une comédie sur des cinglés qui traînent mais se transforme rapidement en quelque chose de beaucoup plus étrange. Les ordinateurs deviennent-ils sensibles ? Donnent-ils naissance ? Les possibilités sont infinies, et les rires sont nombreux. [Vadim Rizov]


71. Mustang (2015)

Un groupe de cinq sœurs est ciselé jusqu'à une seule dans l'œuvre de Deniz Gamze Ergüven Mustang , un drame familial douloureux qui couche son récit complexe de passage à l'âge adulte dans la stricte oppression de genre de la Turquie. Mais bien que ce milieu étouffant aide à façonner le récit, il ne le dicte pas - le voyage d'une sœur n'est pas le même que le précédent, chacune essayant (et parfois échouant) de plier une culture à ses propres désirs. Au fur et à mesure que leurs liens se dissolvent, comme ils le doivent finalement, Mustang soutient que c'est leur collectivité qui les a aidés à se préparer à l'individualité. [Randall Colburn]


70. Tabou (2012)

Tirant son titre du classique F.W. Murnau de 1931 du même nom, Miguel Gomes Tabou se déroule sur deux chapitres distincts mais contient des multitudes encore plus grandes: c'est à la fois l'histoire tragique d'une romance ratée, une magnifique exhumation de la grammaire du cinéma muet, un bilan avec l'héritage colonial du Portugal et une méditation émouvante sur la mémoire personnelle et culturelle. Photographié impeccablement en 35 mm, le film fusionne les plaisirs anarchiques de la narration de Guy Maddin avec les mondes perdus évocateurs de Raúl Ruiz, offrant un humour espiègle à côté d'un véritable sens de l'émerveillement. [Lawrence Garcia]


69. La sorcière (2016)

Le scénariste-réalisateur Robert Eggers voit ses films à travers le prisme du folklore. Et les possibilités jungiennes d'une telle approche sont évidentes dans l'éventail des réactions à son premier long métrage, La sorcière , qui a été interprété comme allant d'un manifeste de libération féministe satanique à une validation régressive de la persécution historique. Contrastant avec l'effet Rorschach de l'histoire elle-même, la spécificité magnifiquement texturée de la conception de la ion d'époque du film, dans laquelle Eggers et son équipe ont recréé une ferme du XVIIe siècle et l'ont filmée à la lueur des bougies. C'est une façon de vivre délicieusement. [Katie Rife]

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68. Miel américain (2016)

Pendant 162 minutes, la réalisatrice britannique Andrea Arnold apporte une touche lyrique à son intérêt anthropologique pour les équipes de magazines américains, des groupes d'adolescents capricieux qui parcourent le pays en vendant des abonnements à des magazines en échange d'une chambre et d'un repas et d'un sentiment de liberté. Ancré par la performance intrépide et farouchement empathique de la nouvelle venue Sasha Lane et un tour de soutien fascinant de Shia LaBeouf, Miel américain met en lumière un coin désespéré, décousus et sous-exploré de la vie américaine. [Caroline Siede]


67. 12 ans d'esclavage (2013)

Trop de cinéastes reculent lorsqu'ils abordent des sujets qui donnent à réfléchir comme l'esclavage ou le génocide. Mais avec 12 ans d'esclavage , le réalisateur Steve McQueen et le scénariste John Ridley ont réalisé un drame captivant et émotionnel, mis en scène et tourné avec un vrai panache. Basé sur l'histoire vraie du musicien noir instruit Solomon Northup (Chiwetel Ejiofor) - qui a été kidnappé, vendu en esclavage et expédié d'une plantation à une autre dans la Louisiane rurale - le film devient progressivement un conte de survie cauchemardesque, sur la façon d'apprendre à plaire cruel maîtres se fait parfois au détriment de la moralité et de l'empathie. [Noël Murray]


66. Force Majeure (2014)

Peu de films osent s'enfoncer aussi profondément dans les recoins marécageux de la psyché humaine que Force Majeure. La blague impitoyablement drôle du scénariste-réalisateur Ruben Östlund est la masculinité toxique, en particulier l'effondrement rapide de l'ego masculin sous la forme de Tomas (Johannes Kuhnke), un père de famille suédois dont l'image de soi (et le mariage) pivote de manière inattendue sur un moment de lâcheté de conservation dans une station de ski française. Alimenté par une brutalité émotionnelle brutale dans la veine de Michael Haneke, c'est une satire mordante et un film d'horreur existentiel réunis en un. [Katie Rife]


65. Tout de suite, faux alors (2016)

Des 14 longs métrages (!) Le scénariste-réalisateur coréen Hong Sang-soo a réalisé cette décennie, ce long métrage séduisant était le plus proche d'une percée auprès du public américain. Détaillant un ensemble de rencontres amoureuses maladroites entre un réalisateur bien connu (Jeong Jae-yeong) et un peintre en herbe (Kim Min-hee), le film est présenté en deux parties, la seconde récapitulant les événements du premier, uniquement avec d'innombrables variations mineures et un résultat totalement différent. Bien que modeste en échelle, Tout de suite, faux alors montre la grande capacité de Hong à canaliser des observations sociales hilarantes (souvent centrées sur une boisson copieuse et un comportement masculin imprudent) en quelque chose qui se rapproche de la recherche philosophique. [Lawrence Garcia]

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Spider-Man: dans le Spider-Verse

Photo : Sony

64. Spider-Man : dans le Spiderverse (2018)

Un film de super-héros si merveilleux et créatif que même Martin Scorsese pourrait l'appeler cinéma. Se balançant vers la fin d'une décennie dominée par Avengers, cette explosion de bande dessinée amusante primée aux Oscars (accent mis sur la bande dessinée, grâce à cette touche de signature Lord-Miller) a racheté un genre sursaturé en partie en faisant le clown sur des continuités sans cesse redémarrées et surpeuplées partagées univers. Mais il y a aussi une émotion sincère dans l'histoire d'origine qu'il raconte pour l'adolescent Miles Morales, pris sous l'aile (web?) D'un Peter Parker hilarant sur la colline. L'imagerie, quant à elle, capture brillamment la splendeur colorée et époustouflante du matériel source, ce qui laisse à se demander pourquoi davantage de ces adaptations panneau-écran ne suivent pas la voie de l'animation. [A.A. Dowd]


63. Huitième année (2018)

Comment Bo Burnham en sait-elle autant sur le fait d'être une fille de 13 ans ? Les débuts de réalisateur assurés de l'écrivain-comédien comprennent son protagoniste, joué par une Elsie Fisher révélatrice, à un niveau presque cellulaire. Poussée par l'insécurité et fascinée par son smartphone, Fisher's Kayla passe son temps libre à bloguer sous l'apparence d'une personne qu'elle aimerait être - une fille avec une confiance sans fin et un slogan de signature (Gucci!). Mais cette fille n'existe pas. Heureusement, la vraie Kayla, imprégnée par Fisher et Burnham d'une vulnérabilité sans fond et d'un charme étrange, est mille fois plus convaincante. Et c'est elle qui se trouve vraiment au centre de cette comédie de passage à l'âge adulte, riche tapisserie d'empathie, d'anxiété et de mortification. [Allison cordonnier]


62. La planète la plus solitaire (2012)

Clignez des yeux et vous pourriez manquer l'incident incitatif du drame relationnel dévastateur de Julia Loktev, à propos de deux jeunes amants (Hani Furstenberg et Gael García Bernal) dont les vacances en sac à dos à travers l'Europe dérapent lorsque l'un d'eux souffre d'une défaillance nerveuse d'une fraction de seconde. C'est un événement bref mais bouleversant, envoyant une puissante fissure au centre de la romance idyllique que nous avons observée, et divisant le film lui-même en deux parties distinctes : un avant et un après, chacun coloré par des émotions si radicalement différentes qu'elles semblent pour déformer le paysage même autour des deux. Cela vous semble abstrait ? Pour tous ceux qui ont été soudainement confrontés à la réalité crue et peu flatteuse de qui ils sont ou de ce qu'ils apprécient, cela semblera aussi solide que le Caucase. [A.A. Dowd]

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61. À l'envers (2015)

Ce n'était pas une décennie sterling pour le studio d'animation le plus respecté d'Amérique, car Pixar a augmenté sa ion (11 films en 10 ans!) Mais À l'envers a prouvé que l'entreprise peut toujours faire appel à son inventivité exaltante, l'utilisant ici pour visualiser le cerveau d'une fille de 11 ans, alors que la joie (Amy Poehler), la tristesse (Phyllis Smith) et d'autres émotions s'attaquent à l'état mental de l'enfant. En mettant en avant l'inévitabilité et la nécessité de la tristesse, À l'envers devient le rare film pour enfants qui semble pouvoir faire une réelle différence dans la vie de son public. [Jesse Hassenger]


60. Le favori (2018)

Il serait idiot de s'attendre à un drame d'époque de la part du réalisateur de Le homard et L'abattage d'un cerf sacré , et tandis que Yorgos Lanthimos aime certains des attributs du genre - costumes magnifiques et accents intellectuels - il ajoute quelques touches modernes à Le favori . L'intrigue du palais, centrée sur un triangle amoureux poignardé entre Rachel Weisz, Emma Stone et Olivia Colman, lauréate de la meilleure actrice, est rendue avec de grands angles et des objectifs fisheye, d'autant mieux que la comédie noire du crackerjack est à la fois plus frénétique et claustrophobe. [Josh Modell]


59. Soutenez les filles (2018)

Après un groupe de femmes de la classe ouvrière lors d'une journée plus ou moins moyenne au restaurant de type Hooters Double Whammies, Andrew Bujalski's Soutenez les filles comprend intimement comment le lieu de travail élimine efficacement l'humanité au profit de l'efficacité. Pourtant, la directrice Lisa Conroy (Regina Hall) fait de son mieux pour insuffler de la générosité dans la corvée en élevant ses collègues au détriment de sa sécurité d'emploi. L'approche pragmatique de Bujalski vis-à-vis de ce genre d'héroïsme mondain crée un espace pour l'autonomisation sans bromures progressifs bon marché. Les institutions ne vous sauveront pas, mais si vous avez de la chance, les personnes qui s'y trouvent vous soutiendront. [Vikram Murthi]


58. Une histoire de fantôme (2017)

Cela ressemble à une vente difficile: un conte de fées au rythme délibéré dans lequel la star (Casey Affleck) est pour la plupart silencieuse et habillée comme un fantôme costumé d'Halloween de Cacahuètes . Mais le scénariste-réalisateur David Lowery enfile parfaitement l'aiguille avec Une histoire de fantôme , déplaçant soigneusement son apparition recouverte de draps à travers le temps et une maison solitaire avec précision et émotion. Bien qu'il y ait une certaine hantise, le film n'est pas effrayant de manière conventionnelle, bien qu'il puisse provoquer une terreur existentielle chez quiconque s'attarde sur les questions plus importantes du chagrin, de l'amour, de l'héritage et du passage du temps. [Josh Modell]

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57. Conduire (2011)

Nicolas Winding Refn est un combattant, pas un amoureux. Mais au moins une fois, le réalisateur danois a divisé la différence, créant un pastiche de genre glorieusement cool avec un cœur à l'écoute de la radio FM. En tant que film d'action, Conduire est impitoyable et efficace, passant d'escapades serrées à des bagarres d'ascenseurs vertigineuses jusqu'à la menace inattendue d'Albert Brooks avec un rasoir droit. Pourtant, il s'imagine également être une histoire d'amour non partagée, présentant parfaitement Ryan Gosling comme un chiffre de samouraï urbain avec une tempête d'émotions qui se prépare derrière son baby blues et, via l'une des meilleures bandes sonores de la décennie, de la synth-pop qui lui traverse la tête. tu vas grimacer et s'évanouir, ce qui est peut-être le mélange exact de réactions que Refn désire. [A.A. Dowd]


56. Début (2010)

Imaginez simplement pouvoir entrer dans le subconscient d'une autre personne et courir dans ses rêves les plus fous. Le truc contre-intuitif mais intelligemment adapté à la marque que Christopher Nolan tire avec son film de casse non conventionnel est que les gens qui font le saut de rêve ne veulent pas traverser des paysages de rêve surréalistes et tout peut arriver. Au lieu de cela, comme tant de protagonistes de Nolan, ils luttent pour le contrôle, même s'ils doivent plier les bâtiments et le ciel pour l'obtenir, créant une tension qui persiste jusqu'à ce topspin évocateur et ambigu. Il y a aussi un autre exploit d'imagination ici: imaginez à quoi ressemblerait Hollywood si plus de superions étaient aussi intelligentes, propulsives et ambitieuses que Début . [Jesse Hassenger]


55. son odeur (2019)

Ce n'est pas un hasard si Becky Something (Elisabeth Moss) arpente les couloirs d'un excellent club punk dans un Le fantôme de l'Opéra T-shirt. Elle aussi est une force chaotique, une figure au charisme malveillant martelant les touches de l'orgue dans le sous-sol, ensorcelant même ceux qu'elle repousse. Le meilleur (jusqu'à présent) des collaborations de Moss avec le scénariste-réalisateur Alex Ross Perry, son odeur ne se soucie pas du glamour rock'n'roll, vous jetant plutôt dans l'orbite d'un toxicomane abusif plongeant vers le fond. Moss est une merveille, le film entièrement sous son emprise ; quand les deux arrivent enfin à l'immobilité, cela frappe comme un coup de pied derrière les genoux. [Allison cordonnier]


54. La La Land (2016)

Porté par une direction pleine d'esprit, une partition éminemment hummable et la chimie à l'écran des stars Emma Stone et Ryan Gosling, l'hommage de Damien Chazelle aux histoires d'amour à l'ancienne de chansons et de danses est une comédie musicale exubérante sur le malheur; presque chacune de ses envolées fantaisistes est marquée par un moment d'anxiété, de frustration ou de déception. Situé dans une version romancée de Los Angeles, le film a plus en commun avec Coup de fouet et Premier homme , les premiers portraits de Chazelle d'hommes antisociaux et obsessionnels, que ses attributs Technicolor pourraient impliquer. La La Land se termine par une finale douce-amère qui suggère que même dans un monde de rêves, nous nous demanderions toujours si les choses auraient pu mieux se passer. [Ignatiy Vishnevetsky]

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53. Le homard (2016)

Le travail de Yorgos Lanthimos frappe non seulement en raison de sa compréhension de la condition humaine, mais aussi parce qu'il semble les formuler depuis l'extérieur de l'humanité, comme un extraterrestre nouvellement arrivé. Hal Hartley du 21e siècle, le scénariste-réalisateur déploie son style pince-sans-rire pour un effet merveilleusement comique dans Le homard , une réimagination fantaisiste de la société dans laquelle les célibataires ont 45 jours pour trouver un partenaire romantique ou être transformés en un animal de leur choix. Lanthimos trouve de nombreuses cibles satiriques, mais trouve quelque chose de plus profond dans sa concentration finale sur deux personnes essayant de s'aimer en l'absence de tout soutien ou influence extérieur. [Alex McLevy]


52. Parasite (2019)

Excitant divertissant et méchamment satirique, Bong Joon Ho se plie au genre Parasite est ostensiblement à propos d'une famille d'escrocs intelligents qui se frayent un chemin dans la maison d'une famille riche et naïve. Mais juste au moment où Bong a accroché le public à cette câpre pleine d'entrain et souvent hilarante, il lance une grosse torsion, puis une autre, puis une autre. À la fin, il a produit un drame social densément stratifié, qui a beaucoup à dire sur les divisions de classe contemporaines – et qui le fait avec un rare brio. [Noël Murray]

Sa

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51. Sa (2013)

Qui a besoin de Joaquin Phoenix pour montrer le maquillage de clown alors qu'il résume si parfaitement la solitude dans cette romance de science-fiction de Spike Jonze? L'histoire proche d'un homme triste (Phoenix) qui entre dans une relation amoureuse avec le système d'exploitation de son ordinateur (expressément incarné, sans corps, par Scarlett Johansson) devrait sembler plus stupide ou plus effrayante alors que la technologie de la vie réelle menace de la rattraper . Mais en même temps Sa a des moments amusants, Jonze prend son matériel au sérieux, non pas comme une mise en garde ou une mise en accusation du droit des hommes, mais comme une histoire de relation sensible et à cœur ouvert sur un partenaire qui grandit au-delà d'un autre. [Jesse Hassenger]

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cinquante. Amour (2012)

Quiconque connaissait le travail punitif de Michael Haneke a dû frissonner en apprenant qu'il avait fait un film intitulé Amour . Après tout, le provocateur autrichien a surnommé son acte le plus cruel d'antagonisme du public Jeux marrants – et pour citer Nelson Muntz, nous pouvons penser à au moins deux choses qui ne vont pas avec ce titre. Donc, la chose vraiment choquante à propos de cet improbable lauréat d'un Oscar, c'est que son titre est complètement sincère. Retraçant le déclin physique/mental lent mais constant d'une professeure de musique âgée (la légende du cinéma français Emmanuelle Riva) après un accident vasculaire cérébral, il s'agit peut-être du film le plus réaliste jamais réalisé sur les indignités de la vieillesse. Pourtant, en étant témoin des soins et du dévouement inlassables du mari de la femme (un autre vétéran du cinéma, Jean-Louis Trintignant), Haneke recherche également une expression d'amour à sa plus pure et la plus altruiste. Amour est complètement non romantique sur le sujet de la mort, ce qui rend la romance éternelle en son centre d'autant plus puissante. [A.A. Dowd]


49. Appelez-moi par votre nom (2017)

Alors que le terme romance d'époque n'évoque peut-être pas immédiatement les années 1980, Luca Guadagnino Appelez-moi par votre nom est assez lyrique pour rivaliser avec n'importe quelle grande histoire d'amour du XIXe siècle. (Cela ne fait pas de mal que le connaisseur de costumes dramatiques James Ivory a écrit le scénario, adapté du roman d'André Aciman de 2007.) Le lien entre l'adolescent sensible et livresque Elio (Timothée Chalamet) et l'étudiant diplômé charismatique et confiant Oliver (Armie Hammer) de nostalgie tacite, à parts égales intellectuelle et physique. Pourtant, le coup de maître du film est la façon dont il nous plonge fermement dans l'espace de tête intime de l'éveil érotique enivrant d'Elio, pour ensuite faire un zoom arrière avec un monologue de son père (Michael Stuhlbarg) qui nous rappelle l'universalité du chagrin et du trop -cadeau rare d'amour vraiment inconditionnel. [Caroline Siede]


48. Paterson (2016)

L'ode de Jim Jarmusch au processus créatif et aux plaisirs quotidiens de la vie quotidienne, mettant en vedette Adam Driver dans le rôle d'un chauffeur de bus du New Jersey qui écrit de la poésie à côté, pourrait être le film le plus sage que le roi de la pince-sans-rire ait jamais fait; il partage la curiosité et l'appréciation de son héros de la classe ouvrière pour le monde qui l'entoure et son sens du sens et des rimes. Plus que cela, il offre, dans la relation entre Paterson et sa petite amie, Laura (Golshifteh Farahani), une histoire d'amour terre-à-terre sur la cohabitation d'artistes aux personnalités opposées. Les histoires de conflits, de chagrins et de troubles dominent invariablement des listes comme celles-ci, mais Paterson est ce grand film rare sur le bonheur. Que ce soit en amour ou en art, Jarmusch suggère que tout se résume à apprendre la patience. [Ignatiy Vishnevetsky]


47. Ça suit (2015)

La profondeur de champ est la véritable menace de Ça suit . Ne vous y trompez pas, le thriller Carpenteresque de David Robert Mitchell possède un monstre assez effrayant: un fantôme qui change de forme qui se promène avec détermination après un groupe d'adolescents, les pourchassant dans tout l'État du Michigan comme un missile à tête chercheuse surnaturel. Mais cette force maléfique ne serait pas aussi effrayante entre les mains d'un artisan moins accompli. Mitchell, donnant une tournure sinistre à la mélancolie de fin d'été qui a défini son premier Mythe de la soirée pyjama américaine , se fait complice de son croque-mitaine en armant l'espace qu'il occupe ou non. À un certain moment, l'arrière-plan de chaque plan et la zone invisible juste au-delà de chaque ligne de cadre deviennent une zone de danger, une source d'anxiété nouvelle. Parce que la malédiction se propage par le sexe, Ça suit a été mal comprise comme une allégorie STD. Mais c'est une interprétation trop littérale d'un film d'horreur qui fait de l'inévitabilité elle-même l'ennemi, la terreur renforcée par la simple vue de quelque chose, de n'importe quoi , apparaissant à l'horizon lointain. [A.A. Dowd]

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46. Arrivée (2016)

Denis Villeneuve ne se contente jamais de moins qu'exceptionnel, et son perfectionnisme s'étend à presque tous les aspects de Arrivée . Il le trouve dans Amy Adams, livrant une performance émouvante - et capturant l'esprit même de l'humble idéalisme - en tant que linguiste en difficulté essayant de résoudre le mystère de 12 vaisseaux spatiaux extraterrestres qui ont atterri sur Terre, chacun contenant une paire de sept bras extraterrestres communiquant un message complexe qui pourrait changer le destin du monde. C'est là aussi dans la palette tamisée du directeur de la photographie Bradford Young, soulignant la dimension humaine tranquille de l'histoire, et dans la partition composée par feu Jóhann Jóhannsson, un mélange idéal de grandiloquence et de beauté. Le résultat est la science-fiction à son meilleur, combinant des idées conceptuelles enivrantes avec un cœur généreux, comme le fait Spielberg Star Trek . [Alex McLevy]


Quatre cinq. Royaume du lever de lune (2012)

Le style caractéristique de Wes Anderson est si distinctif (et si facilement parodié) qu'il est toujours tentant de se concentrer sur des aspects superficiels - les compositions symétriques, les coups de fouet soudains, l'utilisation omniprésente de Futura - au détriment de noter d'autres préoccupations plus importantes. Ce qui rend Wes vraiment unique, c'est son penchant pour la juxtaposition de la naïveté juvénile avec le regret d'âge moyen, qui remonte à Rushmore et a trouvé son expression la plus expansive à ce jour dans le délicieux et poignant Royaume du lever de la lune. Apparemment, cette pièce d'époque, qui se déroule en 1965 en Nouvelle-Angleterre, est l'histoire de deux enfants fugueurs (Jared Gilman et Kara Hayward) dont les mésaventures dans la nature provoquent beaucoup de rires. Mais Anderson consacre tout autant de temps aux adultes émotionnellement peu sûrs d'eux sur leur piste, y compris un Bruce Willis à la voix douce et atypique. Certains résisteront toujours, mais cela peut être aussi irrésistible que WesWorld le devient. [Mike D'Angelo]


44. Chambre verte (2016)

Lorsque Chambre verte est sorti au printemps 2016, sa prémisse se sentait savamment renforcée: certains punk rockers acceptent de jouer dans un club nazi dans le nord-ouest du Pacifique, puis assistent à un meurtre et doivent se frayer un chemin pour sortir d'un verrouillage potentiellement fatal. Moins d'un an plus tard, le film ressemblait à une extension effrayante et naturelle de l'actualité. Malgré la répugnance de ses méchants, personne ne peut accuser le scénariste-réalisateur Jeremy Saulnier d'avoir tenté de remporter des victoires faciles ; Chambre verte est vicieux, sanglant et déchirant, un entraînement de genre avec des dents (qui sont souvent attachées aux chiens en maraude). Pourtant, ce thriller implacable ne perd jamais son humanité, incarné par Imogen Poots et surtout par le regretté et regretté Anton Yelchin, donnant l'une de ses meilleures performances en tant que bassiste assiégé du groupe. [Jesse Hassenger]


43. Histoire de mariage (2019)

Tout en essayant nerveusement de donner à un agent de protection de l'enfance une impression positive de ses compétences parentales, le dramaturge Charlie (Adam Driver) lui ouvre le bras par inadvertance. Même s'il n'était pas simplement positionné comme remplaçant du scénariste-réalisateur Noah Baumbach, le lien entre eux serait clair en ce moment; Baumbach, après tout, déploie chaque partie de lui-même dans ce souvenir désordonné et peu flatteur d'une union en ruine. La scission entre Charlie et sa femme-muse, Nicole (Scarlett Johansson), fait ressortir leurs êtres les plus méchants, mais pas dans le registre intelligent identifié avec une grande partie du travail de Baumbach. L'hostilité disparaît progressivement d'un divorce cordial, juste une autre manifestation de l'amour que les deux ne renonceront jamais complètement. Les disputes vicieuses sur la garde de leur fils et la délocalisation côtière ne font que masquer les sentiments les plus vrais et les plus bruts qui composent ce film tendre et sensible : l'égoïsme, le ressentiment, l'insécurité et enfin l'humilité. [Charles Bramesco]

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42. Léviathan (2013)

Au cours de la dernière décennie, le laboratoire d'ethnographie sensorielle de Harvard a continué à faire de nouvelles choses avec la forme documentaire, tirée de la chronique du berger du Montana. foin d'odeur au téléphérique structuraliste Manakamana à—le meilleur de tous—le barattage, le plongeon, le ballottement Léviathan , une immersion totale viscérale dans la routine pénible d'un navire de pêche américain sur les mers de Stygie. Les réalisateurs Véréna Paravel et Lucien Castaing-Taylor n'ont pas grand usage des explications ou des têtes parlantes ou même du reportage direct ; au lieu de cela, ils veulent que vous expérimentiez. Réalisé sur des équipes de tournage de marathon avec toute une flotte d'appareils photo numériques - qui semblent tous ne connaître aucune limite, notamment les GoPro jetés par-dessus bord comme des bouées de sauvetage - le film met à nu le mythe de la nature contre l'homme auquel la pêche moderne l'industrie est ancrée. [Benjamin Mercer]

Magic Mike XXL

Photo : Capture d'écran

41. Magic Mike XXL (2015)

Où Steven Soderbergh est Magic Mike Jetant une lumière froide sur l'agitation et les inégalités économiques, la suite (réalisée par son assistant-réalisateur de longue date, Gregory Jacobs) reproduit ses visuels caractéristiques - Soderbergh l'a tourné - tout en les canalisant dans un ton totalement différent. Channing Tatum et sa bande d'adorables strip-teaseurs font un road trip vers une convention de danse érotique, répandant la bonne humeur, la confiance en soi et une sexualité respectueuse partout où ils vont. Si cela semble didactique, sachez que XXL est une véritable explosion : une comédie inclusive où tous sont les bienvenus. Librement modelé sur Nashville , il culmine avec des numéros de dépouillement dos à dos lors de la conférence pour couronner un remaniement vraiment radical du genre musical - une vision d'une Amérique meilleure et plus gentille qui est de plus en plus dans le rétroviseur. [Vadim Rizov]


40. Elle (2016)

Paul Verhoeven et Isabelle Huppert ont uni leurs forces pour livrer ce méchant petit thriller, un cobra cracheur qui échappe à la critique politique avec un sourire sournois sur ses crocs. Ouverture par un viol brutal vu du point de vue d'un chat noir, Elle trouve sa vraie morsure dans la banalité des conséquences et la manière glissante dont sa protagoniste, Michèle (Huppert), reprend le contrôle de sa vie et de son corps selon ses propres termes tordus. À la fois féministe et anti-féministe, héroïne et anti-héroïne, victime et bourreau, Michèle semble aimer incarner le stéréotype de la femme fatale. Sa psychologie vicieuse affirme la complexité à la fois de la sexualité féminine et des effets du traumatisme. [Katie Rife]

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39. Il était une fois… à Hollywood (2019)

Clôturant une décennie qui a produit ses deux films les plus didactiques et ouvertement politiques, Django Unchained et Les huit haineux , Quentin Tarantino a créé ce qui pourrait être son œuvre la plus ambiguë avec ce fantasme mélancolique de Los Angeles à la fin des années 1960. Un acteur déprimé et alcoolique de la liste B (Leonardo DiCaprio) et son meilleur ami, un cascadeur (Brad Pitt, rarement meilleur) qui s'en est peut-être tiré d'un meurtre, croisent la route de la famille Manson et de leur victime la plus célèbre, Sharon Tate (Margot Robbie). Si l'ambiance initiale de ce monde de Cadillac, de chapiteaux Cinerama et de whisky sour est celle d'un crépuscule nostalgique, les courants sous-jacents sont principalement la tristesse et la violence latente. À la fois film de rencontre par excellence et hommage affectueux aux détritus du passé de la pop culture, Il était une fois… à Hollywood propose certaines des séquences les plus sensibles de la carrière de Tarantino et, dans Rick Dalton de DiCaprio et Cliff Booth de Pitt, deux de ses personnages les plus riches. [Ignatiy Vishnevetsky]


38. Tous les autres (2010)

Une comédie de rupture mal à l'aise non loin de Romance moderne , Tous les autres se concentre sur un couple allemand, Gitti (Birgit Minichmayr) et Chris (Lars Eidinger), en vacances difficiles ensemble. Elle est extravertie, il est décidément le contraire, mais peu importe : dans leurs collisions répétées avec un autre couple, ils augmentent outrageusement à tour de rôle la mise sur un comportement inattendu, aliénant et souvent outrageusement drôle. Si le suivi de Maren Ade, Toni Erdmann , donne un tout nouveau rendu à l'idée de s'engager dans le mors, Tous les autres fonctionne à peu près de la même manière, analysant les pathologies communes d'un couple toxique qui se fait exploser à plusieurs reprises, faisant grincer des dents les autres autant qu'eux. Qu'est-ce que la performance et qu'est-ce que la véritable douleur ? Ces deux-là ne le sauront peut-être jamais, mais tout le monde devra y faire face. [Vadim Rizov]


37. Coup de fouet (2014)

Souffrir pour votre art a rarement reçu un entraînement plus littéral que dans le psychodrame absorbant et souvent difficile à regarder de Damien Chazelle sur un jeune batteur talentueux (Miles Teller) entraîné dans l'orbite d'un instructeur cruellement cruel (J.K. Simmons). Travaillant à partir de son propre scénario, Chazelle capture infailliblement la pulsion obsessionnelle qui pousse tant d'artistes au-delà des limites du comportement normal, sacrifiant tout à la poursuite de la grandeur. Mieux encore, la façon dont le film reste savamment ambigu sur le coût ultime de l'œuvre, éclairant la nature sombrement codépendante de la relation des deux hommes avec nuance et compréhension. Teller est excellent, mais il y a une raison pour laquelle Simmons a remporté l'Oscar du meilleur acteur dans un second rôle: il terrifie et entre dans une égale mesure, démontrant exactement pourquoi quelqu'un se soumettrait volontairement à la force de sa tutelle volcanique. [Alex McLevy]


36. Couleur en amont (2013)

Si les débuts noueux de science-fiction de Shane Carruth Première était une boîte à puzzle intellectuelle, son deuxième long métrage pourrait être décrit comme émotionnel, son accent sur l'intimité et le monde naturel s'écartant énormément de son évasion intelligente. En tant que tel, il convient que Couleur en amont défie le genre de dissection fastidieuse Première courtisé, sa quasi-absence de dialogue perceptible et significatif servant à mettre en évidence sa danse calme et complexe du traumatisme et du rétablissement, sans parler de ses plaisirs esthétiques décalés et de sa narration elliptique et malickienne. Aussi difficile que ce soit à analyser, Couleur en amont palpite avec un but et une confiance, en grande partie grâce au fait que Carruth commande tous les aspects du film, de la réalisation et de l'écriture à sa partition et sa distribution. Inspirez-vous de notre examen initial et laisse juste te laver . [Randall Colburn]

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35. Sortez (2017)

Jordan Peele a vécu le rêve de tout cinéaste avec ses débuts de réalisateur , un succès critique et commercial qui l'a catapulté de comédien de travail à auteur de premier plan, puis lui a valu un Oscar du meilleur scénario original. Le film restera dans les mémoires comme un moment émouvant à la fois pour le genre horreur et pour les créatifs noirs à Hollywood. Mais au-delà de sa signification historique, Sortez est aussi un divertissement de premier ordre : suspensif, surprenant et satirique. Après un photographe (Daniel Kaluuya) pendant un week-end avec la famille de sa petite amie qui passe lentement de l'exaspération à quelque chose de bien pire, le coup de l'air du temps de Peele enfile avec succès l'aiguille entre un large attrait, comme le démontre ce fil Twitter d'une femme bloguant en direct les réactions de ses parents au film – et le type de commentaire politique incisif qui pourrait inspirer toute une bibliothèque de thèses de doctorat. [Katie Rife]


3. 4. Le Duc de Bourgogne (2015)

Sans aucun doute, le film le plus émouvant jamais réalisé sur le fait d'être un fond de pouvoir. Evelyn (Chiara D'Anna) et Cynthia (Sidse Babett Knudsen) semblent avoir une bonne chose à faire, jouant des scénarios de domination-soumission quotidiens comme une expression du lien qui se nourrit mutuellement entre elles. Mais alors que les goûts d'Evelyn deviennent de plus en plus exotiques, Cynthia aspire à une intimité plus conventionnelle et commence à s'inquiéter de ne pas être la femme dont son amant a besoin. En reprenant les fioritures stylistiques des maîtres giallo et la sexploitation des années 70, Peter Strickland illustre comment le désir de plaire à une autre personne peut se transformer en une tyrannie auto-imposée. Lorsqu'une relation a un donneur et un preneur, même lorsque le donneur prend plaisir à donner, cette dynamique finit par être poussée à ses limites au fur et à mesure que le preneur continue de prendre. C'est la rare histoire d'amour sur la compatibilité et l'étalonnage, alors que deux adultes rétablissent les termes de leur partenariat pour trouver une nouvelle normalité. (Pour eux, il s'agit de faire pipi dessus.) [Charles Bramesco]


33. Rome (2018)

celui d'Alfonso Cuarón Rome est un chef-d'œuvre de la mémoire dans la tradition des œuvres autobiographiques de Fellini, un drame en noir et blanc tiré des souvenirs de l'écrivain-réalisateur des femmes de la classe ouvrière qui l'ont élevé dans les années 1970 à Mexico. Ces souvenirs sont filtrés par le propre amour passionné de Cuarón pour le cinéma, évident dans ses longs plans voyants, ici rendus avec une nouvelle intimité par le cinéaste se mettant derrière la caméra à la place de son directeur de la photographie habituel, Emmanuel Lubezki. Dans des scènes comme celle où une manifestation politique explose en une émeute à l'extérieur du magasin de meubles où la femme de ménage indigène Cleo (Yalitza Aparicio) fait les courses pour son enfant à naître, Rome prend des moments intimes dans la vie de cette femme souvent invisible et les élève à la portée d'une épopée radicale, ancrée par la performance merveilleusement subtile et franche de son rôle principal. [Katie Rife]


32. Brûlant (2018)

Librement adapté d'une nouvelle de Haruki Murakami, le meilleur film du réalisateur coréen Lee Chang-dong à ce jour observe un écrivain en herbe vaguement insatisfait nommé Jong-su (Yoo Ah-in) alors qu'il développe une romance potentielle avec une jeune femme impulsive, Hae- mi (Jeon Jong-seo), et est ensuite jeté dans l'orbite du nouvel ami extravagant et riche de Hae-mi, Ben (Steven Yeun, dans un tour mémorablement rusé qui lui a valu le prix du meilleur second rôle de plusieurs groupes de critiques). Jouant initialement comme une étude de personnage discrète, Brûlant se métamorphose lentement en un thriller très peu conventionnel, construit autour d'une mystérieuse disparition. L'accent mis par le film sur la guerre des classes est impossible à manquer, mais Lee refuse de proposer des conclusions faciles. Même lorsque Jong-su prend enfin des mesures au cours des dernières minutes, on ne sait pas s'il est un ange vengeur ou simplement dangereusement paranoïaque. [Mike D'Angelo]

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31. L'os de l'hiver (2010)

Jennifer Lawrence serait probablement devenue une star même sans le coup de pouce de L'os de l'hiver . Mais elle a définitivement fait forte impression dans son premier grand rôle au cinéma, en jouant Ree Dolly, une lycéenne de 17 ans obligée de devenir détective amateur pour sauver sa famille désespérément pauvre des monts Ozark. Moitié noir au sommet d'une colline et moitié odyssée mythologique, le film suit Ree alors qu'elle s'oppose à tous les dangereux trafiquants de drogue de sa famille élargie, retournant tous les rochers visqueux de la région afin de retrouver son père fugitif et d'empêcher les flics de s'emparer de sa maison. Réalisé et co-écrit par Debra Granik, d'après un roman de Daniel Woodrell, L'os de l'hiver ressemble à l'une des petites images de genre finement greffées des années 70 et 80 qui ont ensuite été reconnues comme des classiques. C'est direct dans sa narration, mais profond dans son exploration du crime et de la classe dans l'Amérique rurale. [Noël Murray]


30. Avant minuit (2013)

Chaque décennie obtient le Avant film qu'il mérite. Pour les années 1990, c'était le rêve romantique Avant le lever du soleil , pour les années 2000, ce sont les retrouvailles à enjeux Avant le coucher du soleil , et pour les années 2010, c'était Avant minuit , l'entrée la plus adulte du portrait en constante évolution de l'amour moderne de Richard Linklater. Alors que les deux premiers films reposaient sur des variations sur la question de savoir si Jesse (Ethan Hawke) et Céline (Julie Delpy) se reverraient, Avant minuit introduit un ensemble différent d'enjeux. Les amants ne risquent plus de perdre le contact, mais il y a maintenant une chance - se matérialisant dans le magnifique craché de chambre d'hôtel qui menace de faire dérailler leurs vacances d'été idylliques en Grèce - que les deux fassent exploser la vie qu'ils ont laborieusement construite ensemble. Linklater, Hawke et Delpy s'appuient sur tout ce qui a précédé pour créer un instantané poignant de la façon dont le bonheur de la jeunesse se transforme en amour à long terme, pour le meilleur et pour le pire. [Caroline Siede]


29. Dent de chien (2010)

Tour à tour d'un drôle de noir et d'une violence choquante, le long métrage révolutionnaire du réalisateur grec Yorgos Lanthimos (qui allait faire Le homard et Le favori , cité ci-dessus) suit les traces des réalisateurs de pull-no-punches Michael Haneke et Lars von Trier. Un couple garde leurs trois enfants adolescents enfermés dans leur maison/enceinte, à l'abri du monde et emprisonnés non seulement par de hautes clôtures, mais aussi par la peur et même le langage. L'influence extérieure s'infiltre via le sexe douloureusement maladroit et la contrebande subreptice de films hollywoodiens sur VHS, mais tous les moments légers sont ponctués de terribles crises d'agression, d'autant plus brutales qu'elles sont banales. Le père - joué avec un éclat de banalité du mal par Christos Stergioglou - ne tente jamais d'expliquer ou de justifier ses actions, et l'œil presque clinique et détaché de la caméra de Lanthimos ne fait qu'ajouter à la terreur. [Josh Modell]

Mélancolie

Photo : Capture d'écran

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28. Mélancolie (2011)

Des images de science-fiction indélébiles et une exploration brûlante de la dépression sont d'étranges (et rares) compagnons de lit. Mais aux côtés de Tarkovski Solaris nous pouvons maintenant placer celui de Lars von Trier Mélancolie , qui utilise la vanité d'un mystérieux corps céleste se précipitant vers la Terre comme cadre pour des études de caractère captivantes des sœurs Justine (Kirsten Dunst) et Claire (Charlotte Gainsbourg). Divisé en deux sections, le film excelle à exprimer la dépression invalidante de Justine alors qu'il empiète sur le bonheur supposé de sa réception de mariage. Encore plus étonnante, cependant, est la seconde moitié, qui avance vers l'arrivée imminente de la planète apocalyptique alors que les positions des frères et sœurs commencent à s'inverser – Claire s'effondrant sous l'anxiété d'un malheur potentiel alors que Justine trouve une sorte de paix. Pas étranger à représentations de la dépression , von Trier fait sa méditation la plus transcendante sur les douleurs paralysantes de la maladie et la frustration inévitable des êtres chers qui tentent d'y faire face. [Alex McLevy]


27. La servante (2016)

Parmi les nombreux tours diaboliques que le réalisateur Park Chan-wook réussit La servante , le plus puissant et le moins attendu est que le film s'avère être, au fond, une assez douce histoire d'amour. L'intrigue, tirée d'un roman de Sarah Waters, semble suivre un jeune pickpocket (Kim Tae-ri) engagé pour aider un escroc infâme (Ha Jung-woo) à séduire un aristocrate apparemment fragile (Kim Min-hee). Mais même les arrière-pensées ont des arrière-pensées dans ce thriller coquin, opulent et noirement drôle. Park et ses séduisants complices, les deux Kim en particulier, trompent habilement leur public encore et encore, tirant le tapis avec un plaisir évident. C'est un con magnifique, mais le vrai choc ne réside pas dans les rebondissements, ni dans la violence des mutilations de doigts ou même dans les boules de ben wa; c'est dans la sincérité romantique, une première pour ce maître de l'extrémité. [Allison cordonnier]


26. Phénix (2015)

Une chanteuse juive (Nina Hoss) survit aux horreurs d'Auschwitz et revient avec un nouveau visage construit à partir de l'épave de son ancien. À Berlin, elle trouve le mari (Ronald Zehrfeld) qui l'a peut-être vendue aux nazis, mais il ne la reconnaît pas ou ne la reconnaîtra pas ; dans un stratagème pour réclamer son héritage, il entraîne cette femme qu'il croit être une étrangère sur la façon de ressembler, de sonner et de marcher davantage comme la personne qu'elle était. Il existe des nuances indéniables de vertige dans Phénix , mais le scénariste-réalisateur Christian Petzold trouve une critique de l'identité nationale et du déni dans la silhouette du classique d'Hitchcock. Avec une économie de la narration qui est devenue sa marque de fabrique (il n'y a pas de scène gaspillée ou de prise de vue pendant les 98 minutes maigres du film), le cinéaste joue son mélodrame noir, jusqu'à une fin si étonnamment parfaite qu'elle vous laisse aussi bouche bée que les personnages. [A.A. Dowd]


25. Deux jours, une nuit (2014)

Après sa performance oscarisée dans le rôle d'Edith Piaf dans La Vie En Rose , Marion Cotillard a décampé à Hollywood pendant près d'une décennie, avant de prendre son rôle le plus peu glamour (et le plus remarquable) à ce jour. Deux jours, une nuit la présente comme Sandra, une femme luttant pour la dignité et contre la dépression clinique sévère. Forcée de présenter une pétition individuelle à ses collègues après avoir découvert qu'ils avaient opté pour un bonus en échange de son licenciement, elle se lance dans une mission de week-end pour changer d'avis - un voyage de rencontres qui se transforme en dilemmes moraux discrets. C'est avec leur flair naturaliste caractéristique que les cinéastes belges Luc et Jean-Pierre Dardenne explorent la nature de l'autonomisation de la communauté et de la prise de décision éthique sous le capitalisme. Mais ce n’est pas depuis les années 90 que les frères ont livré une œuvre si émotionnellement brute et directe, et ce triomphe est en grande partie dû à la formidable performance de Cotillard, qui oscille entre persistance et désespoir, se battant pour la volonté d’une femme de vivre face à la ruine. [Béatrice Loayza]

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24. Le loup de Wall Street (2013)

Vous vous souvenez de 2013, lorsque Martin Scorsese a brandi une loupe sur l'identité déséquilibrée du capitalisme de l'ère Reagan et que tout le monde a hoché la tête en toute compréhension, mettant fin à toute analyse du film pour le reste de la décennie ? Non? L'entrée la plus mal interprétée du canon de Marty opère sa magie en incitant les objets de ses jabs satiriques à se raconter eux-mêmes; les frangins de Wall Street idolâtrent toujours le faible, impuissant et psychotique stock-jockey Jordan Belfort (Leonardo DiCaprio, cabanon de vanité à partir du moment où il se penche pour une bougie allumée) confirment toute la vacuité morale que le script de Terence Winter leur attribue. Loup les plaisirs variés et généreux de Jonah Hill en grognant SMOKE CRACK AVEC MOI, BRO; la danse des citrons ; l'invention instantanée d'une star de cinéma nommée Margot Robbie peut faire trébucher une personne. Mais les moments les plus sombres trahissent cela comme une histoire d'horreur américaine de dépendance, à la drogue, à l'argent ou au pouvoir, qui sont tous la même chose. [Charles Bramesco]


2. 3. Toni Erdmann (2016)

Êtes-vous même humain? le bavard Winfried, vêtu de fausses dents et d'une perruque noire absurde en tant qu'alter ego titulaire, demande à sa fille glaciale et bourreau de travail en Toni Erdmann . L’éclat rare du film de Maren Ade réside dans la manière dont il aborde cette question chargée sans cliché ni sentimentalité mièvre mais sous un angle semi-comique qui privilégie le maladroit et l’embarrassant, exaltant les fruits amers des banalités quotidiennes. Pour un film qui dure près de trois heures, Toni Erdmann descend facilement, trompeusement aéré car il considère les complexités inépuisables de la parentalité et l'état aliéné des relations modernes, tout en proposant l'humour comme antidote au fléau du comportement objectif. Il propose également l'interprétation désespérée et bravade de Sandra Hüller de la ballade de Whitney Houston, The Greatest Love Of All, une scène qui ressemble déjà à l'un des plus grands morceaux de comédie musicale. [Béatrice Loayza]


22. Premier réformé (2018)

Les méga-églises ne sont pas que des bâtiments ; ce sont des institutions religieuses. C'est le cas, du moins, dans Premier réformé , une méditation rugissante et profondément ressentie sur le but spirituel du légendaire cinéaste Paul Schrader, s'essayant ici au mode transcendantal du cinéma il a disséqué au début de sa carrière. Un Ethan Hawke jamais meilleur joue le rôle de Toller, le berger d'une église historique maintenue en vie uniquement par une entreprise, dont l'impuissance spirituelle trouve un remède dans une cause : le réchauffement climatique. Ce qui suit est une étude sur l'extrémisme et l'auto-sabotage, une condamnation de la marchandisation de la foi qui ne laisse jamais son héros s'en tirer en tant qu'architecte de sa propre chute. La brutalité caractéristique de Schrader s'affirme, physiquement et émotionnellement. Mais Premier réformé est avant tout un film qui explore la forme de la sainteté dans un monde moderne. [Randall Colburn]


vingt-et-un. Nocturama (2017)

Tour de force de style et d'abstraction, le thriller terroriste déconstruit de Bertrand Bonello suit un groupe d'adolescents et de vingt ans français alors qu'ils exécutent une série d'attentats meurtriers autour de Paris avant de se retirer pour attendre la nuit dans un grand magasin. Nous n'apprenons jamais leur idéologie, ce qui est sans doute sans rapport avec l'intérêt de Bonello pour l'aliénation, la colère et la fantaisie en tant que dénominateurs et motifs communs. S'inspirant de tout, des expériences télévisées d'Alan Clarke aux classiques du genre de George A. Romero et John Carpenter, Nocturama pourrait mériter sa place comme l'un des grands films de la décennie sur le seul panache. Mais l'ingéniosité formelle de Bonello (qui s'étend de la bande-son incroyablement éclectique à une approche courageuse du temps et de l'espace psychique) ne serait rien sans sa capacité à bouger et à perturber. Le résultat est une vision sombre et inoubliable. [Ignatiy Vishnevetsky]

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vingt. La coupure de Meek (2011)

Au cours d'une décennie qui a vu les frères Coen, Quentin Tarantino et Alejandro González Iñárritu se lancer dans le western, c'est Kelly Reichardt qui lui a insufflé la vie la plus fraîche. Son triomphe dépouillait ce genre intrinsèquement américain jusqu'à son essence élémentaire – la terre, le ciel, la survie – sans abandonner tous les plaisirs familiers des gens désespérés naviguant sur une frontière violente. Situé en 1845, La coupure de Meek dramatise un cafouillage historique : l'histoire vraie d'une caravane qui s'est égarée du sentier de l'Oregon dans un désastre, soit à cause de l'incompétence, soit des mauvaises intentions du guide éponyme (un Bruce Greenwood loquace et méconnaissable). Reichardt met l'accent non seulement sur les difficultés épuisantes des voyages en chariot, mais aussi sur la façon dont le temps a pu s'écouler lors d'un voyage en pleine nature sans fin en vue. Pour toute la détermination du rythme, La coupure de Meek offre également une bataille de volontés extrêmement suspensive, car une crise de leadership et l'introduction d'un étranger avec des motifs encore plus mystérieux menacent de sceller le sort de ces pèlerins perdus. Au centre du film se trouve la principale dame de la scénariste-réalisatrice, Michelle Williams, dont la performance en tant que la plus sensée et la plus entêtée du groupe souligne une dimension politique prémonitoire. Qui savait, il y a dix ans, quelle résonance nous verrions plus tard dans l'histoire d'une femme intelligente essayant de s'éloigner de la catastrophe courtisée par un souffleur insensé ? [A.A. Dowd]


19. Marguerite (2011)

Le deuxième long métrage ambitieux de Kenneth Lonergan est sorti de six ans de purgatoire de post-ion sous une forme légèrement mutilée, mais c'est néanmoins une œuvre majeure. Anna Paquin livre un portrait déchirant hors du commun du solipsisme adolescent dans le rôle de Lisa, une lycéenne qui provoque accidentellement un accident de bus. Cet incident incitatif est l'un des innombrables drames qu'elle négocie à travers la toile épique du film à New York, tout en confrontant le fait qu'elle n'est au centre de l'histoire de personne d'autre que la sienne. Bien que Lonergan soit un dramaturge célèbre, les paysages sonores richement détaillés du film, alternativement agressifs et symphoniques, seraient impossibles à transmettre pleinement sur scène. De même, la préoccupation du film pour l'essentiel séparation des gens est particulièrement adapté au point de vue extérieur que le cinéma offre si naturellement. Tirant son titre d'un poème de Gerard Manley Hopkins, Marguerite est un film sur les difficultés de vraiment se connecter avec une autre personne. Les mots manquent, l'émotion est limitée. Mais dans sa scène finale émouvante, qui voit Lisa et sa mère pleurer ensemble dans un opéra, le film suggère que l'art, après tout, est peut-être la meilleure chose que nous ayons. C'est le genre de vision rare et stupéfiante qui est à la hauteur de cette suggestion. [Lawrence Garcia]


18. Copie certifiée (2011)

Tout au long de sa longue carrière, feu Abbas Kiarostami était obsédé par la performance, par la façon dont nous jouons toujours une version de nous-mêmes pour le monde. Dans ses films en langue persane (comme Fermer , Goût De Cerise , et la trilogie Koker), Kiarostami s'est délecté de briser le quatrième mur. Sa volonté de choisir des non-acteurs et sa patience pour laisser de longues conversations se dérouler entre ces individus alors qu'ils s'interrogeaient sur le but de l'art et de la vie ont élargi de manière irréversible notre compréhension du cinéma lui-même. Les méthodes préférées de Kiarostami sont pleinement exposées dans le poli et ludique Copie certifiée , dans lequel Juliette Binoche et le chanteur d'opéra devenu acteur William Shimell dépeignent des inconnus en apparence engagés dans des débats sur l'authenticité et l'artifice. Au début, leurs conversations sont axées sur l'extérieur, avec des arguments sur la motivation créative et la valeur de la contrefaçon. Mais avec le temps, leurs personnages flirtent avec une réflexion candide, et le couple s'empêtre dans une performance d'ambiguïté séduisante. Kiarostami est déterminé à découvrir comment on peut assumer l'identité d'un autre, et Binoche et Shimell sont des collaborateurs dévoués qui construisent Copie certifiée comme un labyrinthe délicat qui conduit le public sur des chemins diversement évocateurs à la recherche de la vérité humaine. [Roxana Hadadi]

Le Grand Hôtel Budapest

Photo : Capture d'écran

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17. Le Grand Hôtel Budapest (2014)

Le Grand Hôtel Budapest aurait coûté environ la moitié du prix La vie aquatique , et pourtant, il reste le film le plus ambitieux (et le plus réussi financièrement) de Wes Anderson à ce jour. S'étalant à travers des décennies et des pays, le film raconte l'histoire d'un concierge d'une efficacité hors du commun, gérant le fonctionnement complexe d'une fantastique station de montagne des années 1930, où les forces rampantes de l'autoritarisme et l'aristocratie européenne en déclin se croisent fréquemment. Ralph Fiennes est à la fois hilarant et touchant en tant que héros : un homme noble avec de nombreuses règles. Mais qu'est-ce qui a fait Le Grand Hôtel Budapest un tel succès au box-office était qu'il s'agissait au fond d'un film d'aventure de retour en arrière, avec une intrigue sinueuse impliquant des meurtres, des braquages ​​et des poursuites, tous rendus dans le style incroyablement détaillé d'Anderson, où chaque ensemble ressemble à un diorama trop habillé. Le film est aussi étonnamment pointu – et peut-être sacrément prémonitoire – dans son portrait d'un Vieux Monde fondé sur des principes pourrissant de l'intérieur, gâché par une fidélité malheureuse aux fascistes. [Noël Murray]


16. À l'intérieur de Llewyn Davis (2013)

Llewyn est le chat. Non, il vient juste possède le chat, mais la différence devient négligeable au fil du parcours des frères Coen À l'intérieur de Llewyn Davis , un point culminant dans une carrière de portraits existentiels. Notre héros chanteur folk aigri, merveilleusement interprété par Oscar Isaac, erre dans un Manhattan gris et hivernal, dormant sur les canapés d'amis exaspérés, soignant une blessure permanente au cœur. Il est voué à être en retard d'un jour et à court d'un dollar, à jamais marginalisé par une scène qui est au bord du précipice de la reconnaissance grand public. Les ironies cosmiques et les décisions à courte vue conspirent pour le garder pauvre et hors des projecteurs, mais il est autant victime d'un mauvais timing que de son propre comportement. Un partenaire mort et des goûts culturels changeants ont rendu son talent presque hors de propos, illustré par un road trip anti-Kérouacien démoralisant à Chicago qui culmine avec la lecture de ligne la plus dévastatrice de cette terrible décennie . Un film décevant pour les âges, À l'intérieur de Llewyn Davis met en valeur le coût humain d'une vie créative. La passion et les principes ne sont pas des forces durables dans un monde qui exige des compromis. Les cotisations ne peuvent pas être remboursées. L'existant est pour les drageons. Alors qu'est-ce que tu fais? [Vikram Murthi]


quinze. L'acte de tuer (2013) et Le regard du silence (2015)

Oui, c'est une triche, célébrer deux films en une seule entrée. (De rien, #100 !) Pourtant, les documentaires de Joshua Oppenheimer, chacun regardant sous un angle différent la vague de carnage sanctionné qui a soufflé sur l'Indonésie au milieu des années 60, fonctionnent si bien en dialogue les uns avec les autres qu'ils fonctionnent comme des parties égales d'un tout accablant. Dans L'acte de tuer , le plus conceptuellement audacieux (et diviseur) des deux, Oppenheimer ne se contente pas d'interviewer les auteurs du génocide militaire, il offre à l'un d'eux l'opportunité de réaliser un film sur l'effusion de sang qu'il a commise. À travers le processus de dramatisation, ce célèbre ex-gangster finira-t-il par ressentir des remords ? Comme s'il anticipait les critiques selon lesquelles cette approche ne nourrit que l'ego des monstres, les Regard de silence offre aux victimes une voix sous la forme d'un médecin endeuillé qui affronte les tueurs vieillissants directement devant la caméra, en disant courageusement (et peut-être dangereusement) la vérité au pouvoir. Bien que les tactiques varient, les objectifs sont les mêmes : réécrire le récit d'une atrocité nationale et forcer les responsables à rendre compte du mal de leurs actes. C'est le rare projet cinématographique, documentaire ou autre, qui semble à la fois moralement et socialement urgent ; remarquablement, les deux films fascinent également à leurs propres termes inhabituels. [A.A. Dowd]


14. Moteurs sacrés (2012)

Moteurs sacrés pourrait être le film le plus étrange et le plus glissant de la décennie. Qu'est-ce que c'est à propos de , en tous cas? Leos Carax, le cinéma français enfant terrible, s'assure de ne jamais s'approcher d'une réponse satisfaisante en bafouant constamment les règles de son propre jeu. Le résultat est un méli-mélo maniaque multi-genre qui flirte avec l'histoire du cinéma et fait des gestes vers son avenir. Le film présente Denis Lavant, un artiste physique singulier et habitué de Carax, comme un homme galliant et changeant de forme, assumant inexplicablement une nouvelle identité - chef d'entreprise, femme de poche, assassin, troll des égouts - dans chacun des neuf rendez-vous du film. Parmi ses primes figurent un enlèvement de mannequin, des dragons phalliques rendus par CGI et un numéro musical de Kylie Minogue - des événements si impensablement aléatoires qu'il faut plusieurs visionnements pour détecter le courant mélancolique qui guide le film. Abandonnant le confort narratif de son travail passé, Carax traite son cinquième long métrage en plus de 25 ans comme une plongée tête la première dans les impulsions créatives de l'artiste et tout ce que cela implique d'horriblement stupide, magnifiquement étrange et érotique. Mais aussi étrange et inclassable que cela puisse être, Moteurs sacrés se révèle aussi profondément personnel : une tranche du cinéaste servie crue et frémissante. [Béatrice Loayza]

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13. Enfance (2014)

Douze ans. C'est le temps qu'il a fallu à Richard Linklater pour filmer au coup par coup son film sur le passage à l'âge adulte. C'est aussi le titre original du film, et est devenu plus tard une partie de l'argument des détracteurs selon lequel son accomplissement était un simple gadget vide. L'approche du film est simple : Il tombe sur Mason (Ellar Coltrane) quelques scènes à la fois, chaque année, le suivant de 6 à 18 ans, filmant ses acteurs avec des décalages réels. Ce n'est pas un film basé sur des pauses d'acte ou une intrigue principale: la mère travailleuse de Mason (Patricia Arquette) entre et sort de mauvaises relations; son père (Ethan Hawke) s'améliore progressivement en tant que parent. Le temps passe. Les foyers changent, les familles se mélangent et se désagrègent, Harry Potter les soirées de libération de minuit sont assistées. Le temps passe. Linklater capture des événements banals, comme Mason et son père en parlent Guerres des étoiles , et les rend chaleureusement mémorables; il dramatise certains moments charnières avec une écriture inélégante. Le temps passe. Il y a une scène où Hawke harangue ses enfants de manière ludique pour qu'ils soient plus bavards et spécifiques lorsqu'il leur demande comment ils vont. Ils repoussent, et il cède : Alors, devrions-nous simplement laisser cela se produire plus naturellement ? C'est ce que tu dis ? Ses enfants ont raison, et pourtant, ils vieillissent de 12 ans sous nos yeux, ce qui fait que 165 minutes semblent être un instant. C'est simple, et aussi un miracle. [Jesse Hassenger]


12. Manchester au bord de la mer (2016)

Comment se remettre d'une erreur stupide et ivre qui détruit tout votre monde ? Le troisième long métrage dévastateur de Kenneth Lonergan (vous trouverez son deuxième au n ° 19) a le courage sombre de reconnaître que parfois vous ne le faites pas, bien que vous puissiez peut-être au moins faire amende honorable de manière détournée. Casey Affleck a remporté un Oscar (malgré les allégations de harcèlement sexuel liées à un autre film) pour sa performance profondément intériorisée, dans laquelle le chagrin fonctionne comme un parasite qui paralyse presque mais pas tout à fait son hôte ; sa scène culminante en face de Michelle Williams (tout aussi superbe) est de véritables trucs à déchirer, insistant sur le fait que certaines blessures ne guérissent jamais, quelles que soient les bonnes intentions des gens. Pourtant la vie continue, ce qui Manchester souligne via une intrigue secondaire d'un long métrage dans laquelle Lee, auto-exilé d'Affleck, retourne à contrecœur dans sa ville natale - la scène du non-crime pour lequel il aspire à être condamné - afin de s'occuper de son neveu adolescent semi-orphelin (Lucas Hedges) . Au milieu de la vie, nous sommes dans la mort, bien sûr… mais pour Lonergan, l'inverse est également vrai, et il creuse profondément dans cette horrible dichotomie. Peu d'autres cinéastes américains sont aussi disposés à examiner l'impossibilité nécessaire de simplement endurer. [Mike D'Angelo]


Onze. Sous la peau (2014)

Jonathan Glazer a travaillé pendant plus d'une décennie sur la meilleure façon d'adapter l'excellent Sous la peau , et cela montre. Son produit final, léger sur le dialogue et lourd sur la terreur, dépouille la prémisse sensationnelle - les séductrices extraterrestres droguent les hommes, récoltent leur viande pour sa planète natale - à l'essentiel, mettant l'accent sur la séduction plutôt que sur le but exact de cette séduction. Scarlett Johansson joue le rôle de l'extraterrestre sans nom, et Glazer, dans un geste aussi cruel qu'efficace, a filmé subrepticement ses rencontres et ses flirts avec de vrais hommes pour s'assurer qu'ils résonnent avec toute la curiosité et le vertige que l'on peut ressentir en se faisant ramasser, eh bien , quelqu'un qui ressemble à Scarlett Johansson. La fosse de goudron désolée qui avale indifféremment ses cibles incarne de manière effrayante les thèmes de la solitude et de l'isolement de Glazer : êtes-vous seul ? est le refrain du film, mais c'est la dérive du personnage vers l'empathie et son destin tragique et vide qui persiste. Il y a aussi, bien sûr, la partition violente et avant-alto de Mica Levi, qui est suffisamment étrangère pour accompagner l'aperçu kubrickien du cosmos de Glazer, ainsi que son bref et horrible regard sur les entrailles qui inondent la chaîne de montage intergalactique. [Randall Colburn]


dix. Dame Oiseau (2017)

Greta Gerwig a peut-être eu l'arc de carrière cinématographique le plus remarquable des années 2010, commençant la décennie en tant que récente échappée du mouvement mumblecore à micro-budget et la terminant en tant qu'écrivain et réalisateur nominé aux Oscars. Dame Oiseau est, en quelque sorte, une histoire d'origine tardive, pour une cinéaste et actrice qui travaillait déjà dans l'entreprise depuis plus d'une décennie. La très irlandaise Saoirse Ronan donne une performance remarquablement vécue en tant que lycéenne de Sacramento égocentrique qui s'entraîne avec sa mère (jouée par la merveilleusement épineuse Laurie Metcalf) et brûle plusieurs meilleurs amis et petits amis alors qu'elle se prépare pour la prochaine étape de sa vie. Avec son rythme effréné - certaines scènes ne durent que quelques secondes - et ses dialogues accrocheurs, Dame Oiseau est une ruée à regarder. Mais c'est aussi une étude de personnage finement nuancée, regardant en arrière avec empathie et plus qu'un peu de mépris envers une jeune femme qui pouvait parfois être cruelle avec désinvolture envers ses amis et sa famille, peut-être parce qu'au fond elle réalisa qu'elle n'était qu'une adolescente obstinément ordinaire, osant faire des rêves extraordinaires. [Noël Murray]

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Fil fantôme

Photo : Fonctionnalités de mise au point

9. Fil fantôme (2017)

A sa surface, Fil fantôme ressemble au film le plus conventionnel de Paul Thomas Anderson - une simple lutte de pouvoir romantique, qui se déroule dans le Londres des années 1950, entre le créateur de mode Reynolds Woodcock (Daniel Day-Lewis, dans ce qu'il prétend être son dernier rôle) et sa muse entêtée, Alma (Vicky Krieps , arraché de la semi-obscurité). Leur relation tourne autant autour de la nourriture que des vêtements: Reynolds rencontre d'abord Alma alors qu'elle prend sa commande de petit-déjeuner ridiculement extravagante au restaurant où elle travaille, et plus tard des disputes passionnées entre eux impliquent des subtilités telles que la façon dont elle prépare les asperges. Finalement, il y a un autre développement culinaire plus sinistre, qui se termine par des décisions mutuelles qui suggèrent fortement un sous-texte pervers à toute la controverse très appropriée. Au coeur, Fil fantôme est une histoire d'amour glorieusement perverse, fonctionnant comme une image miroir codée du film que vous trouverez au n°34. Mais cette interprétation n'est pas nécessaire pour profiter de la belle représentation luxuriante de la politesse vicieuse de PTA. De plus, c'est juste excitant de regarder Krieps plus que tenir son propre opposé peut-être le plus grand acteur du monde, alors qu'Alma tolère, résiste et finalement bouleverse l'intimidation impérieuse de Reynolds, reconnaissant ce que même lui ne sait pas qu'il désire vraiment. [Mike D'Angelo]


8. Françoise Ha (2013)

Les comédies romantiques ont fait un voyage étrange à travers les années 2010 : dégradées par les studios, rejetées par superstition et renaissantes en tant que téléfilms de facto sur Netflix, laissant peu de faits saillants récents du genre. La comédie de crise de quart de vie Françoise Ha n'est certainement pas admissible, pas techniquement ; Frances (Greta Gerwig), danseuse de la fin de la vingtaine, n'embrasse personne pendant les 86 minutes croustillantes du film, et encore moins entre dans une relation amoureuse. Mais il est facile de repérer l'esprit, l'éclat et l'affection d'une comédie romantique vintage dans le film de Gerwig et Noah Baumbach (une lignée poursuivie par leur suivi, maîtresse amérique ). Le montage implacable de Jennifer Lame ponctue le dialogue de Baumbach et Gerwig, lui donnant encore plus d'énergie rat-a-tat en sachant quand le couper et passer à la scène suivante, tandis que la cinématographie en noir et blanc de Sam Levy rend le hipster New York intemporel, parfois même glamour. Les déchirements et les hauts de la romance sont là aussi, dans la rupture des amitiés codépendantes, la magie de courir dans les rues de la ville et la déception d'un voyage impromptu à Paris, entre autres. Il faut les talents combustibles de Baumbach et Gerwig pour créer cette comédie romantique platonique par le biais de la Nouvelle Vague, refaisant le voyage de la vingtaine à la trentaine comme une histoire d'amour urgente, capricieuse, intermittente avec soi-même. [Jesse Hassenger]


7. Le projet Floride (2017)

Faire preuve d'empathie pour les exclus de la société sans romantiser le comportement douteux qui les fait souvent expulser est une affaire délicate, et Sean Baker, qui avait déjà fait sensation cette décennie avec Starlette et le drame transcentré tourné sur iPhone Mandarine (voir: # 84 ci-dessus) - obtient l'équilibre miraculeusement dans ce portrait de la vie dans un motel ringard à distance de marche (ou de course effrénée) de Disney World. Une grande partie de l'alchimie découle de la juxtaposition de nouveaux arrivants tapageurs et en direct avec l'un des pros les plus fiables et les plus appréciés d'Hollywood : Baker a trouvé Bria Vinaite, qui joue le rôle de la mère célibataire Halley, sur Instagram, puis a déployé Willem Dafoe, dans le rôle du motel. gestionnaire harcelé mais gentil, comme contrepoint stabilisateur au chaos émotionnel. Mais le film adopte aussi fréquemment le point de vue de Moonee, 7 ans (Brooklynn Kimberly Prince) et de son groupe d'amis en rotation, regardant ces enfants s'efforcer de créer leur propre parc d'attractions improvisé à un jet de pierre de la réalité, inconscient du leur. circonstances incertaines. C'est un regard remarquablement vif, lucide et compatissant sur des personnes pour qui le rêve américain est à la fois à portée de vue et à des millions de kilomètres. [Mike D'Angelo]

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6. clair de lune (2016)

Les films à leur meilleur peuvent montrer au spectateur le monde à travers les yeux d'un autre être humain, peu importe à quel point la situation de cette personne peut être différente de la leur. Barry Jenkins clair de lune fait exactement cela, esquissant une feuille de route sensuelle à l'âme d'un natif du sud de la Floride alors qu'il grandit d'un enfant négligé à un homme incompris. Chiron, le protagoniste du film, est interprété par trois acteurs différents : Alex R. Hibbert dans le rôle de Little, 10 ans, vulnérable comme un oisillon ; Ashton Sanders dans le rôle de Chiron, 16 ans, terrifié par son homosexualité ; et Trevante Rhodes en tant que jeune adulte noir, endurci par des années de travail dans le commerce de la drogue qui ont ruiné la vie de sa mère (Naomie Harris) et ont peut-être tué son mentor (Mahershala Ali). Jenkins peint Chiron comme une personne réservée, avec un nombre limité de lignes pour correspondre. Mais en l'absence de longs monologues, les moments de profonde immobilité parlent tout aussi éloquemment : la sensation de flotter derrière les yeux après une longue journée de baignade ; la clarté vivifiante de l'eau glacée sur un visage meurtri ; le battement des vagues contre le sable comme un battement de coeur. clair de lune est le cinéma dans ce qu'il a de plus poétique et de plus empathique. [Katie Rife]


5. L'arbre de la vie (2011)

À la fois intime et cosmique, l'épopée impressionniste et parfois impénétrable de Terrence Malick (qui inaugure une décennie incroyablement prolifique pour le cinéaste solitaire) se déploie comme un étonnant flux de conscience ; ce pourrait être le voyage de tête ultime du réalisateur, allant de la naissance de l'univers aux scènes de la vie et de l'enfance dans le Texas des années 1950 qui se sentent aussi richement spécifiques que la mémoire. Quelque part au centre de tout cela se trouve une famille nucléaire dirigée par un père éloigné (Brad Pitt) et une mère nourricière (une Jessica Chastain alors inconnue), et un fils qui pourrait être le remplaçant de Malick lui-même. Mais même si le contenu est essentiellement autobiographique, la sensibilité de Malick reste mythique, réunissant science et vision apocalyptique, foi et conte de fées. Son sujet n'est rien de moins que la façon dont nous nous voyons dans l'univers et l'univers en nous-mêmes ; alors que la vie se forme dans la matière première goo et que le célèbre travail de caméra d'Emmanuel Lubezki capture des enfants dansant à travers des nuages ​​de DDT, la vision de Malick se fond dans l'espace intérieur, un monde de souvenirs réfractés à travers des histoires de création, des archétypes et des sentiments de culpabilité et de regret. Les années 2010 nous ont apporté un certain nombre d'histoires de passage à l'âge adulte remarquablement structurées et hantées par le temps (y compris clair de lune et Enfance ), mais aucun n'a tenté une fusion plus ambitieuse du psalmique et du personnel. [Ignatiy Vishnevetsky]


Quatre. Une séparation (2011)

Dès ses premières minutes, le chef-d'œuvre d'Asghar Farhadi - un film d'une complexité morale et dramatique stupéfiante - bloque son public au milieu, divisant nos sympathies le long de la ligne de faille d'un mariage chancelant. Au sens le plus littéral, le titre fait référence au statut relationnel de Nader (Peyman Moaadi) et Simin (Leila Hatami), un couple iranien dans l'impasse. Pourtant, il y a de multiples séparations en jeu dans le film : de classe, de genre, de religion, toutes exacerbées par la crise juridique et éthique qui s'ouvre comme un gouffre au centre du film. Une séparation , qui a catapulté son scénariste-réalisateur dans les échelons supérieurs du cinéma mondial, se transforme progressivement en une sorte de thriller de culpabilité et de tromperie, alors que le conflit éclate de cette première confrontation au tribunal et qu'une autre famille est entraînée, lentement mais avec force, dans l'épave émotionnelle de la maison brisée de Nader et Simin. Ce qui est peut-être le plus remarquable dans le film, c'est la façon dont Farhadi maintient l'équilibre d'identification établi dans la première scène, en retenant des informations clés pour nous mettre tous dans la position d'un tiers impartial essayant de régler tout le gâchis. Dans un film sur ce qui divise les gens, il repère les points communs. C'est-à-dire pour tous Une séparation peut communiquer sur la vie dans l'Iran contemporain, ses idées sur la nature humaine sont d'une universalité bouleversante. [A.A. Dowd]

Le réseau social

Photo : Capture d'écran

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3. Le réseau social (2010)

Lorsque Le réseau social est sorti en 2010, certains se sont demandé si le film de David Fincher était trop dur pour le pauvre Mark Zuckerberg. Neuf ans plus tard, alors que le potentiel réel (et vraiment alarmant) de Facebook de saper la démocratie est enfin en discussion, il semble que la vraie question soit de savoir si le film était assez dur. Cela s'est certainement avéré être prémonitoire : en plus de mettre en garde contre le fait de mettre trop de pouvoir entre les mains des petits et des vindicatifs, Le réseau social a également diagnostiqué le cancer amèrement misogyne, perpétuellement lésé, qui se métastase dans toute la culture technologique nerd-bro alors que la plupart des observateurs étaient encore sous l'emprise du techno-utopisme millénaire. Rétrospectivement, le film s'est également avéré être un centre d'échange pour les jeunes acteurs dont la carrière était à un tournant en 2010, dont Andrew Garfield, Armie Hammer, Max Minghella et Rooney Mara, qui passeraient du personnage de soutien à la vedette de Fincher. prochain film, La fille au tatouage de dragon . (En parlant de transitions, le film a également été le premier à présenter une partition complète de Trent Reznor de Nine Inch Nails.) Une chose à propos Le réseau social ce qui n'a pas changé, c'est l'habileté remarquable avec laquelle Fincher fait tourner le suspense à partir de zéros et de zéros abstraits, même si le dialogue accrocheur d'Aaron Sorkin ne semble plus aussi frais qu'avant. [Katie Rife]


2. Le maître (2012)

Moonshine et thérapie, vies antérieures et malaise d'après-guerre, luxure et traumatisme, la mer et l'âme. Le chef-d'œuvre déroutant de Paul Thomas Anderson sur la recherche de sens en Amérique dans les années qui ont suivi la Seconde Guerre mondiale est un film aux sujets insaisissables, une allégorie refoulée dans les ironies et les énigmes humaines de ses personnages. Un marin alcoolique et obsédé par le sexe (Joaquin Phoenix) dérive dans le cercle restreint d'un chef de secte charismatique (feu Philip Seymour Hoffman) qui a plus qu'une ressemblance passagère avec L. Ron Hubbard - mais les parallèles avec les débuts de la Scientologie, bien qu'ils soient difficiles à manquer, ne sont qu'une partie du tissu du film. Encore plus que les fêtés Il y aura du sang , Le maître a annoncé la transformation d'Anderson en tant que scénariste-réalisateur. Là où des films d'ensemble antérieurs comme Soirées Boogie et Magnolia éblouis, les films de la période mature d'Anderson (également représentés sur cette liste par le sublime Fil fantôme ) captivent et fascinent, en concentrant notre attention sur des personnages qui sont aussi psychologiquement complexes qu'ils sont finalement mystérieux. Une classe de maître en jeu d'acteur et en réalisation, le film n'a rien perdu de son pouvoir à la fois de fasciner et de confondre depuis qu'il a dépassé notre première liste des meilleurs films de la décennie en 2015 . Si quoi que ce soit, son existence semble encore plus improbable. [Ignatiy Vishnevetsky]


1. Mad Max : Fury Road (2015)